LA POESÍA
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
La poesía, ese juego de palabras y métrica que a través del tiempo han cautivado el corazón de los amantes del talento literario reflexivo, así como del buen decir, acorde con la estética tanto escrita como verbal; poética que cautivara en la época medieval y renacentista en cuanto a expresión incluso muchas ocasiones coloquial.
Con Sor Juana Inés de la Cruz nació como estilo literario latinoamericano, en cuanto a máxima representatividad, volcándose posteriormente con López Velarde.
Con “Azul”, la obra poética de Rubén Darío se abrió paso al modernismo, incursionando artistas de diversos países de nuestro continente Americano como fueron, Amado Nervo, José Martí, Gutiérrez Nájera, Díaz Mirón o José María Otón; todos ellos formando el grupo que se conociera como “El Ateneo de la Juventud”.
El modernismo se inició con una serie de escritores, quienes buscaban la remodelación en el lenguaje literario con algunos elementos del romanticismo, otorgándole una perspectiva parnasiana, naturalista y estilística.
Rubén Darío al viajar rumbo a Europa se contactaría con el grupo intelectual lamado “Generación del 98” entre los que e encontraba Antonio Machado y Juan Ramón Jiménez. Mientras tanto la “escuela modernista” lograba imponerse bajo un estilo sonoro y colorido que desencajaba en especial con el movimiento de la Revolución Mexicana, próxima a gestarse y, en donde se daría paso a la “escuela contemporánea latinoamericana” , surgida entre situaciones económicas, políticas y sociales deplorables.
De ese modo surgió en nuestro país, incluyendo las grandes plumas de otros escritores sudamericanos, el grupo llamado “El taller” y con ellos, grandes exponentes como fueron Salvador Novo, Carlos Pellicer, Pablo Neruda, López Vallejo, Xavier Villaurrutia y Octavio Paz, los cuales pretendían tomar una postura más abierta y analista.
Octavio Paz entre otros, rompieron con el estilo de la métrica para verbalizar y se dio paso a la ruptura de la poesía formal en cuanto a versificar con cadencias, introduciendo un estilo con palabras repetitivas como estilo, en cuanto a darle mayor fuerza a algunas palabras empleadas, buscándole sentido al sinsentido.
LLORO
-“Lloro sin llorar,
para apartar ese hastío que mata mi alma sin anima”
anima que añora mi alma desolada
tras el tiempo irrevocable del
aliento del amor
que sin amor me sigue perturbando en mis noches de astío”_
Dalia María Teresa De León Adams.
DON JUAN
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
DON JUAN bajo la dirección artística de José Tagle ha tomado un carácter peculiar, en cuanto a puesta en escena se refiere. Con doce diferentes cuadros escenográficos y atuendos elegantes, es montado bajo el referente de los inicios del siglo pasado, dejando los atuendos tradicionales seculares a la época de su creador, José Zorrilla.
Empero, no pierde el personaje protagónico de DON JUAN, estelarizado por Nacho Tahhan junto con su Doña Inés (Sofía Sisniega) su carácter atrevido, libertino hedonista, y de eterno amante del placer y la farándula. Aquel hombre atractivo y seductor que incluye en su listado a todo tipo de mujer, retando a muerte con diestra habilidad a los hombres con quienes encuentra desacuerdos; tónica que le ha hecho ser una de las obras teatrales más representadas en nuestro país tanto con un perfil cómico, como en el llamado teatro clásico o “serio”, en las fiestas del mes de noviembre, en que conmemoramos a nuestros muertos.
Al respecto, la producción de María Inés Olmedo, conjuntamente con el Centro Cultural Helénico, manifiestan en su programa:
-“Don Juan es un viajero incansable, con fuerza tal para inspirar a creadores como Tirso, Mozart, Spronceda, Corneille, Molière, Unamuno, Pushkin, Byron, Da Ponte, Bernal Shaw, Bergman, Fellini, Zorrilla entre otros tantos, quienes a partir del histórico mito de su padre creador Don Tirso de Molina, continuaron la leyenda hasta nuestros días. DON JUAN no es un relato que se limita a un tiempo o un espacio; no tiene edad ni sexo; es el eterno conflicto de la ley y el amor, que nos determina como seres humanos capaces de morir por nuestra más alta pasión, a pesar de nuestros errores y ofensas.”-
DON JUAN es un hombre adinerado, pagado de sí mismo, con audacia e ingenio para seducir, mata con destreza; característica normal vista desde el punto de vista de la hombría que se pretendía ideal, en el siglo de Zorrilla, hecho que no debemos perder de vista respecto al personaje de DON JUAN (844), quien en época actual le convertiría en un vulgar y sangriento asesino. Sin embargo, bajo la pluma de Zorrilla adquiere un matiz de “Dandi”
José Zorrilla es uno de los íconos de la literatura no solo española, pues le trascendió su obra convirtiéndolo en un hombre Universal. Su DON JUAN TENORIO ha sido leído, traducido y puesto en escena en innumerables ocasiones y territorios, convirtiéndolo en un valuarte del romanticismo.
El escritor nació en Valladolid en el año de 1817, y moriría en Madrid, en 1893. Cromo es bien sabido, pese a haber iniciado sus estudios de leyes en Toledo, abandonaría la carrera al advertir sus propios dotes como literato.
Hoy en día es bien sabido qué destacaría por su obra literaria en donde se incluyeron inicialmente obra poética, leyendas y dramaturgias, hecho que le hizo casarse con una actriz, Juana Pacheco, su segunda mujer, al igual que tener la posibilidad de conocer a gente muy afamada, entre los que se encontraban Alejandro Dumas, George Sand, Alfred de Musset o Teófilo Gautier.
La obra DON JUAN se presentará solamente hasta el día 18 de diciembre, en el Teatro Helénico. ¡Vale la pena que la disfrute!
NUMANCIA.
POR: Dalia María Teresa de León Adams.
Últimamente hemos podido gozar de varias puestas en escena de dos grandes baluartes de la literatura Universa, como son el inglés William Shakespeare y el español Miguel De Cervantes Saavedra. En otros países también se hizo lo propio.
Festivales importantes como el Cervantino en México presentaros algunas de sus obras para homenajearlos y, a manera de continuar celebrando con los 400 años del deceso del escritor español Miguel De Cervantes Saavedra, la Compañía Nacional de Teatro se esta dando a la tarea de presentar una de sus obras, actuada por gran parte del elenco fijo que forman su repertorio actual.
NUMANCIA es la obra seleccionada de la Compañía qué aún no siendo una de las más conocidas por el público, demuestra la gran pluma del dramaturgo fallido Miguel De Cervantes Saavedra.
“Conseguir la victoria en la derrota” es la consigna de la obra, tras el firme sentimiento y demostración de la “dignidad”, colocando a ésta por encima de la derrota del pueblo y, de la inminente victoria del enemigo.
NUMANCIA ha sido la obra que durante mucho tiempo la literatura barroca colocó como el prototipo de la literatura dramática de la lengua española. Al respecto, Ignacio García considera, como demuestra de manera escrita textualmente, en el programa de mano de ésta obra teatral:
NUMANCIA es un texto esencial de la literatura dramática escrita en español, ya que entierra el teatro renacentista con sus últimos estertores a la vez que inaugura caminos visionarios de lo que será el conocido como Siglo de Oro. También porque plantea un camino de la tragedia que nunca se desarrollaría y que quedaría para siempre truncado, quizás por u tremendismo
Por su temática NUMANCIA también puede ser considerada como una obra perteneciente al género épico, pues transcurre el texto en la mayor del tiempo escénico, en el campo retórico y real de una batalla que para el pueblo de NUMANCIA sin embargo, se vislumbra de antemano en la derrota, ante un ejercito poderoso y mayormente numeroso.
El honor, la valentía, la solidaridad y el sacrificio son los valores que realzara Cervantes en ésta obra escrita en la tragedia de un pueblo, dispuesto sin embargo a enfrentar al enemigo qué con su presencia presagia el horror, la opresión y la violencia que se gesta en cada guerra, de cualquier lugar .
La Compañía bajo la dirección artística de Juan Carrillo, respetan al máximo el texto de Cervantes, lo enriquecieron con “elementos intertextuales retomados de varios escritores como Séneca, Cristóbal de Virués, Francisco de Quevedo, Jorge Luis Borges y Emilio Prados, bajo el objetivo de potencializar el texto de NUMANCIA en cuanto a drama se refiere.
En NUMANCIA se descubre la intención oculta de Cervantes de alabar y tomar partido tal vez no sólo del pueblo imaginario de NUMANCIA, sino también por rescatar un poco los valores que ya en su época, poco a poco se comenzaban a minar.
NUMANCIA se presenta en el teatro Julio Castillo en nuestra ciudad de México.
EL AÑO DE RICARDO.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
La impunidad a partir del poder, el genocidio, la demagogia, el abuso y las acciones deshumanizadas, son los esquemas que han manejado muchos emperadores, dictadores y en general varios dirigentes políticos registrados através del devenir histórico. Temática que ha sido presentada en crónicas e incluso en la misma ficción. Me refiero al mundo novelesco.
La obra “Ricardo III” del afamado escritor ingles Williams Shakespeare es una muestra de ello. Por dicha razón la dramaturga española Angélica Liddell al escribir su obra TEATRAL EL AÑO DE RICARDO hace un paralelismo sustancial con “Ricardo III”, aunque su tiranía encajaría perfectamente con muchas obras más de denuncia, en casi todos los géneros literarios.
Angélica Liddell fue premiada con el León de Plata en La Biennale celebrado en Venecia, Italia en el año 2013; en España fue merecedora del premio Valle-Inclán en 2008 y, en Francia, se le galardonó en Aviñón en 2010.
EL AÑO DE RICARDO logró convertirse en una de las obras teatrales llevadas a los escenarios Europeo con más éxito, bajo una consigna que intentar concientizar al público asistente y motivar hacia la reflexión crítica.
El villano Ricardo III de Shakespeare es recreado en la puesta en escena EL AÑO DE RICARDO bajo un paralelismo que encaja perfectamente con dirigentes dictadores en la actualidad. En la puesta en escena el personaje protagónico es Ricardo y se matiza con ese carácter inflexible y falto de benevolencia.
Dirigida por Alonso Barrera la obra retoma un matiz de parodia, con respecto al personaje de Ricardo. Este, conjuntamente con su leal y también cruel sirviente, incapacitado del habla ante la ausencia de su lengua, sigue a Ricardo en su mundo envuelto de amargura y frustración, que el pasado les engendra, convirtiéndolos en dos pequeños monstruos que se regocijan ante el dolor y el padecimiento humano.
Descarnados de sentimientos humanos, planean y se mueven en un mundo de falsedad sustentado por la demagogia política. Por ello la puesta en escena presenta el apoyo escenográfico de imágenes multimedia con líderes internacionales actuales, con lo cual intentan reafirmar la idea de que el personaje se mueve en el recalcitrante mundo del poder.
La trama resulta ser un monólogo ante la imposibilidad del personaje del sirviente de poder expresarse verbalmente en la obra. Ambos ataviados de manera elegante e impecable, contrastan perfectamente con el maquillaje exagerado que ambos presentan a manera de casi mimos y, que les otorga la posibilidad de moverse de manera exagerada, pero bajo la finalidad de matizar los de manera un tanto chusca a éstos personajes hambrientos de mayor poder que les infiere la corrupción y la sublevación del pueblo, ante un imperioso deseo de reconocimiento a través de la vista del mundo entero.
Los actores son María Aura en el papel de Ricardo, y Juan Velázquez Blanco en el rol del sirviente Catesby. Ambos mostrando una gran plástica actoral durante el tiempo escénico de 90 minutos en que transcurre la obra puesta en un solo acto y cuadro escénico.
La producción corre a cargo de La Secretaría de Cultura y La Fábrica de Teatro y se presenta en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque, los fines de semana.
RACISMO EN PLENO SIGLO XXI.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
A partir del siglo XX se dio paso al siglo de grandes inventos que revolucionaron nuestra forma de vida, me refiero a inventos como propulsar cohetes espaciales a la luna, como parte-aguas para enviar satélites artificiales y naves al espacio sideral en búsqueda de futuras rutas y conocimientos sobre el origen del Universo; también me refiero a los medios de comunicación que hoy día nos parecen sencillos, pero que con su alta tecnología rompiendo las barreras de la lenta comunicación, beneficios de la ciencia, arte y noticias que ahora llegan de manera instantánea gracias a las computadoras, teléfonos, celulares, radios, mensajería, robótica, aparatos electrónicos, entre mucha nueva tecnología como taxis voladores que comienzan muy recientemente a circular en la ciudad de Paris.
Tales logros podrían verse con orgullo, pero al parecer no van a la par con la ideología o consciencia social que impera a nuestras sociedades aún precarias. Digo precarias pues no podemos referirnos con orgullo a nuestra humanidad.
Falsos valores sociales siguen imperando en todos los lugares del planeta, en donde las diferencias económicas, sociales y raciales aún nos apabullan.
Continúan existiendo sectas y grupos represivos, como el kukus klan o el neo-nazismo. Actitudes machistas y malinchistas aún son acogidas en el mundo entero, junto con los complejos de superioridad o inferioridad puestos en pugna ante la procedencia étnica-cultural, que continúan filtrándose en el ámbito colectivo provocando grandes conflictos.
En Francia, país portador de grandes pensadores e ideólogos, fue la región portadora del legado que pretendiera ser “el prototipo de igualdad entre los derechos humanos” postulados a través de la Revolución Francesa en 1789, pero continúa sin embargo siendo la cúpula de un etnocentrismo y racismo petulante.
La raza ideal, postulada por el complejo psicológico alemán hitleriano, sigue acogiendo en varias regiones del planeta, a sociedades secretas neo-nazis.
La Organización de los Derechos Humanos como organismo Internacional, no ha logrado redimir conflictos, como por ejemplo, el antijudaísmo en contra la comunidad islámica que han padecido desde 1947 específicamente grandes masas en territorio Palestino.
En los Estados Unidos de América, país que simboliza la “Democracia Social” es la región que alberga a una gran contingencia pluri-étnica, estableciéndose asimismo como una cúpula pluri-religiosa mundial. El gobierno lejos de resolver las diferencias ciudadanas, ahora proclamó al líder racista, misógino de Donal Trump, pese a saberse que carece de bases políticas y de una plataforma política- ideológica que sustente su posible capacidad como dirigente político presidencial, fue electo casi mayoritariamente por la ciudadanía norteamericana, ante el gran desagrado mundial, sabiéndose de antemano qué afectaría las relaciones y acuerdos económicos internacionales. El dólar por lo pronto continúa fluctuando a la alza afectando nuestra moneda y con ello la muy probable amenaza del deterioro de nuestra economía, y ello sin aún considerar las deportaciones masivas y una relación hostil con el gobierno vecino.
Las comunidades mexicanas “chicaneadas” dieron la espalda al partido opositor y, con ello, a sus compatriotas, al votar a favor de Trump, al igual que la mayoría de la comunidad latina, africana, semita y oriental. ¡Casi increíble de asimilar!
Entonces cabe el preguntarnos, ¿de qué ha servido el avance de la ciencia y la tecnología con una sociedad mundial difícil de sanear?
NOCHE DE REYES
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Aún hoy día seguimos regocijándonos con la vasta obra del dramaturgo ingles Williams
Shakespeare, de tal modo que en diverso teatros continúan conmemorando los 400 años
del aniversario luctuoso de éste ícono universal. Y no podía ser la excepción el foro de “La
Gruta” en donde se ha estado presentando a partir del pasado sábado 12 de noviembre, la
comedia NOCHE DE REYES.
Quizás no sea una de las más representada en los escenarios internacionales, pero es una
de sus comedias más satíricas y divertidas de Williams Shakespeare.
La puesta en escena se encuentra bajo la dirección de Stuart Cox, la cual resulta ser muy
creativa en cuanto a la propuesta escénica, pues pese a ser una obra de la época isabelina,
la presentó Cox bajo una mezcla tanto isabelina, como contemporánea. Los vestuarios
también son de ambas épocas, pero nos mantienen la ilusión de estar en un reino sajón.
Acerca de la obra shakesperiana es interesante leer en el programa de mano de ésta puesta
en escena de manera literal, lo siguiente:
-“ Es la mayor comedia satírica social de Shakespeare. Ésta producción pone una mirada
sardónica en el narcisismo de los personajes a través de la moda, jugando anacrónicamente
desde la época Isabelina, hasta los hipsters de hoy, sobre una pasarela con una pizca de Rock
and Roll. Ésta producción celebra el éxito de los proyectos de Anglos Arts y Shakespeare,
impulsando actores en su carrera profesional.”-
El texto fue traducido por el mexicano Ángel Luis Pujante y es presentado con diálogos
coloquiales por los diversos actores, quienes actúan sobre una pasarela. Dichos actores
desarrollan su talento histriónico, pese a no ser tan reconocidos aún, debido a su breve
trayectoria en el mundo mágico del teatro.
La pasarela también sirve para presentar a un músico, quien toca el bajo y canta acorde con
algunos de los pasajes de ésta obra; puesta en un solo tiempo escénico, en donde también
se presenta un simulacro de un combate, con efectos de luces que permiten que éste sea
realmente risible y vistoso.
El elenco esta formado por Alexis Ortega, Alejandro Toledo, Fernando Canek, Geralldy
Nájera, Isaac Richter, Lizzy Auna, Mariano Ruiz, Quetzalli Cortés y Vanessa Marroquín.
La obra cuenta con la Coordinación en el vestuario de la Universidad Iberoamericana
además de la producción que corre a cargo de ésta, conjuntamente con Anglo Arts, The
British Council, Great y, del grupo “De Sabios Sueños y Locos”. Si Usted desea verla acuda al
teatro La Gruta del Centro Cultural Helénico.
LOS CLOWNESPECTACULOS.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
El 4º Encuentro Internacional de Clowns inició temporada el pasado lunes 7 de Noviembre, dando apertura con un espectáculo divertido que muestra el talento de los Clowns en su más alto nivel.
La temporada ha sido posible gracias a la colaboración de algunos argentinos, quebecanos, españoles, peruanos, suizos y por supuesto mexicanos.
Por ello se abrieron una serie de proyectos que van desde Talleres, Idiotología para la vida y el arte del payaso, Improclown, El placer y la honestidad del clown bajo la consigna de “ser complicado es simple, ser simple es complicado” ,así como clases magistrales que abarcaron la magia y ser clown en todo momento. Todo éstos eventos presentados en los diversos espacios del Centro Cultural Helénico y El CENART.
El evento inaugural que tuvo lugar el día lunes 7 de noviembre, como antes mencionamos, comprendió “La variedad” bajo la coordinación general de Andrés Aguilar, con la Orquesta Lavadero de Aziz Gual Perico “El payaso Loco”, Rulo clown y las Ensamblerías de Gardi Hutter, Adrián Conde y las hermana Kif Kif.
El martes 8 de noviembre se presentó “El Vagabondo Circo”; el miércoles 9 la Orquesta Lavadero con el número “Agradecidas Damitas”; el jueves 10 “Piccolo Camerino con Adrián Conde, el viernes 11 “Señor Clarín” de Aziz Gual y Geraldín Martines; el sábado 12 los espectáculos “I’m mexiclown” y “Cuerda” y, el domingo 13, La obra de Botton con La Piara teatro y Brujas Producciones, “5 Maromas y Payasada” de Rulo Clown, y la presentación de las hermanas canadienses Kif Kif.
El día de hoy, lunes 14 de noviembre esta planeado el evento denominado “La costurera” con la actriz suiza Gardi Hutter, con quien se dará fin de temporada de LOS CLOWNESPECTÁCULOS.
El evento será en el Teatro Helénico de la Ciudad de México a las 20:30 horas bajo el patrocinio de la Secretaría de Cultura, del Centro Cultural Helénico, de Cenartmx y YovoyAlTeatroMx.
LA NONA CONTRA LA MUERTE
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
El pasado domingo 6 de noviembre concluyó la temporada de un espectáculo divertido, dirigido para el gozo de toda la familia. Se llevó a cabo en un espacio abierto, es decir en la Plaza ángel Salas, presentándose a la audiencia sin costo alguno.
La Secretaría de Cultura junto con el INBA lo ofrecieron tomando en cuenta la temporada de “Días de Muertos” y Hallowing que acabamos de disfrutar, con su colorido y rico matiz que festeja a nuestros queridos difuntos ofrendándoles.
La NONA CONTRA LA MUERTE justamente fue eso, intentar ver el proceso de deceso desde un punto de vista no tan drástico, e incluso divertido y colorido.
La “Nona” palabra cuyo origen morfológico y fonético designa a la abuela en lengua italiana, presenta a una mujer longeva con apariencia frágil y simpático. Sin embargo el personaje es actuado por el actor Fernando Córdoba, con lo cual otorga a la viejecita una apariencia cómica en la medida en que pese a su figura frágil y diminuta, resulta ser dinámica, vital e inteligente, al grado de poder engañar a la propia muerte.
La Nona se da a la tarea de preparar una fiesta a su también longevo marido en el momento en que se presenta la muerte para lograr su cometido. La Nona entonces acude a persuadirlo de todas las maneras posibles para que le otorgue algunos minutos más de vida, y de este modo poder acabar de organizar su fiesta. La ingenua muerte cae en las pequeñas trampas de la Nona, otorgándole breves minutos más.
El desenlace terminó siento conmovedor, pues después de tantas perspicacias y peripecias practicadas por la Nona, en el momento en el cual no tiene más armas para persuadir a la muerte, por fin logra terminar de armonizar su fiesta con la ayuda del público al cual le ofrece globos, lucecitas estridentes y pequeños regalos. Cuando la muerte por fin la acosa, el viejecito compañero en la trayectoria de la vida de la Nona aparece disfrutando de su festejo y llevándolos juntos a los dos en un abrazo.
En el rol de la muerte colaboraron de manera alternativa Artús Chávez y Froylán Tiscareño subidos en dos grandes zancos que les permitió ser visualizados como seres de ultratumba, ataviados totalmente de negro con una capucha y pequeños bordados coloridos en los extremos del atuendo.
Así fue como concluyó la historia de ésta peculiar Nona quien por cierto, viajaba en triciclo.
EL FANTASMA EN EL ESPEJO
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Tras de haber acumulado tantos éxitos en taquilla la THE WOMAN IN BLACK o sea “La Dama de Negro” de la escritora británica Susan Hill, la productora Jorge Ortíz de Pinedo y Pedro Ortíz de Pinedo se interesaron en la producción artística de ésta afamada mujer, razón por la cual decidieron dar vida en el escenario a otro de sus éxitos.
Nacida en Scarborough, en el Reino Unido en el año de 1942, la escritora Susan Hill recreó el ambiente gótico ingles en su obra literaria, obteniendo los premios Somerset Maugham, Whitbread y John Llewellyn Rhys.
Su éxito hizo que THE WOMEN IN BLACK fuera llevada a la pantalla grande y a diversos escenarios teatrales en diferentes países. Otras de sus creaciones fueron ANGEL OF DEATH (Ángel de la muerte) y THE MIST IN THE MIRROR (El fantasma en el espejo) siendo ésta última, la producción que los Ortiz de Pinedo pusieron en escena a partir del día 28 de octubre 2016 para ofrecerla el público mexicano.
La narrativa parte de un ambiente gótico, con una historia de suspenso y de terror, en donde los fantasmas tienen cabida para el desarrollo de una trama donde un joven muy apuesto llamado James, interesado en conocer sus orígenes, se traslada a territorios Londinenses, lugar que sirve de referente a ésta obra teatral en los albores del siglo XX para desarrollar una historia de misterio.
El actor protagónico corre a cargo de Juan Diego Covarrubias, quien en ésta obra, debuta en teatro compartiendo créditos con el actor Pablo Valentín. Ambos actúan conjuntamente con Sergio Zaldívar, César Ferrón, Sergio Zaldívar y Alicia Paola todos éstos últimos estelarizando diversos personajes.
La ambientación de la puesta en escena transcurre en un ambiente semi-oscuro, con ocasionales apagones de luz que logran dar un mayor ambiente de terror, que se precisa en la obra. Con dos tiempos escénicos de 90 minutos aproximadamente divididos por 10 minutos del intermedio, la obra se desarrolla en un solo cuadro escenográfico donde se advierte parte de una casona vieja.
EL FANTASMA EN EL ESPEJO cuyo texto fue traducido y adaptado por Oscar Ortiz de Pinedo, se presenta en el teatro López Tarso del Centro Cultural San Ángel de la ciudad de México, bajo la dirección artística de Fernando Caneck, la escenografía de Teresa Alvarado y el efecto sonoro a cargo de Eliseo Santillán, todos los fines de semana.
ZAPATO BUSCA SAPATO.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Fábula infantil que la Secretaría de Cultura conjuntamente con el programa IBERESCENA, La Máquina de Tiempo y Trupe de Truöes se han dado a la tarea de presentar. Éste ha sido un proyecto entre México, Brasil y Mozambique con el afán de introducir a los pequeños al mágico mundo del teatro.
La dramaturgia es de Clarissa Malheiros, quien además funge como directora en colaboración con Rogério Manjate de ésta obra teatral, quienes con el despertar de la imaginación, le da vida a un pequeño zapato non que cae en la cuenta de que es un objeto diferente a los de su género, pues se encuentra solo en el mundo sin su par, al cual intentará buscar; para ello cruza tierra y mar enana constante búsqueda infortuitas.
En la trayectoria de sus viajes conoce a un sinnúmero de seres interesantes, conociéndolos en distintas regiones, con quienes vive diversas historias.
Triste al no encontrar a su otro zapato, de pronto comprende qué siempre existe alguien en éste mundo quien está dispuesto a compartir con nosotros nuestra vida. De pronto un buen día aparece frente a nuestros ojos asombrándonos a veces con su peculiar presencia. En el caso de ésta obra, el de un pequeño niño lisiado Mozambique.
Como buena fábula lleva implícito un hermoso mensaje al público, no solamente infantil; llevan consignas de aprendizaje a todo aquel que ama la reflexión.
La puesta en escena es en un solo acto escénico, con un cuadro en donde se observan varias cajas movibles, un tras-telón que simula una costa lejana y, cuenta con el apoyo de muñecos, títeres, disfraces de Toztli Abril de Dios; éstos hacen gala de los animalitos que el zapato protagónico encuentra a su paso en la búsqueda de su “sapato”. Este es un espacio escénico a cargo de Juliana Faesler, con el vestuario de Ben-Hadad Gómez.
El reparto estelar esta formado por Toztli Abril de Dios, Andrés Tena, Esteban Caicedo y Milena Pitombo, en mayoría versátiles al presentar diversos personajes.
En escena los actores cantan y bailan al son de diversos géneros musicales, propuestos por la coreógrafa Marisol Cal y Mayor quien logra que la puesta en escena sea más agradable. Puesta en escena la cual podrá Usted disfrutar junto con sus pequeños hasta el día 20 de noviembre en el teatro Xavier Villaurrutia los días sábados y domingos.
Estrenaron Comala.com de Benjamin Bernal
COMALA.COM Tercera Guerra Mundial
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
El pasado miércoles 19 de octubre en el Foro Off Spring de la Ciudad de México dio inicio la
temporada de las representaciones teatrales de la obra COMALA.COM escrita por Benjamín
Bernal. ¿Y quien es él? Muy probablemente ya Usted le conoce en cualquiera de sus facetas
creativas, pues incursiona como periodista y escritor.
Benjamín Bernal tiene un impresionante Curriculum Vitae. Abogado e Ingeniero por
profesión, habiendo estudiado en la UNAM y en el Colegio LaSalle, hoy en día es un gran
informador, cubriendo espacios tanto en la radio en “Teatrikando”, como en la televisión
ubicándose como director de Área en Canal “SHE” y en periódicos, es escritor de libros
y creador de revistas electrónicas en donde funge como director. Una de ellas cuyo sitio
Web se ubica en la página revistabenjaminbernal.jimdo.com/ La otra en
wwwbenjamin.bernal.com
Colabora en el periódico “El Sol de México” y en “El Día”, además de ser naturista y
acupunturistas, además posee su propio espacio en face book, con temas de interés en
política, finanzas, derechos humanos y arte.
Pero volviendo a “COMALA.COM Tercera Guerra mundial” siendo su creador, la obra teatral
se basa en la premisa entre la Guerra entre los dos géneros, es decir, entre mujeres y
hombres, tal vez como un visionario de un conflicto futuro a enfrentar y qué hoy día se
comienza a vislumbrar y qué según la dramaturgia, podría desatar una Tercera Guerra
Mundial.
Lo cierto es que la puesta en escena la cual se encuentra dirigida por Noe Nolasco resultó
ser sumamente divertida. También se presenta como parte del reparto, compartiendo
créditos con Kizai Maldonado, Xorge Zárate III, Yelitza Puchi, Noe Nolasco, César Real, Oscar Santini, Itzel Lara, Carlos Torres, Sandra Galaviz, Javier Roal, Miguel Arteaga y Ángela Ruiz.
La trama tiene como referente el pueblo de “Comala” legendario lugar que aparece en la obra del
escritor mexicano Juan Rulfo en su novela "Pedro Páramo". Comala sirve de parte-aguas
en la dramaturgia de Benjamín Bernal para desarrollar la idiosincrasia de la sociedad
mexicana, en donde poco a poco se han ido generando más conflictos en las relaciones
tanto laborales como amorosas en la lucha sobre el poder y la igualdad de géneros.
COMALA.COM Tercera guerra mundial esta escrita con un gran perfil tanto psicológico
como social en tanto a la postura que cada sexo, ha ido tendiendo dentro del rol social y,
que actualmente ha desencadena en un profundo desentendimiento entre las parejas.
Vista desde la modernidad COMALA .COM esta vislumbrada desde la perspectiva actual en
donde la cibernética es fundamental en el desarrollo y mundo vivencial; no sólo de nuestro
país, sino del mundo entero, por lo cual el título termina siendo muy ad-hoc al desarrollo
de la trama de ésta obra.
No en balde Benjamín Bernal ha sido galardonado por el APT en 1997 y con el Premio
Arlequín en 2013.
LOS ESPEJOS DE DON QUIJOTE.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Desde España, la dramaturgia de Alberto Herreros ha pisado escenarios mexicanos,
formando parte del XLIV Festival Internacional Cervantino, además de ser transmitida en el
Canal 22 y, cubriendo tres puesta en escena en el teatro Julio Castillo; ello bajo el patrocinio
del Instituto Nacional de Bellas Artes y la Secretaría de Cultura.
Alberto Herrero inspirado en la polémica figura de Cervantes y su magnánima obra del
“Quijote”, al igual que muchos otros escritores que tras de los cuatro siglo del legado de
Miguel de Cervantes Saavedra, han recreado parte de su creación y talento histriónico
retomando su obra.
A éste respecto el mismo dramaturgo español, nos referimos a Herreros quien además
estuvo a cargo de la dirección escénica, expresa textualmente dentro el programa de su
obra:
El montaje de CERVANTES y de su gran personaje y obre, EL QUIJOTE, es un valor permanentemente de
vigencia absoluta…
El montaje teatral, centrado en el día de la muerte de Cervantes, revisa la relación entre su vida y su
obra, entre sus fantasías y realidades con los intercambios entre ficción y realidad a que era tan dado el
gran autor.
Esos nuevos hallazgos de la investigación nos hace vernos de manera diferente a la luz de ese Nuevo
Quijote y ese Nuevo Cervantes más completo y real.
Pues bien, le diremos qué LOS ESPEJOS DE DON QUIJOTE se basan en la posible psiquis de
Cervantes, tras de su captura por supuesto fraude al rey, en cuanto al robo de impuestos
que se le imputaron y, que le llevaran preso bajo dicho cargo.
En la cárcel supuestamente conoce a su contemporáneo, el también muy reconocido
escritor Williams Shakespeare. Situación que dentro de la ficción de ésta obra teatral les
llevaría a conocerse en penosas circunstancias y por medio de Dorotea, la amante de
Cervantes con la que compartió una parte de su vida. Suceso que evidentemente en la vida
real no sucedió, pero que fue grandioso y productivo dentro de la imaginación de Alberto
Herreros.
De manera chuscas, la conversación que se crea entre éstos dos grandes íconos de la
literatura mundial, traerían por casualidad la inspiración de varios de los fragmentos de la
obra que se le imputa de manera mundial a cada uno de éstos talentosos escritores.
Ello hizo que el público disfrutáramos de una ingeniosa obra, recreada en la parodia de
éstas grandes figuras, arrancándonos constantemente risotadas con los diálogos llenos de
conocimientos sobre ambas producciones literarias.
FESTIVAL SHAKESPEARE Y CERVANTES, viven 4 siglos de Mitotes.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
La Compañía Nacional de Teatro UNAM conjuntamente con La Corrala Del Mitote, inspirados en la obra de dos grandes valuarte de la Literatura Universal como fueron el novelista español Miguel de Cervantes Saavedra y el escritor inglés Williams Shakespeare, tras de los 400 años de su muerte, como un homenaje mortuorio se han dado a la tarea de presentar a partir del pasado 1º de octubre, una serie de eventos culturales en donde se hace gala de sus talentos.
Los eventos abarcan desde teatro, charlas con el público, presentación de libros, conferencias, música, literatura, aula del espectador, teatro infantil, lecturas dramatizadas y, hasta cabaret.
La Corrala del Mitote fue creada por La Compañía Nacional de Teatro, dirigida por Luis de Tavira, pensando en llevar éste arte en todas sus variantes.
Surgió en el año 2012 como teatro trashumante y versátil bajo la finalidad de llevar el espíritu de las corralas del siglo español, que se llevaba por las calles del país. Del mismo modo éste proyecto desea introducir a la gente, incluso a aquellos que se resisten al arte, enfrentándolos en las plazas y calles con el arte teatral.
De dicho modo la gente podrá disfrutar de “los mitos de los héroes”, que la Compañía denomina “los mitotes”. Así fue como planearon el “Festival Shakespeare y Cervantes viven, 4 siglos de Mitotes”.
Se considera una celebración Internacional, en donde se presentan un poco más de treinta espectáculos, integrándose al evento países como España, Grecia e Inglaterra. Todo el mes de octubre Usted podrá disfrutar de éstos magníficos eventos.
CUANDO HABÍA GRANADAS EN NOVIEMBRE.
POR: Dalia María Teresa de León Adams.
Dos mentes, dos cuerpos atrapados en sus propios sufrimientos, dos caminos, dos destinos por cumplir y un enfrentamiento casual, son la parte médular de la dramaturgia de Leticia Huijara CUANDO HABÍA GRANADAS EN NOVIEMBRE.
Bajo la dirección de Mario Espinosa, reconocido en el medio teatral por sus valiosas colaboraciones, la obra nos muestra una temática cruenta sobre la realidad que aqueja nuestra actual ciudad; me refiero al tema del secuestro y el asesinato el cual casi se podría decir que esta de moda en nuestra ciudad. Estas palabras tal vez no son las adecuadas, pero desgraciadamente enmarcan perfectamente la apreciación de la ciudadanía temerosa por sufrirla.
Empero al tema disturbarte, la puesta en escena resulta ser atractiva por sus diálogos muy bien estructurados, por sus magníficas actuaciones y por su dirección.
La escenografía enmarca perfectamente la trama en la cual un recluso, acusado de secuestro y asesinato en contra de un hombre acaudalado, es visitado periódicamente por una periodista, quien interesada en los pormenores del crimen, paga al recluso a cambio de recibir información. El trato personal entre ambos resulta difícil, sin embargo la mujer continua con su objetivo.
Los pormenores vividos por el recluso terminan no siendo tan reveladores para su interlocutora, pues el preso terminó siendo un conejillo de indias en el cruel secuestro, en el cual fue involucrado en aras de un alto pago económico qué le facilitaría un cambio fortuito con su familia, al intentar junto a ella cambiar de vida, alojándose en la Unión Americana; plan que quedaría truncado.
El elenco esta formado por el actor Raúl Briones en el rol del rehén; la misma escritora y actriz, Leticia Huijara ejecuta el papel de la entrevistadora y, finalmente, Antonio Saavedra aparece como el policía recluta.
Usted tal vez se pregunte el ¿por qué la autora utilizó dicho título? Pues bien le contestaremos que no fue arbitrario. Éste alude a la psiquis del personaje protagónico del reo, quien recurre al recuerdo de su casi única etapa feliz en su vida, que fuese su infancia, CUANDO HABÍA GRANADAS EN NOVIEMBRE, cuando se sentía protegido y querido por su padres.
También le diremos que esta dramaturgia se basa en la psiquis de dos de sus personajes, por supuesto el del reo, como ya advertimos y, el de su entrevistadora, quien acude para escudriñar en parte de su propio pasado desconocido ante la ausencia en su vida de su padre.
Si desea conocer más de esta obra teatral, puede asistir los fines de semana al teatro “El Galeón” del Centro Cultural del Bosque, en donde se presentará gracias a sus productores los cuales son La Secretaría de Cultura, Televisa y la Compañía “Realizando Ideas”, esta en sólo corta temporada.
EL FANTASMA EN EL ESPEJO… Llega para atemorizar al público mexicano.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
La Producción de los Ortiz de Pinedo interesados por llevar al público obras con innovaciones en cuanto a técnica, que además sean de gran interés para el público amante del teatro, voltearon sus ojos hacia la dramaturga Susan Hill, autora de una de las obras más taquilleras en nuestra ciudad de México; nos referimos a “La Dama de Negro” la cual se ha sostenido durante el largo periodo de 22 años en cartelera, lo cual no es nada fácil.
En ésta ocasión la nueva creación de Susan Hill LOS FANTASMAS EN EL ESPEJO, fue traducida por Oscar Ortiz de Pinedo para poder ser puesta en escena en el foro López Tarso.
Es por dicha razón que la productora invocó a la prensa el día de ayer para hacer pública la próxima presentación de EL FANTASMA EN EL ESPEJO que tendrá cita el día 28 de octubre en el Centro Cultural San Ángel.
Bajo la dirección artística de Fernando Caneck, se recurrirá al formato que Pedro Ortiz de Pinedo creó para hacer de éste arte, un ámbito más atractivo para el espectador, técnica la cual utilizó la Producción de Jorge y Pedro Ortiz de Pinedo por primera vez, en la presentación de “La Dalia Negra” con éxito y asombro para el público asistente.
Me refiero a una ingeniosa técnica que Pedro Ortiz ideó, y qué por supuesto, volverá emplear en ésta puesta en escena. Ésta consiste en presentar de manera simultánea con las actuaciones del reparto estelar (los cuales son subidos en plataformas móviles) unas imágenes multimedia que se logran al introducir dos cámaras, que hacen posible la visibilidad de imágenes proyectadas en una mega pantalla, la cual se encuentra colocada dentro del foro, logrando con ello dar un efecto escenográfico. Cuentan con el apoyo de Teresa Alvarado, quien además fungirá como diseñadora del vestuario.
Al público le parecerá estar dentro de un comic, o bien, presenciando un filme cinematográfico, pero con la peculiaridad de estar actuando los actores en vivo.
El elenco estelar integrado por Juan Diego Covarrubias en el rol protagónico, junto con Pablo Valentín, Sergio Zaldívar, Alicia Paola y Cesar Ferrón prometen hacer de ésta obra un verdadero espectáculo de terror. Ellos hicieron atractiva la rueda de prensa al contar algunas anécdotas sobre las apariciones periódicas en el foro, del fantasma de una niña de cerca de doce años. Aseguraron que todos los teatros tienen sus propios fantasmas.
La obra es una promesa para aquellos que aman dicho género. La trama presenta el personaje de James Monmount, un atractivo joven inglés quien en búsqueda de su identidad, se adentrará en territorio Londinense persiguiendo los pasos de un famoso viajero, en aras de descubrir su propia identidad. Ello le llevará a abrir puertas ocultas hacia el temido mundo fantasmal.
Si Usted desea saber más, recuerde, acuda a partir del próximo viernes 28 de octubre al teatro López Tarso de la ciudad de México.
LA MIRADA DEL INVENTOR CIEGO.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Algunas ocasiones hemos escuchado hablar sobre el método de lectura braille, sin embargo no siempre nos queda claro a que tipo de sistema hace referencia. Para ello le diremos que es la manera en que las personas invidentes han logrado leer y escribir.
Dicho método utiliza como herramienta elemental las yemas de los dedos, lo cual permiten mediante el tacto, identificar las letras y, con ello por supuesto, lograr el entendimiento de frases y palabras que hacen posible cualquier idioma escrito.
¿Pero, porqué el hablar de éste tema? Resulta qué el pasado día sábado 3 de septiembre se estrenó en el teatro “El Galeón” la obra teatral LA MIRADA DEL INVENTOR CIEGO recreada en la vida del inventor del sistema braille, es decir del francés Louis Braille nacido en la provincia de Coupvray en el año de 1809 y su método que evidentemente lleva su apellido, el cual utiliza celdas con seis puntos; técnica que además aplicó no solamente en el alfabeto, sino en los números y notas musicales.
La dramaturgia no es un texto teatral común, es decir qué esta puesta en escena teatral, si bien trata sobre la infancia de Louis Braille, no es realmente actuada como observamos de manera habitual en casi todas las obras teatrales.
La trama esta inspirada en Louis Braille quien perteneciente a una familia de carpinteros, accidentalmente perdió la vista durante el trabajo. Este hecho hizo que su vida cambiara radicalmente y que ingresara a un internado con niños que presentaban el mismo problema. Ahí Braille comprendió que al perder el sentido d la vista, sus demás sentidos se acentuaban con los aromas, las texturas, la música y los sonidos . Es precisamente esta experiencia la que motivó a su escritora, la dramaturga Berta Hiriart a recrear su obra teatral en un escenario totalmente a oscuras. En él se ubican una serie de pupitres de escuela, en donde sientan al público haciéndolo partícipe de la obra al darle instrucciones, como si fueran parte del grupo de invidentes con los que convivió Louis Braille tiempo atrás.
Usted se preguntará tal vez ¿cómo es posible realizar un tipo de obra teatral con dichas características? Pues bien, resulta que las voces de los actores, son los que logran en entendimiento de esta historia, hablando de algunos pormenores sobre la vida real de Louis Braille, la cual narran, a la vez que juegan con la experiencia de vivirla en carne viva.
Sin embargo no todo el tiempo escénico transcurre oscuras, pues ocasionalmente con muy tenue luz, se ilumina el foro utilizando una gran pantalla de tela, que trasluce a los actores dando la apariencia de ser sombras. Éstas dirigen al público a la vez de actuar en el rol de los profesores del internado, donde creciera Braille.
Dicha experiencia hace sentir en carne propia tanto la angustia por no poder ver, pera además también la maravillosa experiencia de ser propositivos y encontrar otra forma de vida y esperanzas de lograr comunicarse.
La obra hace que sea disfrutable tanto para el público invidente como para los que tenemos la fortuna de poder ver. Con ello me refiero a que si bien, ésta puesta en escena comienza con la actuación de los personaje que dan vida a la familia, profesores y personas cercanas a Braille, la trama transcurre la mayor parte del tiempo escénico, en total oscuridad.
La dirección escénica se encuentra a cargo de su misma creadora, es decir, Berta Hiriart, contando con la co-dirección de Juan Carlos Saavedra.
El reparto estelar esta compuesta por Erika Bernal, Juan Carlos Sáenz, Susana Romero, Marco Antonio Martínez, Jesús Rodríguez y Cristian Arias. El diseño escenográfico y de iluminación es de Tenzing Ortega y finalmente le diremos que la producción se encuentra a cargo de La Secretaría de Cultura y Teatro Ciego.
Si Usted desea verla deberá asistir los días sábados y domingos a las 13:00 en el Centro Cultural del Bosque.
TANDAS Y TUNDAS
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Original de Judit Inda, LAS TANDAS Y TUNDAS es una parodia costumbrista que hace referencia a las tradicionales revistas mexicanas que deleitaban tanto a la gente en los albores del siglo pasado; obra teatral cuya trama se maneja a manera de ficción, presentando a la familia Cortés, los dueños de un teatro en la Ciudad de México durante la época Porfirista.
Empero a ello la trama presenta algunas de las figuras que hicieron furor en aquel momento, como lo fuera por ejemplo, la popular española María Conesa, más conocida como “la Gatita Blanca”, nombre que adquirió por la canción que ella interpretaba vestida toda de blanco, con un disfraz que simulaba ser tal animalito. Era una “tiple cómica” término que comúnmente se empleaba para hacer mención a las cantantes o vedette de teatro. La actriz Michelle Temoltzin la interpretó con gracia.
El resto del elenco son Russel Álvarez, Judith Inda, Nancy Castro, Raúl Aranda Lee, Laura Galo, Raúl Tirado Reina Mendizábal y Jorge Escandón.
La obra comprende la presentación de música de algunas arias operísticas, de zarzuelas, de cuplés y varios valses a la usanza francesa, española y cubana, como secularmente se estilaba en México. La consigna de la obra es “tandas sobre el escenario” y “tundas fuera de él”. Realmente la obra es una delicia por apreciar, con argumentos y diálogos ingeniosos y graciosos muy bien estructurados.
El vestuario deja muy en claro cuales son los personajes que representan a la clase popular y, cuales personajes forman parte del reparto artístico, dentro de las comedia de tandas. Por otro lado le contaré que un detalle el cual resulta ser muy agradable, además de otorgarle mayor credibilidad, es la presentación musical del violinista Carlos Torres y del pianista Rodrigo León, éste último quien además funge como asistente en la dirección musical de Luz Haydee, conocida como Tiki Bermejo.
Para la puesta en escena fue necesario recurrir a un director coral, quien en esta ocasión es el maestro José Galván. También se necesitó de la asesoría de un coreógrafo, es decir de Michel Teomltzin.
La dirección artística en general se encuentra a cargo del gran actor, el cual forma parte de la Compañía Nacional de Teatro y además director escénico, me refiero a Arturo Beristain, quien logró un muy buen trabajo en esta puesta en escena fresca y divertida que es LAS TANDAS Y TUNDAS.
La obra Usted la podrá disfrutar los días lunes a las 20:30 horas en el Teatro Helénico del Centro Cultural.
Avenida Revolución 1500 San Angel. Foto: Alex Bernal
PEQUEÑOS ZORROS
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
El teatro UNAM bajo la dirección artística de uno de los directores de teatro más prestigiado, me refiero al maestro Luis de Tavira están presentando partir del jueves 18 de agosto, la obra teatral PEQUEÑOS ZORROS de la dramaturga estadounidense Lillian Hellman.
Esta obra se estrenó con gran éxito en el año de 1939, debido a tocar un tema crudo y relevante para la época. La escritora Lillian Helman fue parte del grupo de grandes íconos como lo fueron Fitzgerald, Hemingway, Faulkner y Hammet, quienes se colocaron en el gusto y preferencia de lectores y amantes del teatro internacional.
En ésta ocasión la puesta en escena cuenta con la escenografía de otro de los grandes contribuyentes del mundo escénico, como lo es el maestro Alejandro Luna, padre del también destacado actor y director escénico, Diego Luna.
La obra muestra la falta de ética y de escrúpulos que en el sistema capitalismo se ha ido gestando a fuerza de la explotación de la clase trabajadora y de la devastación y contaminación del planeta por parte del sector industrial.
El remitente de la obra es en cualquier comunidad estadounidense en donde el desarrollo industrial comenzó a enriquecer a gran parte del sector empresarial a inicios del siglo XX.
Familias adineradas se traicionan en base a obtener un mejor estatus económico. Un sector de nuevos ricos capaces de cualquier acto ilícito son matizados en ésta historia, por lo cual el título de PEQUEÑOS ZORROS de entrada nos enmarca la parte médular de la trama.
Perteneciente al género dramático, la puesta del Señor Luis de Tavira es cautivadora, manteniendo de pie a gran parte del público asistente, quien así ovacionó a los realizadores de ésta puesta en escena.
El reparto estelar cuenta con grandes actores de la talla de Juan Carlos Vives, Arturo Ríos, Stefanie Weiss, Rodolfo Gueri, Ana Clara Castañón, Raúl Adalid, Marisol Castillo, Pedro de Tavira, José Antonio Becerril y Yulleni Pérez Vertti.
La obra Usted la podrá ir a ver los fines de semana en el Teatro Santa Catarina, en el barrio de Coyoacán de esta ciudad, hasta el día 9 de octubre.
DELIRIO… 3:45 AM “El luto del alma”
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
El día de ayer fue la apertura de la puesta en escena de DELIRIO…3:45 AM “El luto del
alma” original de la escritora mexicana Verónica Musalém, quien hizo saber que esta obra
teatral fue escrita especialmente para la actriz Ángeles Marín, con quien antes ya había
trabajado y quien toco a su puerta para pedirle que le escribiera un monólogo que hablase
sobre la depresión.
Ante ésta propuesta Verónica Musalém se dio a la tarea de realizar el monólogo DELIRIO…
3:45 AM “El luto del alma” el cual matiza a una bella mujer quien pierde la elocuencia y la
cordura ya en edad madura, perdiendo el amor y la credibilidad de su familia.
Su madre es su propio reflejo en un mundo en el que oscila entre mujeres, duendes y brujas
que se cruzan en su camino mientras conduce su automóvil. El tiempo parece inagotable y
corre entre mundos paralelos de realidad e irrealidades repetitivas.
Un espejo es el detonante del pánico que crea el evidente advenimiento de la vejez. Su
madre es una constante en su vida; una imagen que vuelve y se pierde en la memoria
recobrando fuerza para sentirse parte de ella. La imagen de su madre es evidente en su
rostro dibujado en un espejo con el paso de los años.
La soledad, la pasión, el hedonismo y la frustración son los constantes ingredientes de la
trama emotiva y paranoica que enreda la mente de una mujer que ama y teme al mismo
tiempo vivir.
DELIRIO 3:45 AM 2E luto del alma” es el fin de un constante sufrimiento, la llegada tan
temida pero ansiada de la muerte, el ocaso de una vida emotiva e intensa, tanto en gozo
como en sufrimiento.
La actriz Angeles Marín actúa con gran plástica actoral, demostrando que es capaz de
expresar la intensidad y emotividad de su difícil personaje. Actúa de manera esplendida en
éste monólogo que muestra las vicisitudes que hoy día comienzan a sufrir algunas personas
en un mundo cada vez más complejo, en donde la convivencia y el entendimiento empieza
a ser inentendible.
Todo ello lo logra bajo la dirección escénica de Víctor Carpinteiro, quien propone el
desnudo artístico que va muy ad-hoc a la temática y sirve ocasionalmente en la obra, de
parte-aguas para delimitar el cambio de temporalidad den la historia.
DELIRIO… 3:45 AM se presenta en el Círculo Teatral los días martes a las 8:30 horas bajo la
presentación de AL Producciones.
ALMACENADOS
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
La Compañía Teatral “Puño de Tierra” vuelve a presentar la obra teatral ALMACENADOS
debido al éxito obtenido.
El texto es de David Desola y la trama es interpretada por Héctor y Sergio Bonilla, bajo la
dirección escénica de Fernando Bonilla.
El regreso de dicha Familia en esta ocasión es el teatro Rafael Solana del Centro Cultural
Veracruzano, ubicado en la colonia Coyoacán en nuestra ciudad.
En realidad la obra fue estrenada en el año 2012 y, debido al éxito obtenido, fue que
decidieron continuar las representaciones de ALMACENADOS por quinta ocasión. Ya había
estado en el Foro Shakespeare, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris y en el Teatro
Arlequín, además de haber ofrecido algunas presentaciones mediante una gira al interior
de la República Mexicana.
También ALMACENADOS formó parte del Festival Héctor Azar e, la ciudad de Puebla y en el
Festival Internacional de Teatro de Manizales en Colombia.
La dramaturgia narra la historia del Señor Lino, quien tras de 29 años interrumpidos como
guardián de un almacén será sustituido por un joven llamado Nin, bajo la determinación
del propietario de la empresa de destituirlo bajo el rublo de retiro.
La rutina, el hastío y el deber, son los elementos claves de la idiosincrasia del Señor Lino,
quien sufre ante la idea de verse desplazado por un joven inexperto, por lo cual decidirá
persuadir a su jefe, en aras de revocar su jubilación.
La audacia e imaginación del joven cambiarán la rutina del viejo empleado, así como la
manera de mantener un almacén que se ha ido sostenido durante largo tiempo, sin una
lógica laboral aparente.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
La Compañía Teatral “Puño de Tierra” vuelve a presentar la obra teatral ALMACENADOS
debido al éxito obtenido.
El texto es de David Desola y la trama es interpretada por Héctor y Sergio Bonilla, bajo la
dirección escénica de Fernando Bonilla.
El regreso de dicha Familia en esta ocasión es el teatro Rafael Solana del Centro Cultural
Veracruzano, ubicado en la colonia Coyoacán en nuestra ciudad.
En realidad la obra fue estrenada en el año 2012 y, debido al éxito obtenido, fue que
decidieron continuar las representaciones de ALMACENADOS por quinta ocasión. Ya había
estado en el Foro Shakespeare, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris y en el Teatro
Arlequín, además de haber ofrecido algunas presentaciones mediante una gira al interior
de la República Mexicana.
También ALMACENADOS formó parte del Festival Héctor Azar e, la ciudad de Puebla y en el
Festival Internacional de Teatro de Manizales en Colombia.
La dramaturgia narra la historia del Señor Lino, quien tras de 29 años interrumpidos como
guardián de un almacén será sustituido por un joven llamado Nin, bajo la determinación
del propietario de la empresa de destituirlo bajo el rublo de retiro.
La rutina, el hastío y el deber, son los elementos claves de la idiosincrasia del Señor Lino,
quien sufre ante la idea de verse desplazado por un joven inexperto, por lo cual decidirá
persuadir a su jefe, en aras de revocar su jubilación.
La audacia e imaginación del joven cambiarán la rutina del viejo empleado, así como la
manera de mantener un almacén que se ha ido sostenido durante largo tiempo, sin una
lógica laboral aparente.
ALMACENADOS resulta ser una puesta en escena muy divertida y creativa en donde se
observa solamente un gran cuarto casi vacío, con viejo escritorio, una silla y un checador de
horas descompuesto. En la pared se encuentran escritos los cinco primeros días de la
semana, que son señalados uno por uno para indicar de manera gráfica al espectador, los
únicos cinco días en que transcurre la historia.
La actuación de los Bonillas ganó el largo y fogoso aplauso que el público asistente les
brindamos, tras de haber pasado unos gratos 90 minutos, que cubrieron esta puesta en
escena, la cual según tienen planeado su realizadores, cubrirá una corta temporada.
observa solamente un gran cuarto casi vacío, con viejo escritorio, una silla y un checador de
horas descompuesto. En la pared se encuentran escritos los cinco primeros días de la
semana, que son señalados uno por uno para indicar de manera gráfica al espectador, los
únicos cinco días en que transcurre la historia.
La actuación de los Bonillas ganó el largo y fogoso aplauso que el público asistente les
brindamos, tras de haber pasado unos gratos 90 minutos, que cubrieron esta puesta en
escena, la cual según tienen planeado su realizadores, cubrirá una corta temporada.
* Quizá se estrenó por el 2000 (N. dela R.)
ELÚLTIMO LIBRO DE LOS HERMANOS SALMÓN.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
El Teatro UNAM conjuntamente con DramaFest tienen contemplado presentar la obra EL
ÚLTIMO LIBRO DE LOS HERMANOS SALMÓN de Mariana Hartasánchez Frenk del 13 al 18
de agosto en la última edición del festival, como parte de las dramaturgias contemporáneas
qué se celebra de manera bienal, iniciando su segunda década de representaciones en ésta
ocasión.
Ginés Cruz adaptó el texto de Hartasánchez Frenk, el cual
narra de manera velada los terrores de la Alemania Nazi, razón que por demás esta decirlo,
fue lo que hizo que un gran conglomerado de judíos se vieran en la necesidad de exiliarse
en otros países y, con ello, poder escapar del eminente Holocausto.
Sin embargo la trama no pretende tocar de manera inminente los terrores de la guerra,
simplemente sirven de referente para enmarcar la historia de dos hermanos. En la obra
teatral los personajes protagónicos son los Salmon, dos judíos-alemanes que se refugiaron
en México.
Uno de ellos es el psicólogo Albert Salmon a quien sus pacientes, ante la dificultad de
pronunciar su apellido, le denominaban Doctor Alberto Salmón, como el pez. En la historia
éste accidentalmente el día de su huída, extravía por cierta confusión a su pequeña hija,
quien supone está junto con su hermano Hans Salmon. Hans es un fotógrafo extravagante y
amante de todas las damas con las cuales se encuentra y a las cuales suele fotografiar
desnudas.
Con ello surge el sentimiento de la culpa, el cual es compartido de manera paralela en la
historia, con una paciente quien pierde a su padre en un accidente, debido a que ella misma
lo persuadiera a viajar rumbo al Tíbet, en busca de su hermano quien se encontraba en
serios problemas.
Los temas a tratar son la incertidumbre, la complicidad, la desesperanza, pero sobre todo
como antes mencionara, el sentido de la culpa que lleva a los personajes a tomar decisiones
infortuitas; finalmente la psicología de los personajes los vuelve totalmente vulnerables
ante la tragedia que les conduce a la locura
Dicha culpa entre ambos hermanos por la perdida de la menor les hará retornar a la
Alemania, en donde encuentran a una singular mujer conocida como “La Quitaculpas”,
quien les hará conocer la verdadera historia de la pequeña judía, tras de haberse
extraviado justo antes de subir al barco con destino a México.
Los actores que protagónicos son Boris Schoemann y Ricardo White, junto con otros
actores de la misma talla histriónica, como son Pilar Boliver, Ana Beatriz Martínez y
Gerardo del Razo quienes presentan diversos personajes debido a los cambios de
vestuario, modulación de la voz y plástica actoral.
Obra de género barroco por su tratamiento, pero que se presenta bajo un matiz de humor
negro que hace que la historia, pese a ser muy cruenta, termine por hacer reír
constantemente al espectador.
La puesta en escena es en un solo acto de 120 minutos aproximadamente y, cuenta con una
escenografía que muestra una clínica médica constituida por un escritorio unas sillas y una
camilla, mobiliario que los mismos actores utilizan cambiándolos de lugar, de acuerdo con
la narración de la trama, además de presentarse en escena una especie de mostrador más
largo de lo común que sirve de tarima, simula una oficina y simula ser una pecera en donde
aparecen algunos salmones.
Ginés Cruz dirige esta obra llamada EL ÚLTIMO LIBRO DE LOS
HERMANOS SALMÓN quienes finalmente tanto en la dramaturgia como en la vida real, tras
de vivir dichas amargas experiencias, editaron su último libro.
HAMLET
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
El Festival Romaeuropa “Teatro di Roma” y “369 Gradi” en colaboración con el
Festival de Teatro Clásico de Almagro bajo el objetivo de buscar llamar hacia la
reflexión, sobre la problemática del ser humano que en la actualidad enfrenta bajo una
perspectiva generacional desfavorable ante el panorama socio-político y cultural
mundial.
Aunado a ello, como homenaje a los 400 años del deceso de uno de los escritores
clásicos más destacados de Inglaterra, es decir Williams Shakespeare, la Compañía
Italiana se dio a la tarea de representar en uno de los recintos más importantes de
nuestra ciudad, como es el Palacio de las Bellas Artes, la obra teatral de HAMLET.
Con dos únicas funciones se presentó los días viernes 5 y sábado 6 de agosto,
planeando viajar rumbo a Monterrey, en donde ofrecerán dos funciones más con el
apoyo de la Secretaría de Cultura en México.
En conferencia de presa se aclaró que la obra no pretende mantener el carácter
original imperante del personaje protagónico de Hamlet, sino que se presenta bajo un
matiz más humano, mostrando el lado vulnerable y humano de Hamlet. Con ello
lograron según afirmó Andrea Baracoa, su director y adaptador del texto qué la puesta
en escena adquiriera una mezcla de contemporaneidad, aunque respetando por
supuesto, el contenido esencial de la trama.
El montaje de HAMLET se apoyó con un recurso multimedia audiovisual y una
espectacular escenografía, iluminación y vestuario a cargo de Luca Brinchi y Roberta
Zanardo.
El reparto estelar esta compuesto por Lino Musella, Eva Cambiale, Paolo Mazzerelli,
Michele Sinisi, Andrea Trapani, Woody Neri, Livia Castiglioni y Gabriela Lavia.
Lastima que la gira fue planeada en muy corta temporada, pues con ello se impide que
algunos de los amantes del buen teatro internacional, disfrutaran de éste montaje.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
El Festival Romaeuropa “Teatro di Roma” y “369 Gradi” en colaboración con el
Festival de Teatro Clásico de Almagro bajo el objetivo de buscar llamar hacia la
reflexión, sobre la problemática del ser humano que en la actualidad enfrenta bajo una
perspectiva generacional desfavorable ante el panorama socio-político y cultural
mundial.
Aunado a ello, como homenaje a los 400 años del deceso de uno de los escritores
clásicos más destacados de Inglaterra, es decir Williams Shakespeare, la Compañía
Italiana se dio a la tarea de representar en uno de los recintos más importantes de
nuestra ciudad, como es el Palacio de las Bellas Artes, la obra teatral de HAMLET.
Con dos únicas funciones se presentó los días viernes 5 y sábado 6 de agosto,
planeando viajar rumbo a Monterrey, en donde ofrecerán dos funciones más con el
apoyo de la Secretaría de Cultura en México.
En conferencia de presa se aclaró que la obra no pretende mantener el carácter
original imperante del personaje protagónico de Hamlet, sino que se presenta bajo un
matiz más humano, mostrando el lado vulnerable y humano de Hamlet. Con ello
lograron según afirmó Andrea Baracoa, su director y adaptador del texto qué la puesta
en escena adquiriera una mezcla de contemporaneidad, aunque respetando por
supuesto, el contenido esencial de la trama.
El montaje de HAMLET se apoyó con un recurso multimedia audiovisual y una
espectacular escenografía, iluminación y vestuario a cargo de Luca Brinchi y Roberta
Zanardo.
El reparto estelar esta compuesto por Lino Musella, Eva Cambiale, Paolo Mazzerelli,
Michele Sinisi, Andrea Trapani, Woody Neri, Livia Castiglioni y Gabriela Lavia.
Lastima que la gira fue planeada en muy corta temporada, pues con ello se impide que
algunos de los amantes del buen teatro internacional, disfrutaran de éste montaje.
ALGO SOBRE LAS LEYES DE LA GRAVITACIÓN UNIVERSAL.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
El “12º Festival de Monólogos” dio inicio en nuestra ciudad de México el día 8 de julio en el
Teatro Orientación, comenzando con la obra teatral TRINIDAD GUEVARA, puesta en escena
que representó al país de Uruguay.
La segunda en presentarse fue DHL el día 9 de julio, obra que representó a la Ciudad de
México.
El estado de Jalisco tuvo turno el 10 de Julio con la puesta en escena de KAME HAME HA.
ALGO SOBRE LAS LEYAS DE GRAVITACIÓN UNIVERSAL nuevamente por parte de la Ciudad
de México fue la dramaturgia de Daniel De la O que bajo la dirección artística de Félix
Arroyo y Giselle Sandel, hizo posible la Compañía “La caja de teatro”, teniendo como
reparto estelar a la actriz Mercedes Hernández.
ALGO SOBRE LAS LEYES DE LA GRAVITACIÓN UNIVERSAL dio inicio explicando algunos
conceptos teóricos respecto a la gravitación, mencionando a grandes teóricos de la física
como lo fueran Issac Newton, Albert Einstein o Arquímedes de Siracusa. Empero a ello ésta
obra no pretendió explayarse en teorías científicas; éstas tan solo son el parte-aguas para
presentar una obra divertida pero, bajo un fondo filosófico. Por ello es que en el programa
de mano se lee de manera textual:
-“Las leyes de la física están ahí como conjuros para recordarnos como un hechizo que
los cuerpos que transitan por el mundo, y que nosotros somos apenas partículas en el
Universo capaz de desplazarse. Si las leyes de la física son válidas para todos los
cuerpos del Universo, deberíamos asumir que estamos compuestos en partes
diminutas de cada uno de los elementos que habitan en el infinito.”-
Bajo éstos preceptos fue que la trama nos presentó una historia contada por el personaje
protagónico de una mujer la cual se identificara como un ser hermoso embrujado por la
envidia que le despertó a la hechicera, quien la convirtiera en un ser volátil con una masa
corporal casi carente de peso.
La niña por dicha razón permanecería atada por orden de sus padres quien la amaban, y
quienes decidieron ponerle piedras y posteriormente grilletes en los tobillos durante largo
tiempo, por miedo de que la pequeña se deslizara rumbo al cielo y, por ello perderla algún
dia.
Sin embargo, en la adolescencia su único amigo la liberó de sus ataduras, permitiendo con
ello que la chica se liberara.
Con ello empezaría un bello viaje más allá de las estrellas y el cual describe.
La actriz durante todo el monólogo se presentó con un joven músico llamado Juan Domingo
Rogel, quien con sus melodías y sonidos, ambientaba la narración del cuento.
Ambos lograron hacer agradable esta puesta en escena difícil, como comúnmente suelen
ser los monólogos al carecer de diálogos emitidos por otros personajes, quienes hacen más
digerible cualquier historia.
Tras ALGO SOBRE LAS LEYES DE GRAVITACIÓN UNIVERSAL se continuaron presentando
varios los monólogos, como fueron MÁS VALE SOLAS QUE MAL ACOMPAÑADAS del Estado
de Coahuila, el día 12 julio. DON QUIJOTE, HISTORIAS ANDANTES de Yucatán el 13 de julio,
finalizando con el “Festival de Monólogos” el jueves 14 de Julio con la puesta en escena de
CACHORRO DE LEÓN CASI TODO SOBRE MI PADRE, obra que también representara al
estado de Yucatán.
MEDIDA POR MEDIDA
POR: Dalia María Teresa de León Adams.
Como homenaje luctuoso a los cuatrocientos años del fallecimiento de dos, de los más
grandes escritores universales; nos referimos al afamado inglés Williams Shakespeare y al
español Calderón de la Barca.
Por ésta razón varios escenarios teatrales se han dado a la tarea éste año, de presentar
algunas de sus magnas obras, tales el caso de La Compañía de Teatro y del IMBA, quienes
están presentado “Ricardo III “y “Medida por Medida” ambas de Williams Shakespeare.
En ésta ocasión mencionaremos únicamente la puesta en escena de Mauricio García
Lozano, el director y adaptador de MEDIDA POR MEDIDA.
Rompiendo un poco con la manera clásica de presentar a los personajes, con vestuario de
época, lenguaje verbalizado y ambientación escenográfica secular, la obra rompe con el
protocolo, (aspecto usual hoy en día, dicho sea de paso) para presentar una puesta en
escena más digerible a cualquier tipo de espectador.
Con ello nos referimos a que tanto el vestuario como el uso del lenguaje son coloquiales y
la ambientación escenográfica van acorde a nuestra época actual.
De éste modo por ejemplo, se inicia la obra en un burdel en donde las parejas bailan acorde
a ritmos de moda con un teclado y un micrófono.
La música en vivo es creada a base del diseño y la producción de Pablo Chemor, así como al
estilo coreográfico y movimientos escénicos a cargo de Vivian Cruz.
Todo ello logra que la obra sea un deleite para el público espectador.
La obra es una comedia de enredos en donde se ventila la pasión reprimida por la iglesia y
el gobierno, llevando a padecer la pena de muerte a dos de sus personajes, es decir, a
Claudio, un joven caballero y su novia Julieta, quien queda preñada por éste.
Los pormenores de la condena, así como la intervención de Isabel, la joven novicia
hermana del condenado a muerte, quien intentará rescatar a Claudio de tal castigo, forman
parte de ésta historia.
También se describe en la trama la injusticia y oportunismo Ángel, el delegado de un lugar
ficticio ubicado en las tierras de la antigua Viena.
Por supuesto no podía faltar las partes chuscas, representada por el personaje inteligente,
matizado de manera risible del duque Vicentio, protagonizado por Harif Ovalle, quien
recibió un especial reconocimiento del público, quien no dejó de aplaudirle de manera
calurosa.
El reparto además esta compuesto por Constantino Morán, Daniel Haddad, Leonardo
Ortizgris, Carlos Aragón, Ricardo Esquerra, Pablo Chemor, Haydée Boetto, Miguel Santa
Rita, Ilse Salas, Paula Watson y Ximena Romo.
Todos ellos jóvenes valores entusiastas.
Dicha puesta en escena se encuentra bajo la traducción al español de Alfredo Michel
Modenessi, y se presenta bajo la producción de la Secretaría de CULTURA y el INBA de
jueves a domingos, en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque, alternando las
presentaciones con la otra obra de Williams Shakespeare,“Ricardo III” a cargo de La
Compañía Nacional de Teatro.
LA BELLEZA
POR: Dalia María Teresa de León Adams.
Obra teatral original de David Olguín que se centra en un caso real ocurrido a mediados del
siglo XIX en un espacio circense.
La historia nos narra la pasión perversa que surgiera entre un empresario estadounidense
de “Picadilly Circus” con una mujer sinaloense llamada Julia Pastrana, quien padeciera del
síndrome de Hipertricosis Laguginosa, es decir, una mujer considerada “simio” por la
presencia de su excesivo bello.
Empero a su fealdad la mujer gozaría del amor pasional y un tanto perverso con el
empresario Theodor W. Lent , quien expresara sobre su persona“-No hay monstruo más
feliz que yo” .
El texto por su tratamiento puede considerarse un drama, pese al matiz romántico que se le
infiere a la obra.
La trama nos presenta la psiquis del circense Theodor W. Lent, enamorado de Julia
Pastrana, a quien convierte en su esposa y con quien presentara junto con otros
integrantes del circo, un espectáculo pleno de curiosidades vivientes.
El show con éxito extiende sus presentaciones rumbo a tierras rusas, en donde el estado de
gravidez ocasiona el fallecimiento de su mujer y su recién nacido hijo. Su amor y fiel apego
le llevarían a embalsamarlos.
Empero a dicha perdida, la vida parece brindarle una nueva oportunidad en el amor,
haciéndole conocer a otra joven con el mismo padecimiento, lo cual le permite contraer
nupcias, por segunda vez.
La relación estrecha entre las personas posmortums que antes conociera, le harán
incursionar en un mundo ficticio que le lleva hasta el filo de la locura.
La obra tiene gran peso en la parte psicológica de cada uno de los personajes,
protagonizados por tres grandes actores, quienes son, Laura Almela, Mauricio Pimentel y
Rodrigo Espinosa.
Éste último actor, es decir Rodrigo Espinosa, representa a diversos personajes, lográndolo
con los constantes cambios de vestuario y, por la modulación tanto corporal como de
adecuación de la voz.
Por su parte Mauricio Espinosa da vida en escena a las dos esposas del empresario
circense, es decir las Señoras Lent, sin embargo las matiza con diferente personalidad.
Laura Almela en el rol de Thedore W. Lent, logra otorgarle a su personaje el toque
masculino del hombre amante de una sola dama, es decir de Julia Pastrana, empero a su
singular fealdad.
La puesta en escena es dirigida por su mismo escritor, David Olguín, quien logra conmover
con ésta historia peculiar, al público presente.
La puesta en escena ya había sido presentada con éxito en el teatro “El Milagro”.
En ésta ocasión bajo la producción de la secretaría de CULTURA y el INBA se presenta en el
foro “El Galeón” del Centro Cultural del Bosque, de jueves a domingo, programan
concluir la temporada el día domingo 21 de agosto.
EL DICCIONARIO
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
El día de hoy (14 julio 2016) se estrenará a las 20:00 horas la dramaturgia del escritor Manuel Calzada
Pérez, en el teatro Xavier Villaurrutia como un homenaje a la finada lexicógrafa y
bibliotecaria española María Moliner, bajo la dirección artística de Enrique Singer.
La puesta en escena en un solo acto, muestra fragmentos de la vida de la dicciográfica
María Moliner, término con el cual ella misma se nominaba.
En realidad María Moliner se graduó en la Universidad de Salamanca como historiadora
pero, bajo el régimen de Franco se le envió a la Universidad de Ingeniería en Madrid, a
fungir, bajo el cargo de bibliotecaria.
La trama nos deja saber varios de las vivencias de María Moliner, desde la fecha de su
nacimiento ocurrido en el poblado de Paniza, Zaragoza en España corriendo el año de
1900, así como su vida austera junto con su marido el físico Fernando Ramón y sus cuatro
hijos, la pérdida de una hija recién nacida, el hostigamiento del régimen dictatorial del
régimen franquista y su visitas médicas con un neurólogo.
Es una obra bibliográfica por su tratamiento, más que costumbrista o perteneciente al
género histórico, pues la época franquista solo sirve de referente a ésta obra.
La trama narra algunos de los pormenores en los que fue creado EL DICCIONARIO, obra
ardua y difícil que constituye un gran legado a la lengua española. Fue y continúa siendo
editado por Grijalbo con gran éxito.
Cautivados tanto el dramaturgo como la Compañía Nacional de Teatro, por la labor titánica
de María Moliner, es la razón por la cual se estrenará a partir del día de hoy, en el Centro
Cultural del bosque, planeando terminar con la temporada de las representaciones hasta el
día 7 de agosto del presente año.
En escena actúa en el rol protagónico, la gran actriz Luisa Huerta, junto con un gran reparto
estelar compuesto por Óscar Narváez, Roberto Soto, Israel Islas y Eduardo Candás.
La obra resulta ser entretenida gracias a la dirección y a estar muy bien estructurado el
texto, en cuanto al manejo de diálogos y de las escenas que se presentan, recurriendo
constantemente a retrospecciones temporales; es decir, a las supuestas remembranzas del
pasado de María, que se diferencian del presente, manejado en la historia.
El marco escenográfico diseñado por Auda Caranza y Atenea Chávez hacen que el público
ubique las escenas en el interior de la casa de María, llena de fichas textuales que se
simulan hasta en las paredes plagadas de éstas y por doquier, así como la clínica
terapéutica de un neurólogo a quien María acudiese al descubrir su entonces incipiente
falta de memoria, la cual perdió paulatinamente llevándola al olvido del idioma y del
movimiento corporal.
EL DICCIONARIO de María Moliner es una obra que comprende dos extensos volúmenes
qué como ella misma expuso en su presentación, en cuanto a su uso debe ser clasificado de
la siguiente manera:
–“ Éste diccionario constituye un instrumento para guiar en el uso del español (…)
trayendo todos los recursos de que el idioma dispone.”-
Por ultimo quiero recurrir a un fragmento de la cita textual del dramaturgo de ésta obra
teatral, es decir el español Manuel Calzada Pérez, quien escribió lo siguiente, ante la noticia
de que su obra tocaría escenario mexicano:
-“Mucho se ha escrito sobre la proeza intelectual: que lo hizo solo con la ayuda de su
Olivetti, que se convirtió (y sigue siendo) en EL DICCIONARIO de los escritores, que se
atrevían a contradecir (y mejorar) el mismísimo Diccionario de la Real Academia.”-
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
El día de hoy (14 julio 2016) se estrenará a las 20:00 horas la dramaturgia del escritor Manuel Calzada
Pérez, en el teatro Xavier Villaurrutia como un homenaje a la finada lexicógrafa y
bibliotecaria española María Moliner, bajo la dirección artística de Enrique Singer.
La puesta en escena en un solo acto, muestra fragmentos de la vida de la dicciográfica
María Moliner, término con el cual ella misma se nominaba.
En realidad María Moliner se graduó en la Universidad de Salamanca como historiadora
pero, bajo el régimen de Franco se le envió a la Universidad de Ingeniería en Madrid, a
fungir, bajo el cargo de bibliotecaria.
La trama nos deja saber varios de las vivencias de María Moliner, desde la fecha de su
nacimiento ocurrido en el poblado de Paniza, Zaragoza en España corriendo el año de
1900, así como su vida austera junto con su marido el físico Fernando Ramón y sus cuatro
hijos, la pérdida de una hija recién nacida, el hostigamiento del régimen dictatorial del
régimen franquista y su visitas médicas con un neurólogo.
Es una obra bibliográfica por su tratamiento, más que costumbrista o perteneciente al
género histórico, pues la época franquista solo sirve de referente a ésta obra.
La trama narra algunos de los pormenores en los que fue creado EL DICCIONARIO, obra
ardua y difícil que constituye un gran legado a la lengua española. Fue y continúa siendo
editado por Grijalbo con gran éxito.
Cautivados tanto el dramaturgo como la Compañía Nacional de Teatro, por la labor titánica
de María Moliner, es la razón por la cual se estrenará a partir del día de hoy, en el Centro
Cultural del bosque, planeando terminar con la temporada de las representaciones hasta el
día 7 de agosto del presente año.
En escena actúa en el rol protagónico, la gran actriz Luisa Huerta, junto con un gran reparto
estelar compuesto por Óscar Narváez, Roberto Soto, Israel Islas y Eduardo Candás.
La obra resulta ser entretenida gracias a la dirección y a estar muy bien estructurado el
texto, en cuanto al manejo de diálogos y de las escenas que se presentan, recurriendo
constantemente a retrospecciones temporales; es decir, a las supuestas remembranzas del
pasado de María, que se diferencian del presente, manejado en la historia.
El marco escenográfico diseñado por Auda Caranza y Atenea Chávez hacen que el público
ubique las escenas en el interior de la casa de María, llena de fichas textuales que se
simulan hasta en las paredes plagadas de éstas y por doquier, así como la clínica
terapéutica de un neurólogo a quien María acudiese al descubrir su entonces incipiente
falta de memoria, la cual perdió paulatinamente llevándola al olvido del idioma y del
movimiento corporal.
EL DICCIONARIO de María Moliner es una obra que comprende dos extensos volúmenes
qué como ella misma expuso en su presentación, en cuanto a su uso debe ser clasificado de
la siguiente manera:
–“ Éste diccionario constituye un instrumento para guiar en el uso del español (…)
trayendo todos los recursos de que el idioma dispone.”-
Por ultimo quiero recurrir a un fragmento de la cita textual del dramaturgo de ésta obra
teatral, es decir el español Manuel Calzada Pérez, quien escribió lo siguiente, ante la noticia
de que su obra tocaría escenario mexicano:
-“Mucho se ha escrito sobre la proeza intelectual: que lo hizo solo con la ayuda de su
Olivetti, que se convirtió (y sigue siendo) en EL DICCIONARIO de los escritores, que se
atrevían a contradecir (y mejorar) el mismísimo Diccionario de la Real Academia.”-
HOMO EMPATHICUS
POR: Dalia María Teresa de León Adams.
-“ Imaginate: Una sociedad en la que existe la igualdad total. Todas las dependencias
abusivas estan eliminadas y el idioma es liberado de todas las huellas de
discriminación. La gente se encuentra con respeto y amabilidad. La comprensión del
otro es más importante que el interés individual de cada uno. Es un paraíso de salud
psíquica y un oasis de respeto. Ya no se trata de maximización de ganancia sino de
tener una felicidad nacional de base. Ya no existe el concepto de hombre egoísta y
controlado por sus instintos. La gente es ahora cooperativa, social y justa.”-
Esta es la sinopsis de la obra que viene narrada textualmente en el programa de mano de la
obra teatral HOMO EMPATICUS que através del proyecto “Theater Welt, es decir del
“Encuentro de la dramaturgia contemporánea de Alemania en México”, se presentó el día
de ayer en el teatro El Granero Xavier Rojas, del Centro Cultural del Bosque.
La puesta en escena esta a cargo del grupo “TransLímite”, un grupo de jóvenes quienes se
han dado a la tarea de presentar la dramaturgia original de la escritora alemana Rebekka
Kricheldorf
HOMO EMPATHICUS fue llevada a escena en su país con gran éxito, dos años atrás.
En esta ocasión se presenta en México bajo la traducción al español de Olga Sánchez
Guevara, la dirección artística de Cecilia Ramírez Romo y, la producción general de Myrna
Moguel, quien además forma parte del elenco estelar junto con Dulce Mariel, Daniela
Luque, Alejandro Zavaleta III, Manuel Cruz Vivas y Eugenio Rubio.
Todos ellos actuando con gran naturalidad y plástica actoral, presentando un texto que
acaba siendo comedia agradable, con buen perfeccionismo que la trama pretende otorgarle a
los personajes, de un tiempo imaginario no descrito, en donde se busca la exactitud y la
ética que lleva al rechazo de los seres, que pretenden escapar a dicha perfección.
Aunado a este mundo de seres empathicus, se presenta en escena a una pareja que
contrasta con la realidad escénica y, que son Adan y Eva; personajes en contraposición a la
postura de la perfección. Pareja que sirve de modelo para con ello hacer un paralelismo y
una crítica subjetiva a nuestra sociedad actual, en donde reina la violencia, la desigualdad,
la injusticia y la falta de ética o valores en cuanto a la integridad del ser humano actual, se
refiere.
Los personajes portan solamente unos impermeables que translucen su desnudez, con
desnudos que van ad-hoc que la retórica en torno a la belleza de todo ser humano, ante el
cuestionamiento de uno de los miembros de la sociedad HOMO EMPATHICUS a su gran
maestro, en cuanto al problema de la fealdad.
La escenografía consta de una especie de pantalla que transluce la silla en donde
permanece el gran maestro, una planta que es la “La fuente de la vida”, un frasco con un
supuesto feto y seis pequeños frascos atomizadores con “el agua de la alegría”. Ello
armonizado con el diseño sonoro de Xico Reyes y la Programación Multimedia de Raúl
Mendoza Rosas.
La obra se presenta gratuitamente el día de hoy y mañana, solamente; cuenta con una
duración de 90 minutos.
POR: Dalia María Teresa de León Adams.
-“ Imaginate: Una sociedad en la que existe la igualdad total. Todas las dependencias
abusivas estan eliminadas y el idioma es liberado de todas las huellas de
discriminación. La gente se encuentra con respeto y amabilidad. La comprensión del
otro es más importante que el interés individual de cada uno. Es un paraíso de salud
psíquica y un oasis de respeto. Ya no se trata de maximización de ganancia sino de
tener una felicidad nacional de base. Ya no existe el concepto de hombre egoísta y
controlado por sus instintos. La gente es ahora cooperativa, social y justa.”-
Esta es la sinopsis de la obra que viene narrada textualmente en el programa de mano de la
obra teatral HOMO EMPATICUS que através del proyecto “Theater Welt, es decir del
“Encuentro de la dramaturgia contemporánea de Alemania en México”, se presentó el día
de ayer en el teatro El Granero Xavier Rojas, del Centro Cultural del Bosque.
La puesta en escena esta a cargo del grupo “TransLímite”, un grupo de jóvenes quienes se
han dado a la tarea de presentar la dramaturgia original de la escritora alemana Rebekka
Kricheldorf
HOMO EMPATHICUS fue llevada a escena en su país con gran éxito, dos años atrás.
En esta ocasión se presenta en México bajo la traducción al español de Olga Sánchez
Guevara, la dirección artística de Cecilia Ramírez Romo y, la producción general de Myrna
Moguel, quien además forma parte del elenco estelar junto con Dulce Mariel, Daniela
Luque, Alejandro Zavaleta III, Manuel Cruz Vivas y Eugenio Rubio.
Todos ellos actuando con gran naturalidad y plástica actoral, presentando un texto que
acaba siendo comedia agradable, con buen perfeccionismo que la trama pretende otorgarle a
los personajes, de un tiempo imaginario no descrito, en donde se busca la exactitud y la
ética que lleva al rechazo de los seres, que pretenden escapar a dicha perfección.
Aunado a este mundo de seres empathicus, se presenta en escena a una pareja que
contrasta con la realidad escénica y, que son Adan y Eva; personajes en contraposición a la
postura de la perfección. Pareja que sirve de modelo para con ello hacer un paralelismo y
una crítica subjetiva a nuestra sociedad actual, en donde reina la violencia, la desigualdad,
la injusticia y la falta de ética o valores en cuanto a la integridad del ser humano actual, se
refiere.
Los personajes portan solamente unos impermeables que translucen su desnudez, con
desnudos que van ad-hoc que la retórica en torno a la belleza de todo ser humano, ante el
cuestionamiento de uno de los miembros de la sociedad HOMO EMPATHICUS a su gran
maestro, en cuanto al problema de la fealdad.
La escenografía consta de una especie de pantalla que transluce la silla en donde
permanece el gran maestro, una planta que es la “La fuente de la vida”, un frasco con un
supuesto feto y seis pequeños frascos atomizadores con “el agua de la alegría”. Ello
armonizado con el diseño sonoro de Xico Reyes y la Programación Multimedia de Raúl
Mendoza Rosas.
La obra se presenta gratuitamente el día de hoy y mañana, solamente; cuenta con una
duración de 90 minutos.
VIAJE DE TRES
POR: Dalia María Teresa De León Adams
El día de ayer se dio inicio a la obra teatral VIAJE DE TRES original de Jorge Fábregas, un
mexicano que ha ido incursionando a través del tiempo también en el ámbito de la
actuación y de la producción.
Ésta obra formó parte de la Muestra Estatal de Teatro 2013 y, galardonada con un Premio
Nacional, representando al Estado de Guadalajara.
Con la participación de Jesús Hernández, Mauricio Cedeño, Lucía Cortes y Olaff Herrera,
quienes actúan con gran frescura que infiere credibilidad a la historia, la obra contiene un
gran humorismos implícito en sus diálogos bien estructurados, recurriendo
ocasionalmente a la narración de los hechos, por parte de los personajes protagónicos.
La trama nos narra las peripecias vividas entre tres personas qué logran ir al encuentro de
un chamán, tras de haber visto una familia el promocional de éste, por vía televisiva.
Un señor longevo, ante los problemas que vive a causa de su enfermedad grave, decide
recurrir a dicho curandero ante la incapacidad de la medicina alópata para curarle, por lo
cual realiza el viaje junto con su enfermera personal y uno de sus hijos.
Éste ultimo un hombre, Emilio, es una persona madura con una actitud muy peculiar, que el
escritor matiza como nacido sabio. Sin embargo muestra constantemente su hipocondres
agudizada con su continuo desacuerdo con el padre, a quien empero a todo ama.
La localidad a donde se dirigen es pequeña y aislada, por lo cual deberán cubrir varias
horas de camino a pie para su arribo, e incluso dormir en el asfalto, ante la falta de
hospedaje por el inmenso grupo de consultante en espera por el chamán.
El fraude del curandero se evidencia con gran humorismo, así como por otra parte la
manera de conducirse de la mujer, ante el intento de encontrar una relación ya fuera
meramente sexual o romántica.
El amor es uno de los elementos que se hacen patentes en ésta trama, la cual sin embargo,
no lleva el peso necesario para hacer considerar a ésta obra, como perteneciente al género
teatral romántico. Por su tratamiento podríamos considerarla un tanto “costumbrista” en
la medida en que muestra valores e idiosincrasia del mexicano provinciano.
En cuanto a el apoyo escenográfico, tan sólo se recurre a la presentación de tres sillas, un
televisor y un espacio cubierto por pequeñas piedras, pero suficientes para la realización
de ésta puesta en escena.
VIAJE DE TRES se presentará hasta el 3 de julio bajo la dirección escénica de Luis Manuel
Aguilar, en el Teatro Orientación del Centro Cultural de Bosque, bajo la producción del
INBA y La secretaría de CULTURA.
I.D.I.O.T.A.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Clasificada como la mejor obra de éste año, I.D.I.O.T.A fue presentada el día de ayer en el
foro teatral Fernando Soler, en el Centro Teatral Manolo Fábregas, por medio de la
importante Compañía Teatral “Mejor Teatro”, Morris Gilbert y Sebastián Blutrach.
La obra es una dramaturgia original del catalán Jordi Casanovas, quien el día 14 de mayo
del año pasado, también la dirigió en la ciudad de Barcelona con gran éxito.
Obra teatral en la cual actualmente comparten créditos en el escenario dos grandes figuras
del medio artístico en México, y que son Jesús Ochoa e Itatí Cantoral, ambos protagonistas
de éste Dark Comedí.
Los dos actores compartiendo escenario por primera vez, en ésta puesta en escena, la cual
se presentan bajo la dirección escénica de Jaime Matarredona y Nelson Valente, además del
diseño escenográfico tan creativo a cargo de Jorge Ballina
La escenografía muestra un cubículo todo en blanco con un sillón adaptado con un micro,
además de pantallas aparentemente ocultas entre las paredes presumidamente
electrificadas y movibles que abren pequeñas compuertas, muy ad-doc a la ambientación
que se desea inferir al texto.
La trama presenta a un hombre que en plena quiebra económica se presenta desesperado,
a una Compañía de Investigación Neuropsicológica, tras de haber consultado el anuncio
periodístico en el cual se solicitaba “Una persona sana, para realizarle una prueba de
eficiencia mental” ofreciendo por ello una Buena remuneración.
Es de éste modo como los personajes protagónicos se inmiscuyen ante una prueba
terapéutica que se canaliza en base a diversos acertijos qué el solicitante deberá responder.
Con diálogos bien estructurados y muy inteligentes, la historia muestra hasta donde puede
una persona llegar, seducida por una cuantiosa cantidad de dinero, aparentemente fácil de
ganar, pero que le conllevará a situaciones psíquicas-emocionales extremas.
La obra es un deleite por su temática inteligente y bien tratada, además de por las grandes
actuaciones de sus protagonistas y su equipo de realizadores en general.
El evento por supuesto, fue galardonado con la presencia de todos los realizadores de ésta
puesta en escena interesante, en compañía de personalidades del medio artísticos, entre
los que se encontraban por dar algunos ejemplos, la viuda de Manolo Fábregas, Mario Iván
Martínez, Jaikovich, Eduardo España, María del Sol, Erick Elías, Daniela Ciangueroti, Luis
Magaña y Odín Dupeyrón, entre muchas más.
I.D.I.O.T.A. está programada para ser presentada en corta temporada cubriendo solamente
doce semanas que cubrirán de jueves a domingos.
Fb:IDIOTAMX y Tw: @IDIOTAMEX
VIAJE DE TRES
POR: Dalia María Teresa De León Adams
El día de ayer se dio inicio a la obra teatral VIAJE DE TRES original de Jorge Fábregas, un
mexicano que ha ido incursionando a través del tiempo también en el ámbito de la
actuación y de la producción.
Ésta obra formó parte de la Muestra Estatal de Teatro 2013 y, galardonada con un Premio
Nacional, representando al Estado de Guadalajara.
Con la participación de Jesús Hernández, Mauricio Cedeño, Lucía Cortes y Olaff Herrera,
quienes actúan con gran frescura que infiere credibilidad a la historia, la obra contiene un
gran humorismos implícito en sus diálogos bien estructurados, recurriendo
ocasionalmente a la narración de los hechos, por parte de los personajes protagónicos.
La trama nos narra las peripecias vividas entre tres personas qué logran ir al encuentro de
un chamán, tras de haber visto una familia el promocional de éste, por vía televisiva.
Un señor longevo, ante los problemas que vive a causa de su enfermedad grave, decide
recurrir a dicho curandero ante la incapacidad de la medicina alópata para curarle, por lo
cual realiza el viaje junto con su enfermera personal y uno de sus hijos.
Éste ultimo un hombre, Emilio, es una persona madura con una actitud muy peculiar, que el
escritor matiza como nacido sabio. Sin embargo muestra constantemente su hipocondres
agudizada con su continuo desacuerdo con el padre, a quien empero a todo ama.
La localidad a donde se dirigen es pequeña y aislada, por lo cual deberán cubrir varias
horas de camino a pie para su arribo, e incluso dormir en el asfalto, ante la falta de
hospedaje por el inmenso grupo de consultante en espera por el chamán.
El fraude del curandero se evidencia con gran humorismo, así como por otra parte la
manera de conducirse de la mujer, ante el intento de encontrar una relación ya fuera
meramente sexual o romántica.
El amor es uno de los elementos que se hacen patentes en ésta trama, la cual sin embargo,
no lleva el peso necesario para hacer considerar a ésta obra, como perteneciente al género
teatral romántico. Por su tratamiento podríamos considerarla un tanto “costumbrista” en
la medida en que muestra valores e idiosincrasia del mexicano provinciano.
En cuanto a el apoyo escenográfico, tan sólo se recurre a la presentación de tres sillas, un
televisor y un espacio cubierto por pequeñas piedras, pero suficientes para la realización
de ésta puesta en escena.
VIAJE DE TRES se presentará hasta el 3 de julio bajo la dirección escénica de Luis Manuel
Aguilar, en el Teatro Orientación del Centro Cultural de Bosque, bajo la producción del
INBA y La secretaría de CULTURA.
PASIÓN
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
De Peter Nichols nacido en Bristol, en el Reino Unido el 31 de julio del año de !927, PASIÓN
constituye su obra cumbre.
Acreedor a diferentes preseas como el Premio Laurence o el Premio Tony, el escritor
incursionó en el ámbito del cine, la televisión y el teatro.
Su obra teatral PASIÓN dirigida por cierto en México hoy en día por David Olguín, es una
dramaturgia que resulta muy ad-hoc a la problemática actual que se vive tanto en nuestra
sociedad como en la de otros países pues contiene una temática controvertida qué a mucha
gente le interesa o ha experimentado.
Nos referimos al amor, la pasión y la traición. Temas que han inspirado a los escritores de
toda época, pero qué en ésta ocasión, es tratada sin tapujos.
Una mujer madura tiene un matrimonio convencional en el cual la cotidianidad y el largo
tiempo de convivencia parecen haber convertido invulnerable a la relación de la pareja. Sin
embargo, aparece una joven mujer agraciada que con su frescura y deseos de vivir contagia
a la pareja, entrometiéndose en su intimidad, e intentando separarla.
La confianza y la seguridad menguan con la llegada de la joven quien hábilmente les
maneja, haciéndose pasar por amiga agradable de la destacada mujer, quien destaca en el
campo de la música. Su marido por otro lado es un famoso pintor qué por su condición de
“hombre prohibido” seducen a la joven.
PASIÓN es una dramaturgia muy bien escrita que permite utilizar a dos actores a la vez,
para dos de los personajes protagónicos y, con ello poder expresar a un mismo tiempo, los
sentimientos y relación manipulando hábilmente a la pareja.
Le comentaremos qué Peter Nichols con su obra PASIÓN obtuvo la nominación de mejor
obra, convirtiéndose en ganadora, al considerarse la mejor comedia nueva, incluso también
fue nominada en otros rublos.
Hoy día nos podemos deleitar con ésta puesta en escena divertida, pese a la comedia
termina casi en drama.
PASIÓN es una obra teatral que es presentada los fines de semana en el Centro Cultural
Helénico, y ha logrando una considerable audiencia; ello debido también a su reparto
estelar formado por Verónica Merchant, Carmen Beato, Juan Carlos Barreto, Moisés
Arizmendi, Alejandra Ambrosi, Paloma Woolrich y Verónica Bravo, que por demás esta
decirlo, son en su mayoría actores con muchas tablas.
Finalmente le comentaremos como dato interesante una apreciación que aparece de
manera literal en el programa de mano y que especifica :
-“ Peter Nichols dice en su diario que al escribir esta obra pretendía “hablar con la verdad”,
pero que se había convertido en un montón de mentiras. Lo cierto es que la pasión de amor,
como acto transgresor, crece en un campo. Como buen humorista, Nichols explora ese doble
filo, a la vez superficial y profundo, donde un montón de mentiras permite florecer, en medio
de la catástrofe, de separaciones dolorosas y dobles caras que se caen de sin vergüenza, la
verdad simple y destructora que encierra una sola palabra: PASIÓN.
SEÑORA KLEIN
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Tal vez Usted alguna vez ha escuchado hablar de Melanie Klein, pero para quienes aún no
han conocido su obra le diremos que ha sido una de las grandes pilares sobre los estudios
del psicoanálisis.
Nació en Viena en el año de 1882 y murió en Londres en 1960. Fue hija del rabino Moriz
Reizes y su madre fue Libusa Deutsch.
Su formación como psicoanalista la llevó a convertirse en la pionera de los análisis
aplicados a infantes; hecho que la enfrentó con la terapeuta Anne, hija del reconocido
médico y padre del psicoanálisis, es decir Sigmund Freud.
Uno de los mayores aportes de Melanie Klein fue el de la elaboración de técnicas del juego;
reformuló el complejo de Edipo y dio bases sobre la importancia de la agresividad y la
destrucción.
La doctora Melanie Klein fue quien inspiró al escritor ingles Nicholas Wright a escribir su
obra intitulada SEÑORA KLEIN. En ella elabora diálogos imaginarios utilizando como
personajes a dos de sus colegas terapeutas, Paula y Melita, siendo ésta última su propia
hija.
Ésta pieza teatral intenta entrar en la psiquis del personaje principal, es decir de SEÑORA
KLEIN desnudando su alma al tratar de evidenciar la difícil y casi nula relación familiar que
mantuviese con sus tres hijos a quienes, desde pequeños intentó análisis, aplicando sus
propias teorías y conclusiones.
Es un drama que muestra algunos de los momentos cruentos vividos por la terapeuta.
Inicia con la noticia de la muerte de su hijo Hans a cuyo velorio deberá asistir, por lo que se
prepara para iniciar un viaje a la ciudad de Budapest.
Empero a ser un drama, la trama es manejada con cierto humorismo negro que las actrices
logran inferirle mediante diálogos inteligentes y bien estructurados, bajo un lenguaje
coloquial.
Ellas son la primera actriz Emoé de la Parra, Paola Izquierdo y Alejandra Maldonado quien
alterna con Georgina Rábago.
La obra fue escrita en el año de 1988 y, por primera ocasión se estrenó en nuestra ciudad
en el año de 1994, bajo la dirección del destacado Ludwik Margules.
Hoy día la obra esta dirigida por la misma Emoé de la Parra.
NOCHE Y NIEBLA
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Inicialmente el texto original de Jaime Chabaud NOCHE Y NIEBLA fue escrito para servir
de guión en la industria cinematográfica, en la cual se realizó corriendo el año de 1955.
La película fue documentada por Alain Resnais y tuvo como base el material fotográfico
incautado a los nazis con un guión de Jean Cayrol.
Intitulada como NOCHE Y NIEBLA, termina por ser el título original del documento nazi
NACHT UND NEBEL; documento que fuera firmado por el mariscal Wilheim Keitel y qué
habla de las terribles atrocidades cometidas por los alemanes, a sus victimas humanas
durante la Segunda Guerra.
Víctimas las cuales sufrieron de tratos infrahumanos y muertes tormentosas, sin tomar en
cuenta el despojo de sus dignidades, salud mental y por supuesto de sus bienes materiales.
La obra teatral reestrenada en el la sala Héctor Mendoza a partir del 12 de mayo, se
encuentra muy bien dirigida por Fernando Santiago y por cierto, cuenta con las excelentes
actuaciones a cargo de las actrices Teresa Rábago, como Odila y, Ana Isabel Esqueira, en
doble rol, como Claudia y Elisa.
Puesta en un solo cuadro escenográfico y un solo tiempo escénico, la obra además cuenta
con la magnífica escenografía de Kay Pérez, en donde se presiente el desasosiego y el dolor,
apariencia qué junto con el vestuario de Marina Meza, el diseño de iluminación, multimedia
y efecto sonoro de Kay Pérez y Alberto Rosas, muestran lo devastador de los sufrimientos y
circunstancias de la Guerra.
Sin embargo el terror y el holocausto acaban por resultan minimizadas, pero no por ello la
dramaturgia deja de ser impactante y conmovedora.
La catástrofe y el dolor vívido de los personajes, no son solo una denuncia exclusiva a la
época Hitleriana, pues desgraciadamente el devenir historio esta lleno de ese triste matiz
de NOCHE Y NIEBLA qué pese al orgullo de la inteligencia humana, ha abatido todas las
épocas y espacios sobre nuestra tierra aún aterrando a sus habitantes.
NOCHE Y NIEBLA es una de las puestas en escena que presenta la Compañía Nacional de
Teatro en co-producción con el INBA y la Secretaría de Cultura y, terminó la temporada de
representaciones el día domingo 22 de mayo.
NOCHE DE ESTRENO
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
OPENING NIGHT es un drama que fue escrito inicialmente para cine y, en cuyo estreno en
el año de 1977 tuvo venta de taquilla casi agotada.
Sin embargo fue corto el periodo en que logró proyectarse en las salas de cine.
En ella actuaban Gena Rowlans en el rol protagónico junto con Ben Bazzala, Joan Blondell,
Paul Stewart, Zohra Lampent y el mismo John Cassavetes; éste ultimo escritor y director
del filme.
En la ciudad de Los Ángeles California, con fecha de 1977 se presentó OPENING NIGHT en
el “Fox Wilsbire Theatre” con una venta de boletos casi agotados, sin embargo el tiempo de
sus proyecciones en los diferentes cines que se presentó, fue breve.
Sin embargo, un año más tarde su actriz protagónica Gena Rowlans sería galardonada con
el premio “El Oso de Plata” en el Festival de Cine Internacional en Berlín como la mejor
actriz, en tanto que en el Festival de Cannes concursaba como mejor guión cinematográfico
esta obra.
En México, Tina French y Antonio Castro se dieron a la tarea de traducir y adaptar dicho
drama para ser estrenado en teatro “El Galeón” con su título en español NOCHE DE
ESTRENO.
El reparto estelar fue encabezado por Ariane Pellicer quien actuó de manera emotiva y con
gran plástica actoral en el papel de Myrna, una mujer que sufre de ansiedad y soledad,
quien a edad madura es contratada para protagonizar en teatro, a un personaje longevo
que lejos de seducirle, le parece carente de lógica y matices, por lo cual se niega a
representarlo con profesionalismo.
El accidente de una joven fans hacia la diva, le dará vuelcos a su vida; accidente que
finalmente el escritor deja en duda si era real dentro de la historia o, era producto del
desajuste psicológico sufrido por Myrna.
El actor Arturo Ríos, como Sammy, dentro de la trama, es el supuesto director de la obra y
quien, junto con su dramaturga, ésta actuada por Tina French como Sara, sufren por el
estado emocional de la actriz protagónica, y de su negativa por respetar el texto de la obra.
En la trama aparecen otros tres personajes más, apareciendo Karina Hurtado, como Doris,
Pamela Ruz como Nancy y finalmente en el rol de Mauricio, Martín Altamaro.
Éste ultimo fue representado en la premier de la obra por el mismo autor de OPENING
NIGHT, es decir, John Cassavetes.
Es una producción de Cultura UDG, la obra es presentada por La Secretaría de Cultura
y el INBA en el Centro Cultural del Bosque de jueves a domingos.
MEMORIA: COMBINACIÓN DE SILENCIOS Y SONIDOS
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Con una duración de 50 minutos “MEMORIA: combinación de silencios y sonidos” se ha
estado presentado los días martes en el foro La Gruta, del Centro Cultural Helénico, en la
ciudad de México, cerrando el ciclo de sus representaciones, el día de mañana martes 27 de
abril.
Es un espectáculo que conjuga actuación, creatividad y música, para representar el juego
de la memoria que implica narrar una historia; historia que puede ser la de cualquier
persona que mediante el diálogo y los recuerdos reviva toda una vida.
Y es en base a este proyecto qué la trama incurre a presentar tres personajes que narran
sus propias vivencias, entre pausas, para volver a retomarlas posteriormente en escena.
Con estas palabras quiero decir que, cada actor comienza a expresar sus experiencias,
marcando una pausa durante la cual el compañero continua su diálogo y así sucesivamente.
La escenografía en un solo cuadro presenta un espacio en negro en donde cuelgan diversas
cuerdas que entrecruza o deshila uno de los jóvenes actores.
Aparece un violin que es tocado durante todo el tiempo escénico, deteniéndose
ocasionalmente, para darle mayor peso a la actuación.
En el programa de mano podemos leer el trasfondo médular de ésta puesta en escena que
de manera textual dice:
-“Tres personas sobre un escenario vuelven la ficción una realidad, la de sus recuerdos. Ellos
se acompañan con lo que escuchan del otro y descubren que es la única forma de permanecer
juntos, en medio de la gran historia que es la vida del otro. La pregunta es ¿cómo algo
personal puede volverse universal.
MEMORIAS es una obra teatral de género experimental, escrita y presentada por el joven
grupo denominado Territorio Común que se ha ido presentado bajo la dirección artística
de Hebzoariba Hernández, bajo las actuaciones de Tamizamy Ayala, Omar Felgueres y
Mario Alberto Moreno y, con la música original de Omar Felguerez. Todos bajo la
producción de la Secretaría de Cultura.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Con una duración de 50 minutos “MEMORIA: combinación de silencios y sonidos” se ha
estado presentado los días martes en el foro La Gruta, del Centro Cultural Helénico, en la
ciudad de México, cerrando el ciclo de sus representaciones, el día de mañana martes 27 de
abril.
Es un espectáculo que conjuga actuación, creatividad y música, para representar el juego
de la memoria que implica narrar una historia; historia que puede ser la de cualquier
persona que mediante el diálogo y los recuerdos reviva toda una vida.
Y es en base a este proyecto qué la trama incurre a presentar tres personajes que narran
sus propias vivencias, entre pausas, para volver a retomarlas posteriormente en escena.
Con estas palabras quiero decir que, cada actor comienza a expresar sus experiencias,
marcando una pausa durante la cual el compañero continua su diálogo y así sucesivamente.
La escenografía en un solo cuadro presenta un espacio en negro en donde cuelgan diversas
cuerdas que entrecruza o deshila uno de los jóvenes actores.
Aparece un violin que es tocado durante todo el tiempo escénico, deteniéndose
ocasionalmente, para darle mayor peso a la actuación.
En el programa de mano podemos leer el trasfondo médular de ésta puesta en escena que
de manera textual dice:
-“Tres personas sobre un escenario vuelven la ficción una realidad, la de sus recuerdos. Ellos
se acompañan con lo que escuchan del otro y descubren que es la única forma de permanecer
juntos, en medio de la gran historia que es la vida del otro. La pregunta es ¿cómo algo
personal puede volverse universal.
MEMORIAS es una obra teatral de género experimental, escrita y presentada por el joven
grupo denominado Territorio Común que se ha ido presentado bajo la dirección artística
de Hebzoariba Hernández, bajo las actuaciones de Tamizamy Ayala, Omar Felgueres y
Mario Alberto Moreno y, con la música original de Omar Felguerez. Todos bajo la
producción de la Secretaría de Cultura.
DUELE
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
21 abril 2016
Por fin dio inicio la obra teatral DUELE original de Rajiv Joseph, con Ludwika Pleta y
Osvaldo Benavides, quienes interpretan los roles estelares de la trama.
El evento dio inicio con la presentación para prensa e invitados. Entre éstos últimos
estuvieron presentes para acompañar y apoyar a los actores el primer actor Mauricio
Herrera, Rodrigo Murray, Dalilha Polanco, Claudia Ramírez, Alfonso Herrera entre otros
jóvenes valores en el medio de la actuación.
El evento fue muy significativo tanto para Ludwika como para Osvaldo Benavides, pues
ambos debutaron como productores junto con Pedro Ortiz de Pinedo, quien cuando aún ya
habido co-producido con su padre, en ésta ocasión lo hizo de manera independiente con
“Chipote con Sangre y Brontes S.C”.
La obra fue puesta en escena en un solo acto, con escenografía móvil que le permitía
imaginar al espectador, encontrarse en diversos tiempos y lugares, pues la dramaturgia
necesitaba ubicar a los personajes en una pequeña ciudad, en donde los protagonistas de la
historia tienen desde 8, a 38 años de edad.
Por ello es que la historia es presentada en ocho diferentes escenas, las cuales se van
desarrollando con prospecciones y retrospecciones; es decir qué el tiempo no transcurre
de manera lineal como comúnmente sucede en la presentación de las tramas teatrales, sino
que juegan con la temporalidad, presentando los sucesos simulando los actores tener
ambos 8 años, después 23, luego regresan a los 13, para después retomar los 28 años, los
18, los 33, los 23 y finalmente los 38 años.
Karina y Diego son los nombres de los personajes, quienes se conocen desde la niñez y van
desarrollando una amistad que se transforma en un amor, infortuito casi siempre, por los
avatares del destino.
Son dos personas que pasan gran parte de su vida sufriendo de accidentes, lo cual ubica sus
encuentros siempre dentro de clínicas u hospitales.
El auto-flagelamiento y el exponerse a continuos riegos son los ingredientes de ésta trama,
en donde dos seres se encuentra y se necesitan. Temática con un transfondo psicológico
interesante, hoy día en boga.
Dichos personajes son acompañados durante todo el tiempo escénico por la música en vivo
de una guitarrista y un tecladista, quienes ocasionalmente cantan o emiten falsetes con el
apoyo en la supervisión del sonido de Pablo Lach.
DUELE fue traducida y adaptada por Fernando Canek, puesta en escena bajo la dirección de
Diego del Río y, se presenta en el teatro López Tarso en el Sur de la Ciudad de México todos
los fines de semana.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
21 abril 2016
Por fin dio inicio la obra teatral DUELE original de Rajiv Joseph, con Ludwika Pleta y
Osvaldo Benavides, quienes interpretan los roles estelares de la trama.
El evento dio inicio con la presentación para prensa e invitados. Entre éstos últimos
estuvieron presentes para acompañar y apoyar a los actores el primer actor Mauricio
Herrera, Rodrigo Murray, Dalilha Polanco, Claudia Ramírez, Alfonso Herrera entre otros
jóvenes valores en el medio de la actuación.
El evento fue muy significativo tanto para Ludwika como para Osvaldo Benavides, pues
ambos debutaron como productores junto con Pedro Ortiz de Pinedo, quien cuando aún ya
habido co-producido con su padre, en ésta ocasión lo hizo de manera independiente con
“Chipote con Sangre y Brontes S.C”.
La obra fue puesta en escena en un solo acto, con escenografía móvil que le permitía
imaginar al espectador, encontrarse en diversos tiempos y lugares, pues la dramaturgia
necesitaba ubicar a los personajes en una pequeña ciudad, en donde los protagonistas de la
historia tienen desde 8, a 38 años de edad.
Por ello es que la historia es presentada en ocho diferentes escenas, las cuales se van
desarrollando con prospecciones y retrospecciones; es decir qué el tiempo no transcurre
de manera lineal como comúnmente sucede en la presentación de las tramas teatrales, sino
que juegan con la temporalidad, presentando los sucesos simulando los actores tener
ambos 8 años, después 23, luego regresan a los 13, para después retomar los 28 años, los
18, los 33, los 23 y finalmente los 38 años.
Karina y Diego son los nombres de los personajes, quienes se conocen desde la niñez y van
desarrollando una amistad que se transforma en un amor, infortuito casi siempre, por los
avatares del destino.
Son dos personas que pasan gran parte de su vida sufriendo de accidentes, lo cual ubica sus
encuentros siempre dentro de clínicas u hospitales.
El auto-flagelamiento y el exponerse a continuos riegos son los ingredientes de ésta trama,
en donde dos seres se encuentra y se necesitan. Temática con un transfondo psicológico
interesante, hoy día en boga.
Dichos personajes son acompañados durante todo el tiempo escénico por la música en vivo
de una guitarrista y un tecladista, quienes ocasionalmente cantan o emiten falsetes con el
apoyo en la supervisión del sonido de Pablo Lach.
DUELE fue traducida y adaptada por Fernando Canek, puesta en escena bajo la dirección de
Diego del Río y, se presenta en el teatro López Tarso en el Sur de la Ciudad de México todos
los fines de semana.
BASTIAN Y BASTIANA
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
La obra teatral BASTIAN Y BASTIANA que ofrece la Compañía MEJOR TEATRO en el Teatro
Banamex Santa Fe curiosamente es la primera obra operística que Wolfgang Amadeus
Mozart compusiera.
W. Weiskern y A. Schachtner la han utilizado para lograr un texto en versión
contemporánea, pensando en el disfrute de niños y grandes, montando para ello un
espectáculo operístico muy divertido y sobre todo de índole cultural.
Los diálogos son traducidos al español en una pantalla al fondo del foro , misma que hace
las veces del escenario, ocasionalmente para presentar el fondo de la escenografía.
Mediante cantos operísticos es transcurren los diálogos, que utilizan los personajes en
escena para conversar y darle lógica al transcurso de la historia.
Dicha historia o trama es presentada mediante distintos cuadros, es decir, diferentes
escenarios que simulan ser por ejemplo la habitación de Bastiana, una calle, o el salón de
clases de Bastiana, para finalmente presentar una cafetería. Todo ello es a base de la
utilización del un equipo multimedia y de escenario móvil, como es recurrente en las
grandes producciones de los Señores Morris Gilber y Federico González Compeán en apoyo
con la Compañía Mejor Teatro, en nuestra ciudad de México.
Durante la obra teatral en escena aparecen Bastiana interpretada por la soprano Irasema
Terrazas, cantando y actuando en compañía del personaje de Colás a cargo Charles
Oppenheim quien aparece en la historia como conciliador y narrador ocasional de los
enredos y sucesos, además de Bastián interpretado por el joven tenor Hugo Colín.
Los tres cantan bajo la batuta musical de Isaac Saúl, quien aparece en escena tocando un
piano en vivo.
En la trama, dirigida por Jaime Matarredona, Bastiana aparece preocupada porque su novio
Bastián, ya no responde a sus mensajes telefónicos, por andar saliendo con otras chicas.
Ella desesperada consulta con el gran mago Colás, quien con un poco de magia y buenos
consejos, logra que Basián vuelva nuevamente enamorado de Bastiana.
Colás, con su rostro todo pintado de verde y, aparece ocasionalmente entre butacas. Su
vestuario es muy colorido, como el resto del reparto estelar, quienes además utilizan
llamativas pelucas de colores. Vestuario con la cual logran hacer muy vistosas las escenas.
La música por supuesto es de Mozart. Puesta en escena muy cultural que sin embargo
gracias a los diálogos chuscos hace constantemente reír al espectador.
El grupo Arpegio Producciones Arte y Entretenimiento es quien hace posible este
espectáculo operístico, siendo una compañía independiente, que desea llegar al público
infantil.
La puesta en escena dio inicio el pasado domingo 9 de abril en el Teatro Banamex Santa Fe
con una duración de 70 minutos, en donde la obra BASTIÁN Y BASTIANA logra su cometido
que es el divertir a el público tanto infantil introduciéndolo con esta simpática comedia de
amor, al mundo operístico
EL JUGLARÓN
POR: Dalia María Teresa De León Adams
El “Carro de Comedias” a través de la Dirección de Teatro, el día de ayer dio inició a la
temporada de sus representaciones con una obra teatral denominada EL JUGLARÓN del
escritor y poeta León Felipe, con cuyas poesías comenzó la trama.
Todos los realizadores de esta puesta en escena son jóvenes provenientes de la Escuela
Nacional de Arte y Teatro, del Colegio de Literatura Dramática y del Teatro de la Facultad
de Filosofía y Letras de la UNAM.
Son artistas entusiastas qué interesados en llevar obras clásicas y contemporáneas se
presentan en diversos estados, municipios, delegaciones y escuelas. Incluyen trajes
llamativos con gran colorido, pelucas y títeres que alegran la puesta en escena junto con
algunos cantos, bailes y música en vivo.
Un carromato les sirve a la compañía Carro de Comedias de escenario para presentar
cuatro cuentos, en base el primero a la consigna de “la Mordida” en donde se narra el
encuentro de un joven cuya herencia cambia a un siervo, quien le vende a su hermoso
ganso. La venta parece ventajosa pues el joven entrega su pequeña fortuna, por un solo
animalito. Los juglares con quienes momentos antes se topara se burlan de tal hecho, pues
el joven quien por nombre tenía Simplicio, solo sabía bailar y pretendía llegar a ser un
juglar o consejero del rey. Simplicio al intentar obsequiar el ganso a su rey, se encontrará
con dos servidores de la corona quien intentan sobornarlo pidiéndole la mitad de lo que su
emperador por agradecimiento le entregue.
El Segundo cuento INJUSTICIA narra como una princesa entrada a la época de su madurez
no ha contraído aún nupcias, por lo cual pide a su padre el rey que le haga casar con un
duque a quien ama y, quien tiempo atrás le prometiera esposarla. Ante el impedimento de
que el duque pensando que el rey no accedería ante tal petición, contrajo matrimonio con
una infanta Buena y amable a quien exigirá el rey ejecutar, por complacer a su hija.
El tercer cuento JUSTICIA habla del juicio que presenta Sancho Panza, tras de ser el rector
de un condado. Su primer caso consiste en la denuncia de una bella joven quien asegura fue
violada por un campesino. Este ultimo dice ser inocente, en el sentido en que la dama lo
sedujo, por lo que Sancho Panza ordena que una bolsa con monedas sea entregada a la
joven. Ella tras de irse el supuesto violador deberá intentar quitárselas , hecho que no
logra. Por ello se le restituirán sus monedas al campesino, ante la evidencia del rector de
que la mujer no intentó realmente defender su honra, como lo hizo con las monedas. Este
es en realidad una narración bíblica sobre el justo y sabio rey Salomón, como lo hacen
saber finalmente.
El cuarto y ultimo cuento narra como el AMOR lleva a los sacrificios más extremos entre
una pareja.
La dirección escénica de ésta obra teatral se encuentra a cargo de Gilberto Guerrero y se
presenta en la Explanada del Centro Cultural Universitario UNAM los fines de semana a las
13:00 horas.
MENTIRAS
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
MENTIRAS es una comedia musical de enredos que ha cautivado al público mexicano,
prueba de ello es la debelación de las 2500 representaciones que cumplió hace dos
semanas éste musical.
Es una divertida obra teatral llena de colorido y éxitos musicales de los años 90’s qué en
vivo las cantantes y actrices logran presentar, entrelazando dos canciones a la vez.
Melodías que contienen temas en esencia similares y que, acorde a los diálogos, por cierto
muy bien estructurados, presentan la historia.
La trama narra el amor de cuatro mujeres que se ven comprometidas amorosamente con
un galán guapo, joven y rico, quien logra relacionarse con ellas a base de MENTIRAS.
Un asesinato, un testamento confuso, cuatro chicas, un cautivador galán, una abogada
incógnita y MENTIRAS constituyen la parte médular del musical.
Es un musical muy ingenioso, con música en vivo, como es la costumbre en éstos llamativos
y caros montajes de la producción de los Señores Morris Gilbert y Federico González Compeán,
quienes han hecho de la revista musical en México, un paralelismo a la manera de las
puestas en escenas de Broadway
Obras que por supuesto han precisado de un montaje escenográfico lleno de creatividad y
movimiento el cual logran en base a la utilización de una gran plataforma giratoria en el
escenario y de mobiliario plegable y multifuncional qué el mismo elenco logra manipular
fácilmente, logrando que el espectador visualice diferentes cuadro escénicos en un mismo
tiempo escénico, que en el caso de MENTIRAS va desde un funeral, a la habitación de una
quinceañera, un bar, una oficina, una fiesta o una ceremonia y cuarto nupcial, entre otras
escenografías.
Las MENTIRAS son el núcleo médular de ésta trama, en donde también las chicas incurren
en MENTIRAS que se irán ventilando poco a poco en el desarrollo de la divertida comedia.
La revista es interpretada bajo la actuación y cantos de un elenco que ha ido variando de
talentos, debido al largo periodo en que han ido incurriendo éstas representaciones,
además de los compromisos surgidos entre las estrellas.
Por otro lado además han sido invitados ocasionalmente a compartir créditos artistas como
Angélica Vale, Lenny de la Rosa, Dalilah Polanco, Kika Edgar, Lolita Cortés, Tatiana, Gloria
Aura y Lorena de la Garza.
Los actores con los que actualmente cuenta la obra de manera alternada, son Alex Brizuela,
Ana Cecilia, Crisanta Gómez, Efraín Berry, Hiromi, Majo Medellín, Majo Pérez, Mariano
Palacios, Mary Francis Reyes, Marta Fernanda, Paola Gómez, y Paola Mingüer.
Pero como siempre ha dicho su productor Morris Gilbert en cada una de sus puestas en
escena, AQUÍ LA ESTRELLA ES LA OBRA.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
MENTIRAS es una comedia musical de enredos que ha cautivado al público mexicano,
prueba de ello es la debelación de las 2500 representaciones que cumplió hace dos
semanas éste musical.
Es una divertida obra teatral llena de colorido y éxitos musicales de los años 90’s qué en
vivo las cantantes y actrices logran presentar, entrelazando dos canciones a la vez.
Melodías que contienen temas en esencia similares y que, acorde a los diálogos, por cierto
muy bien estructurados, presentan la historia.
La trama narra el amor de cuatro mujeres que se ven comprometidas amorosamente con
un galán guapo, joven y rico, quien logra relacionarse con ellas a base de MENTIRAS.
Un asesinato, un testamento confuso, cuatro chicas, un cautivador galán, una abogada
incógnita y MENTIRAS constituyen la parte médular del musical.
Es un musical muy ingenioso, con música en vivo, como es la costumbre en éstos llamativos
y caros montajes de la producción de los Señores Morris Gilbert y Federico González Compeán,
quienes han hecho de la revista musical en México, un paralelismo a la manera de las
puestas en escenas de Broadway
Obras que por supuesto han precisado de un montaje escenográfico lleno de creatividad y
movimiento el cual logran en base a la utilización de una gran plataforma giratoria en el
escenario y de mobiliario plegable y multifuncional qué el mismo elenco logra manipular
fácilmente, logrando que el espectador visualice diferentes cuadro escénicos en un mismo
tiempo escénico, que en el caso de MENTIRAS va desde un funeral, a la habitación de una
quinceañera, un bar, una oficina, una fiesta o una ceremonia y cuarto nupcial, entre otras
escenografías.
Las MENTIRAS son el núcleo médular de ésta trama, en donde también las chicas incurren
en MENTIRAS que se irán ventilando poco a poco en el desarrollo de la divertida comedia.
La revista es interpretada bajo la actuación y cantos de un elenco que ha ido variando de
talentos, debido al largo periodo en que han ido incurriendo éstas representaciones,
además de los compromisos surgidos entre las estrellas.
Por otro lado además han sido invitados ocasionalmente a compartir créditos artistas como
Angélica Vale, Lenny de la Rosa, Dalilah Polanco, Kika Edgar, Lolita Cortés, Tatiana, Gloria
Aura y Lorena de la Garza.
Los actores con los que actualmente cuenta la obra de manera alternada, son Alex Brizuela,
Ana Cecilia, Crisanta Gómez, Efraín Berry, Hiromi, Majo Medellín, Majo Pérez, Mariano
Palacios, Mary Francis Reyes, Marta Fernanda, Paola Gómez, y Paola Mingüer.
Pero como siempre ha dicho su productor Morris Gilbert en cada una de sus puestas en
escena, AQUÍ LA ESTRELLA ES LA OBRA.
IMPRO SPORT
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
A manera de estudio de televisión IMPRO SPORT utiliza el medio teatral para hacer posible
una propuesta escénica creando un espectáculo de Improlucha, término que utiliza sus
creadores de la compañía LP Teatro con un show de improvisaciones.
Cubriendo la sexta temporada IMPRO SPORT es una parodia de los “Reality shows, Lalo
España asistió apadrinando el retorno de ésta obra teatral.
Para ello cuentan por supuesto de la presencia de una bella presentadora, como es
costumbre a manera de atractivo visual para el público asistente. Un simpático conductor o
floor manager con peluca y fonética de argentino, una presentadora vendida que sonríe
durante todo el evento y dos jueces presenta.
El floor manager presenta y dirige a cuatro equipos los cuales son denominados como
“Descarrilamiento celeste”, Just teen güeys”, Proyecto Trump” y Revolución comanda”.
Cada grupo improvisa un sueño. ¿Se cumplirá, o no? Eso sólo Usted lo descubrirá en cada
puesta en escena que al improvisar, termina por ser un tanto diferente en cada
presentación.
El grupo “Complot Escena” es el creador de éste espectáculo junto con LP Teatro, bajo la
idea original de José Luis Saldaña y Omar Medina.
Con colores vistosos, música en vivo, atractivo visual, letreros, voz en off, fotografías y
logos, el público interactúa haciendo de esta presentación un verdadero “reality show”
pero con una gracia adicional que le infiere, como es natural, el hecho de ser una parodia.
Risas y aplausos surgieron del público, quienes además son quienes proponen tanto los
títulos como las historias que de manera improvisada deben ser realizadas por cada
equipo. También son los votantes de los ganadores o vencedores en escena.
Con boletos agotados se dio inicio a ésta nueva temporada.
Los integrantes o elenco alternante son Omar Medina, Angélica Rogel, José Luis Saldaña,
Juan Carlos García, Mario Alberto Monroy, Nacho Sevilla, Daniel Chino Damián, Marcos
Duarte, Daniel García, Carla Morales, Fernando Villa, Marcela Lecuona, Alan Hoffman,
Marcos Duarte, Javier Díaz Barriga, Luis Rodríguez, Christian Diez, Adriana Ocampo Flores,
Omar Chafas Cadena, Indrid Troye y Miguel Burra Pérez Gil.
Todos ellos transformando el foro teatral en un aparente estudio televisivo.
La temporada es del 31 de marzo hasta el 26 de mayo en el foro Shakespeare los días
jueves a las 20:30 horas
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
A manera de estudio de televisión IMPRO SPORT utiliza el medio teatral para hacer posible
una propuesta escénica creando un espectáculo de Improlucha, término que utiliza sus
creadores de la compañía LP Teatro con un show de improvisaciones.
Cubriendo la sexta temporada IMPRO SPORT es una parodia de los “Reality shows, Lalo
España asistió apadrinando el retorno de ésta obra teatral.
Para ello cuentan por supuesto de la presencia de una bella presentadora, como es
costumbre a manera de atractivo visual para el público asistente. Un simpático conductor o
floor manager con peluca y fonética de argentino, una presentadora vendida que sonríe
durante todo el evento y dos jueces presenta.
El floor manager presenta y dirige a cuatro equipos los cuales son denominados como
“Descarrilamiento celeste”, Just teen güeys”, Proyecto Trump” y Revolución comanda”.
Cada grupo improvisa un sueño. ¿Se cumplirá, o no? Eso sólo Usted lo descubrirá en cada
puesta en escena que al improvisar, termina por ser un tanto diferente en cada
presentación.
El grupo “Complot Escena” es el creador de éste espectáculo junto con LP Teatro, bajo la
idea original de José Luis Saldaña y Omar Medina.
Con colores vistosos, música en vivo, atractivo visual, letreros, voz en off, fotografías y
logos, el público interactúa haciendo de esta presentación un verdadero “reality show”
pero con una gracia adicional que le infiere, como es natural, el hecho de ser una parodia.
Risas y aplausos surgieron del público, quienes además son quienes proponen tanto los
títulos como las historias que de manera improvisada deben ser realizadas por cada
equipo. También son los votantes de los ganadores o vencedores en escena.
Con boletos agotados se dio inicio a ésta nueva temporada.
Los integrantes o elenco alternante son Omar Medina, Angélica Rogel, José Luis Saldaña,
Juan Carlos García, Mario Alberto Monroy, Nacho Sevilla, Daniel Chino Damián, Marcos
Duarte, Daniel García, Carla Morales, Fernando Villa, Marcela Lecuona, Alan Hoffman,
Marcos Duarte, Javier Díaz Barriga, Luis Rodríguez, Christian Diez, Adriana Ocampo Flores,
Omar Chafas Cadena, Indrid Troye y Miguel Burra Pérez Gil.
Todos ellos transformando el foro teatral en un aparente estudio televisivo.
La temporada es del 31 de marzo hasta el 26 de mayo en el foro Shakespeare los días
jueves a las 20:30 horas
ESPACIOS VINTAGE, proyecto que pronto estará al aire
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
La Televisión Educativa en su Nuevo proyecto denominado ESPACIOS VINTAGES ha
preparado una nueva producción con base en ritmos del ayer, con decoraciones del viejo
Remingtong en el escritorio y fotografías en blanco y negro del momento.
Todo ello programado en formato de revista musical.
Así fue como arrancaron las grabaciones televisivas el pasado lunes 14 de marzo con
sugerencias e información turísticas atractivas para el futuro espectador.
Los ritmos en torno al cual se basará la nueva producción son, de jazz odd, de rockabilly, de
swing y de algunos boleros.
Se contará con la presentación de grupos musicales tales y como son “Paté de Foi”, el
Quinteto “Entretango”, “Fiusha Funk Band” y “Faralae Jazz”.
El programa contará con una conductora de radio Horizonte, la cual es conocida por su
presentación en las madrugadas en dicha frecuencia radiofónica, ubicada en el cuadrante
en el 107.9 de FM.
Ella es propuesta como “Musa Vintage” en base a la idea promovida por Homo Espacios.
También será liderado el nuevo programa por su compañero Rafael Nares, quien también
cubre un espacio radiofónico en el mismo cuadrante radiofónico de Horizonte.
Este proyecto se llevará a cabo gracias al apoyo del director de la Televisora Educativa y,
que es, el Señor Gustavo Lomelí Cornejo, así como a la directora adjunta de operaciones de
la televisora, es decir la Señora Ana Cristina Fernández.
Ellos junto al equipo técnico laborarán en el Estudio “A” de la Televisora Educativa,
conjuntando esfuerzos.
REGRESO DE “LA DALIA NEGRA”
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Tras de más de seis meses que la obra teatral THE BLACK DAHLIA se ha ido representando,
vuelve a la ciudad de México, ubicándose en el foro teatral Xola.
Ya antes se había presentado en el Foro Cultural Chapultepec con gran éxito, lo cual motivó
a la productora de Jorge y Pedro Ortiz de Pinedo a llevarla a conocer por algunos estados
de la República Mexicana.
THE BLACK DAHLIA es una dramaturgia original del autor estadounidense John Richman
quien se basara en un crimen real sin resolver en la Unión Americana.
Dicho texto inspiró a la productora a llevarla al escenario en un formato nuevo, bajo la
creación de Pedro Ortiz de Pinedo. De tal modo que utilizan dos cámaras a la vez, que
proyectan a manera de cómics la escenografía en una pantalla. Detrás del escenario colocan
plataformas que la audiencia no ve, pero que sirve para presentar en vivo al reparto
estelar en la pantalla, además utilizan voces en audio ocasionales que sirven para narrar la
historia.
El evento fue ovacionado con la presencia del director del APT, es decir, el Señor Benjamín
Bernal, quien entregó dos estatuillas al Señor Jorge Ortiz de Pinedo junto con sus hijos, por
su brillante y novedosa propuesta, qué como argumentara el Señor Bernal en otras
palabras, podrá ser el prototipo en nuestro teatros mexicanos para ser utilizado como
nueva propuesta escenográfica. Premios de la Agrupación de Periodistas Teatrales para Obra del año y Productor del Año.
En el evento asistieron como es costumbre en la premier de ésta productora, grandes
figuras del espectáculo como son el primer actor Alejandro Camacho, el cómico
denominado Señor Barriga, Marco Uribe, Nora Parra, entre muchas nuevas figuras de la
actuación televisiva.
El teatro agotó boletos, pues presenta un buen drama del género policiaco además de la
actuación de los tres nuevos actores que como ya anteriormente le habíamos informado
son Esmeralda Pimentel, Brandon Peniche y Jorge Ortiz de Pinedo.
La obra seguirá presentándose en Semana Santa.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Tras de más de seis meses que la obra teatral THE BLACK DAHLIA se ha ido representando,
vuelve a la ciudad de México, ubicándose en el foro teatral Xola.
Ya antes se había presentado en el Foro Cultural Chapultepec con gran éxito, lo cual motivó
a la productora de Jorge y Pedro Ortiz de Pinedo a llevarla a conocer por algunos estados
de la República Mexicana.
THE BLACK DAHLIA es una dramaturgia original del autor estadounidense John Richman
quien se basara en un crimen real sin resolver en la Unión Americana.
Dicho texto inspiró a la productora a llevarla al escenario en un formato nuevo, bajo la
creación de Pedro Ortiz de Pinedo. De tal modo que utilizan dos cámaras a la vez, que
proyectan a manera de cómics la escenografía en una pantalla. Detrás del escenario colocan
plataformas que la audiencia no ve, pero que sirve para presentar en vivo al reparto
estelar en la pantalla, además utilizan voces en audio ocasionales que sirven para narrar la
historia.
El evento fue ovacionado con la presencia del director del APT, es decir, el Señor Benjamín
Bernal, quien entregó dos estatuillas al Señor Jorge Ortiz de Pinedo junto con sus hijos, por
su brillante y novedosa propuesta, qué como argumentara el Señor Bernal en otras
palabras, podrá ser el prototipo en nuestro teatros mexicanos para ser utilizado como
nueva propuesta escenográfica. Premios de la Agrupación de Periodistas Teatrales para Obra del año y Productor del Año.
En el evento asistieron como es costumbre en la premier de ésta productora, grandes
figuras del espectáculo como son el primer actor Alejandro Camacho, el cómico
denominado Señor Barriga, Marco Uribe, Nora Parra, entre muchas nuevas figuras de la
actuación televisiva.
El teatro agotó boletos, pues presenta un buen drama del género policiaco además de la
actuación de los tres nuevos actores que como ya anteriormente le habíamos informado
son Esmeralda Pimentel, Brandon Peniche y Jorge Ortiz de Pinedo.
La obra seguirá presentándose en Semana Santa.
ENEMIGO DE CLASE
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
-“En medio de un sistema corrupto, excluyente y violento, cuatro jóvenes marginados se
encuentran encerrados en un salón de clase, en una prisión y en su propio interior. Buscan
intensamente la forma de desafiar el orden social, sus aún ganas de sonar, sus miedos y el
dolor que les causa el no futuro”-.
Esta es la consigna de la obra teatral, cuyo párrafo textual retomo del programa de mano,
pues encierran perfectamente la intención por parte del grupo que se autodenominan
6TOK, por hacer de su arte una denuncia social y no caer en la banalidad.
ENEMIGO DE CLASE es una obra original de Nigel Williams qué bajo la dirección artística
de Sergio Cuéllar es presentada con la adaptación libre de Ángel Iván Buendía.
Esta puesta en escena con categoría C2, como se le clasificó por ser una de las obras
ganadoras en FITU, es decir el Festival Internacional de Teatro Universitario 2015-16 fue
premiada mediante la oportunidad de ser presentada por el teatrounam y su Coordinación
de Difusión Cultural.
El grupo 6TOK esta formado por tres estudiantes y un egresado de la Universidad Londres
de México. Ellos son Mario Lozano, Alejandro Piedras, Daniel Oropeza y Zaid Rodríguez.
Son cuatro jóvenes actores que interactúan con el “Maestro voz off” que mediante una
pantalla televisiva, habla con los supuestos estudiantes.
Éstos se encuentra en una aula de clase en espera de la llegada de su profesor, el cual nunca
aparece físicamente. Hecho que suscita el aparente diálogo entre los aprendices y, que
termina mostrando las frustraciones que padece cada uno de ellos y que manifiestan
mediante el aparente juego que realiza al simular ser profesores y ofrecer la presentación
de una supuesta clase.
Los diálogos les llevan a la agresión, ante la burla de las desavenencias sufridas en cuerpo
y alma por cada joven, las cuales ventilan desnudando sus almas.
Ante dicha agresión la autoridad que ejerce el maestro voz off, les sancionará dejándolos en
la oscuridad de un futuro incierto.
Cuenta con la colaboración escenográfica, de iluminación y vestuario por parte de
Ricardo García Luna, la musicalización de Jair Torres y la asistencia en la dirección de Ana
Laura Roséndiz, la obra ofrece entrada gratuita este fin de semana. En el teatro Santa
Catarina en Coyoacán.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
-“En medio de un sistema corrupto, excluyente y violento, cuatro jóvenes marginados se
encuentran encerrados en un salón de clase, en una prisión y en su propio interior. Buscan
intensamente la forma de desafiar el orden social, sus aún ganas de sonar, sus miedos y el
dolor que les causa el no futuro”-.
Esta es la consigna de la obra teatral, cuyo párrafo textual retomo del programa de mano,
pues encierran perfectamente la intención por parte del grupo que se autodenominan
6TOK, por hacer de su arte una denuncia social y no caer en la banalidad.
ENEMIGO DE CLASE es una obra original de Nigel Williams qué bajo la dirección artística
de Sergio Cuéllar es presentada con la adaptación libre de Ángel Iván Buendía.
Esta puesta en escena con categoría C2, como se le clasificó por ser una de las obras
ganadoras en FITU, es decir el Festival Internacional de Teatro Universitario 2015-16 fue
premiada mediante la oportunidad de ser presentada por el teatrounam y su Coordinación
de Difusión Cultural.
El grupo 6TOK esta formado por tres estudiantes y un egresado de la Universidad Londres
de México. Ellos son Mario Lozano, Alejandro Piedras, Daniel Oropeza y Zaid Rodríguez.
Son cuatro jóvenes actores que interactúan con el “Maestro voz off” que mediante una
pantalla televisiva, habla con los supuestos estudiantes.
Éstos se encuentra en una aula de clase en espera de la llegada de su profesor, el cual nunca
aparece físicamente. Hecho que suscita el aparente diálogo entre los aprendices y, que
termina mostrando las frustraciones que padece cada uno de ellos y que manifiestan
mediante el aparente juego que realiza al simular ser profesores y ofrecer la presentación
de una supuesta clase.
Los diálogos les llevan a la agresión, ante la burla de las desavenencias sufridas en cuerpo
y alma por cada joven, las cuales ventilan desnudando sus almas.
Ante dicha agresión la autoridad que ejerce el maestro voz off, les sancionará dejándolos en
la oscuridad de un futuro incierto.
Cuenta con la colaboración escenográfica, de iluminación y vestuario por parte de
Ricardo García Luna, la musicalización de Jair Torres y la asistencia en la dirección de Ana
Laura Roséndiz, la obra ofrece entrada gratuita este fin de semana. En el teatro Santa
Catarina en Coyoacán.
A CAPRICHO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Ayer día sábado 12 de marzo, se dio inicio en el teatro Raúl Flores Canelo el espectáculo A
CAPRICHO. Función que por demás esta decir que es propio para toda la familia. A los
adultos nos despertó ese recuerdo Escondido de la niñez en que gozábamos de un
espectáculo circense gracioso y divertid, en tanto que a los niños les hizo divertirse en
compañía de sus padres.
Es un espectáculo clown en donde aparecen en escena Valerio Vázquez y Malcom Méndez
ofreciendo un espectáculo con un toque de elegancia ridícula, como según ellos mismos
consideran.
Elegante desde la manera de vestir, uno de ellos con un frac, en tanto que el otro porta un
traje con un sombrero que al retirarlo, deja lucir un enorme y rizado cabello negro que
utiliza con gracia, arrancando risotadas por parte del público, quien goza de la simpatía de
dicho personaje y el manejo de su abundante melena que le da comicidad.
A CAPRICHO es en consideración a la Compañía denominada “La gran pompa” una creativa
comedia visual compuesta por diversos géneros.
Ésta se inspiró en “Las varietés” que ha inicios de la primera década del siglo XX, era
presentada por los actores circenses “Los excéntricos.
En homenaje a ellos es qué La Gran Pompa se inspiró para presentar un espectáculo en el que se incluye acrobacias, trapecismo, malabarismo y magia.
A CAPRICHO es un espectáculo que ya antes había sido presentado, tanto en el Auditorio
Nacional, como en el Zócalo capitalino y en el Jardín Hidalgo en Coyoacán durante el marco del Bicentenario de la Independencia.
También ha formado parte en festivales como fueron el de “La pantomima Circo y Clown”, en el “Encuentro Internacional de Clown, circo del INBA y en el “Circo Cirkus Souppa en Finlandia.
A CAPRICHO se presentará en tres únicas ocasiones más los próximos días sábados a las
18:00 horas en el CENART de manera gratuita.
MUY SUCIA Y CHINGONA HISTORIA DE AMOR
POR: Dalia María Teresa De León Adams
MEJOR TEATRO, Bla Bla Producciones y Once Once, se han dado a la tarea de producir la obra teatral MUY SUCIA Y CHINGONA HISTORIA DE AMOR original de Katie Bonna y Richard Marsh, intitulada en ingles como “Dirty great love story”.
Es una comedia romántica, que presenta un lenguaje y forma de vida actualizada, de una pareja aparentemente peculiar, pero qué como muchas otras, rompe el rito del molde del príncipe azul y la chica encantada, que realmente no encajan, o nunca llegan.
Por ello, podemos leer de manera textual en el programa de mano un mensaje chusco, más subjetivo que los cuentos de Disney y, que empieza de la siguiente manera:
-“ESTIMADO PÚBLICO DISTINGUDO Y CONOCEDOR: Había una vez (hace dos años)… en un reino muy, muy lejano… bueno, ni tan lejano… un caballero ñoño y una princesa dientona buscando el “felices para siempre”. Poco imaginaron que su destino no sería un cuento de hadas, sino esta sucia y chingona obra de teatro. Esta historia habla de nosotros… de personas normales como tú y como yo (y como el wey de la butaca de a lado)…. “-
Y es precisamente con dicho párrafo, que podemos describir la parte esencial o medular de ésta puesta en escena creativa, con un lenguaje siempre coloquial y hasta ocasionalmente altisonante.
La trama narra la relación de dos personas que comienzan a entrar a la edad madura y que siguen buscando el amor que parece infortuito. Enredos y circunstancias adversas se presentan obstaculizando aparentemente una relación que termina en amor, como suele suceder.
Las inseguridades, errores y frustraciones son los ingredientes de la relación que hacen que la relación parezca imposible, pero que finalmente detonan los sentimientos de aprecio entre la pareja.
La puesta en escena es presentada por dos únicos actores Miguel Calderón y Aída del Rio alternando con la actriz Ana González Bello.
Protagonizan a los personajes estelares, además de caracterizar a otros más recurriendo para ello, a la gran plástica actoral que poseen y que logran con el manejo tanto de la modulación de la voz, como corporal.
Con ello permiten que el público distinga perfectamente la presencia de los diferentes personajes al mismo tiempo, sin necesidad de estar cambiando de vestuario.
El apoyo escenográfico consiste en dos especies de baúles y el juego de sonido e iluminación, con lo que logran crear diversos ambientes o lugares en ésta divertida trama.
MUY SUCIA Y CHINGONA HISTORIA DE AMOR se presenta en el Teatro Banamex Santa Fe, de la Plaza Zentrika, los días jueves a las 20:30 horas
LA ÚLTIMA SESIÓN DE FREUD
POR: Dalia María Teresa De León Adams
“The question of God” traducida al español LA ÚLTIMA SESIÓN DE FREUD es una
interesante dramaturgia basada en el ocaso de la vida del afamado padre del psicoanálisis,
como es reconocido al teórico austriaco Sigismundo Freud, quien como caso curioso le
diremos que cambió su nombre por el de Sigmud.
Basada en los escritos del Doctor Armand M. Nicholi, Jr la dramaturgia es presentada con
gran aceptación del público.
Ya anteriormente esta obra teatral había sido presentada en el mismo foro, bajo la misma
productora, teniendo gran ovación, en el teatro Helénico, motivo por el cual la productora
Ortiz de Pinedo, a través de la Secretaría de Cultura y el Centro Cultural Helénico
decidieron su re-extreno
Traducida al español como LA ÚLTIMA SESIÓN DE FREUD la obra es un deleite tanto por
su trama interesante, que muestra parte de la vida e idiosincrasia del gran teórico Sigmund
Freud, como por su gran actuación a cargo de dos grandes figuras del medio del
espectáculo en México, como son los señores Sergio Klainer y Darío D. Pie.
En ella sale a colación la entrevista que el importante profesor C.S. Lewis y Sigmund Freud
mantuvieron alrededor de veinte días antes del deceso de éste último científico, víctima
como es sabido de cáncer en la mandíbula, hecho que le hizo padecer cinco operaciones y
soportar una dolorosa prótesis colocada en la mandíbula superior, lo cual le produjo
constante sangrado en las encías, con un fétido olor, que padeció durante los últimos años
de su vida.
La dramaturgia recrea de manera somera los estudios e investigaciones con que Freud
contribuyó en el campo de la psicología introduciendo las bases del método del
Psicoanálisis, como un tratamiento de la psiquis humanas, en aras de curar los trastornos
de la mente en base a desatar los recuerdos atrapados en el inconciente y, que son
borrados por los pacientes en su parte conciente, ante los recuerdos dolorosos sufridos,
que determinan posteriormente el comportamiento de las personas que los han padecido.
La trama hace alarde a las contribuciones que Freud legara al mundo de manera muy
generalizada. Tal vez a Usted le interese saber que el afamado médico neurólogo austriaco,
nació en 1856 en Freigberg, la antigua Moravia y actual parte de la tierra de Austria. Murió
a los 83 años de edad corriendo el año de 1939. Esto tan solo para ubicarle un poco más.
El núcleo medular de la trama es el enfrentar a un ateo con un creyente ante el interrogante
de la existencia de Dios, como se recrea perfectamente en el título original de ésta obra, o
sea “The question of God” (La interrogante de Dios).
La trama nos presenta diálogos inteligentes y con sapiencia de algunos de los preceptos del
catolicismo, defendidos por C. S. Lewis, personaje caracterizado espléndidamente por el
actor Darío T. Pie y el diálogo elocuente y brillante emitido por el Dr. Freud personificado
por el primer actor Sergio Klainer.
Ambos personajes presentados en base al vestuario acorde a la época que es presentado
por Georgina Stepanenko. Aunado a ello la caracterización a cargo de Mario Zarazúa, es
impresionante pues logran otorgarles gran parecido a los científicos y, en especial con
Freud.
Las escenas transcurren en un estudio londinense, lugar en donde Freud se refugio por su
condición de judío, en la época de la Segunda Guerra Mundial y, cuyos desastres, angustias
y penalidades del suceso son enmarcadas en la obra de manera velada, mediante las
noticias de las devastadoras decisiones de Hitler, narradas en un radio ubicado en el
consultorio de Sigmund Freud.
Todo ello hizo posible que el público nos metiéramos, metafóricamente hablando, con tan
sólo un cuadro escénico de una hora con cuarenta y cinco minutos, en LA ÚLTIMA SESIÓN
DE FREUD.
POR: Dalia María Teresa De León Adams
“The question of God” traducida al español LA ÚLTIMA SESIÓN DE FREUD es una
interesante dramaturgia basada en el ocaso de la vida del afamado padre del psicoanálisis,
como es reconocido al teórico austriaco Sigismundo Freud, quien como caso curioso le
diremos que cambió su nombre por el de Sigmud.
Basada en los escritos del Doctor Armand M. Nicholi, Jr la dramaturgia es presentada con
gran aceptación del público.
Ya anteriormente esta obra teatral había sido presentada en el mismo foro, bajo la misma
productora, teniendo gran ovación, en el teatro Helénico, motivo por el cual la productora
Ortiz de Pinedo, a través de la Secretaría de Cultura y el Centro Cultural Helénico
decidieron su re-extreno
Traducida al español como LA ÚLTIMA SESIÓN DE FREUD la obra es un deleite tanto por
su trama interesante, que muestra parte de la vida e idiosincrasia del gran teórico Sigmund
Freud, como por su gran actuación a cargo de dos grandes figuras del medio del
espectáculo en México, como son los señores Sergio Klainer y Darío D. Pie.
En ella sale a colación la entrevista que el importante profesor C.S. Lewis y Sigmund Freud
mantuvieron alrededor de veinte días antes del deceso de éste último científico, víctima
como es sabido de cáncer en la mandíbula, hecho que le hizo padecer cinco operaciones y
soportar una dolorosa prótesis colocada en la mandíbula superior, lo cual le produjo
constante sangrado en las encías, con un fétido olor, que padeció durante los últimos años
de su vida.
La dramaturgia recrea de manera somera los estudios e investigaciones con que Freud
contribuyó en el campo de la psicología introduciendo las bases del método del
Psicoanálisis, como un tratamiento de la psiquis humanas, en aras de curar los trastornos
de la mente en base a desatar los recuerdos atrapados en el inconciente y, que son
borrados por los pacientes en su parte conciente, ante los recuerdos dolorosos sufridos,
que determinan posteriormente el comportamiento de las personas que los han padecido.
La trama hace alarde a las contribuciones que Freud legara al mundo de manera muy
generalizada. Tal vez a Usted le interese saber que el afamado médico neurólogo austriaco,
nació en 1856 en Freigberg, la antigua Moravia y actual parte de la tierra de Austria. Murió
a los 83 años de edad corriendo el año de 1939. Esto tan solo para ubicarle un poco más.
El núcleo medular de la trama es el enfrentar a un ateo con un creyente ante el interrogante
de la existencia de Dios, como se recrea perfectamente en el título original de ésta obra, o
sea “The question of God” (La interrogante de Dios).
La trama nos presenta diálogos inteligentes y con sapiencia de algunos de los preceptos del
catolicismo, defendidos por C. S. Lewis, personaje caracterizado espléndidamente por el
actor Darío T. Pie y el diálogo elocuente y brillante emitido por el Dr. Freud personificado
por el primer actor Sergio Klainer.
Ambos personajes presentados en base al vestuario acorde a la época que es presentado
por Georgina Stepanenko. Aunado a ello la caracterización a cargo de Mario Zarazúa, es
impresionante pues logran otorgarles gran parecido a los científicos y, en especial con
Freud.
Las escenas transcurren en un estudio londinense, lugar en donde Freud se refugio por su
condición de judío, en la época de la Segunda Guerra Mundial y, cuyos desastres, angustias
y penalidades del suceso son enmarcadas en la obra de manera velada, mediante las
noticias de las devastadoras decisiones de Hitler, narradas en un radio ubicado en el
consultorio de Sigmund Freud.
Todo ello hizo posible que el público nos metiéramos, metafóricamente hablando, con tan
sólo un cuadro escénico de una hora con cuarenta y cinco minutos, en LA ÚLTIMA SESIÓN
DE FREUD.
WENSES Y LALA
POR: Dalia María Teresa De León Adams
El día martes 23 de febrero en el teatro BANAMEX Santa Fe de la Plaza Comercial Zentrika
se presentó la obra teatral WENSES Y LALA la cual fue ovacionada, presentándose para tan
importante ocasión, la Señora Paty Chapoy con todo su equipo de ventaneando, en
compañía del gran productor teatral, el Señor Morris Gilbert.
La obra fue elogiada por la crítica periodística por su esplendida actuación y su texto muy
bien escrito, llenando totalmente el foro teatral.
La obra es original de Adrián Vázquez quien además de dirigir actúa en compañía de la
actriz Teté Espinoza, quien aparece en escena protagonizando la obra, como su pareja
sentimental dentro del melodrama.
La obra ya había tenido gran audiencia llenando el foro Xavier Villaurrutia en el Centro
Cultural del Bosque en donde cubrió temporada en dos ocasiones, debido a la gran
audiencia que logró reunir.
Es una dramaturgia con una trama en donde surge una historia de amor y amistad que es
narra ante el encuentro de dos niños, quienes ante la adversidad se enfrentan solos en el
mundo, tras el trágico fin que tiene sus progenitores, hecho que les llevará a unir sus
destinos ante la soledad.
La adolescencia llega, con ella el amor y la pasión; empero a ello aparece otro hombre
disputando la pasión y la compañía de la joven.
La historia es narrada a detalle por ambos personajes, haciendo desde reir, hasta llorar y
conmover a gran parte del público asistente, con sus diálogos sencillos de manera coloquial
y local acorde a la provincia en que se sugiere surge el drama.
Todo ello enmarcado con cantos ocasionales que brindan los personajes durante el tiempo
escénico presentado en un solo cuadro escenográfico, en donde solamente se presentan
como apoyo escénico una banca, desde donde la pareja cuentan los pormenores de sus
vivencias de manera amena.
El amor triunfal no impiden un final desgarrador para algunos, en tanto que bello para
otros espectadores, ello es sólo cuestión de enfoque.
La producción se encuentra a cargo de la importante Difusora MEJOR TEATRO y, será
presentada en el Teatro BANAMEX Santa Fe, únicamente los días martes en horario de las
20:30 horas.
WENSES Y LALA
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Desde el pasado miércoles 12 de febrero se reinició la obra WENSES Y LALA original de
Adrián Vázquez quien además dirige y actúa junto con la actriz Teté Espinoza, quien
protagoniza la obra como su pareja sentimental dentro del melodrama.
La obra ya había tenido gran audiencia llenando el foro Xavier Villaurrutia, en donde
nuevamente se presenta, en el Centro Cultural del Bosque.
Es una historia de amor y amistad que narra el encuentro de dos niños, quienes se
encuentran solos en el mundo, tras un trágico fin que tiene sus progenitores, por lo cual
deciden unir sus soledades viviendo juntos.
La adolescencia llega y con ella el amor y la pasión. Sin embargo se presenta un tercero en
discordia entre ellos, el cual pretende tener el amor de Lala.
El conflicto es ventilado con la narración de ambos, así como las experiencias vividas
juntos, que les llevaron a sufrir y gozar muchos momentos.
El amor triunfal, desgarrado por la muerte, son los detonantes de un final dramático y, que
el espectador imagina llenándole los ojos de lágrimas.
La puesta en escena es en un solo acto en un solo cuadro escenográfico en donde sólo se
presenta una banca en donde ambos actores se fungen como narradores de la trama.
La producción se encuentra a cargo del Instituto de Bellas Artes y CONACULTA.
Si Usted desea ver esta obra le diremos que se presentará todos los días miércoles en
horario de las 20:30 horas, hasta el 13 de marzo.
Corral de comedias de la UNAM, domingos, consulte cartelera
POSADA ES EL NOMBRE DEL JUEGO
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
De Hugo Hiriart, bajo la adaptación y dirección de Carlos Corona, la entretenida y muy
divertida obra POSADA ES EL NOMBRE DEL JUEGO se ha estado presentando de manera
gratuita en la Explanada del Centro Cultural Universitario.
Es una puesta en escénica lúdica para toda la familia, presentada como parte del proyecto
“Carro de Comedias” que la UNAM ha apoyado debido a constituir arte y cultura para todas
las edades, hecho que la ha llevado a recorrer tanto plazas como calles y ser parte de
festivales en diversas partes de la República Mexicana.
La obra presenta personajes llamativos y coloridos inspirados en los grabados de
Guadalupe Posada, los cuales fueron creados, como es de todos ya sabido, a finales del siglo
XIX y en los albores del siglo XX.
Así se muestra la afamada Catrina, Don Joaquín de Cantoya y Rico, quien vuela diversos
globos en su camino, bautizándolos con su apellido. También aparece el personaje de un
científico quien por error transforma el pollo a su yerno, una chica que cree ser perro y su
hipnotizador y, no podía falta el Galán, quien cree enamorar a toda mujer a su paso.
Todos estos personajes junto a algunos otros, son caracterizados por seis actores en
escena. Ellos interpretan más de uno, cambiando constantemente de vestuario, de pelucas
y de máscaras, así como modulando la voz y la expresión corporal para con ello dar vida a
diversos personajes.
En dicho reparto estelar se encuentran Mariana Villaseñor, César Ortiz, Estefanía Díaz, En
En el espectáculo se presenta música en vivo, interpretada por los mismos actores con
breves canciones chuscas que tienen que ver con el desarrollo de la trama.
Las escenas transcurren en un colorido tren, en donde los enredos, conflictos y amor
emanan y dan cabida a un simpático desenlace.
Tras de una larga temporada, el próximo domingo 14 de febrero con horario de las 11:00
horas concluirán la temporada develando con ello una placa.
Dalia D´León Adams
HASTA EL TOPE
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Con fecha del 10 de febrero se estrenó la dramaturgia de la estadounidense Becky Mode
intitulada en ingles “Fully Commited”.
En la Unión Americana logró 26 de ratings en la ciudad de Broadway, en donde se presentó
con gran éxito en taquilla, logrando grandes elogios por parte de la prensa tanto por su
dramaturgia como por su actuación, a cargo del Señor Jesse Tyler.
Uno de esos comentarios fue el siguiente:
“-This devastatingly funny one act follows a day in the life of Sam Peliczoluski, an-out of
–work actor who mans de red-hot reservation line at Manhattan’s Lumber-one restaurant.
Coercion teats bribes, histrionics a cast f desperate caller will stop at nothing in their zeal to
land a prime reservation or the right table. -“
En la ciudad de México la obra teatral fue protagonizada por una mujer, a la inversa de la
puesta en escena americana.
La actriz es Anastasia Acosta, quien durante el monólogo logra caracterizar a
aproximadamente, cuarenta personajes, los cuales simula mediante la modulación de su
voz y, cambios tanto faciales como corporales.
La labor es muy difícil, pues se precisa tener gran versatilidad e histrionismo para lograrlo
y, esto es lo que logra Anastasia Acosta durante los ochenta minutos en escena, que es la
duración real de la obra.
HASTA EL TOPE como se tradujo en español, nos da de inmediato a conocer la actitud que
finalmente tiene su personaje, ante un trabajo exageradamente extenuante y demandante,
dentro de un restaurante de lujo, en el cual labora como recepcionista, secretaria y auxiliar
entre otras cosas, del local.
FULLY COMMITED se presenta los días miércoles a las 20:00 en el Teatro Libanés bajo la
dirección de David Grinberg.
CAMBIOS EN “LA DALIA NEGRA” Y “FAMILIA DE DIEZ”
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Con más de cincuenta mil asistentes que han gozado en la Ciudad de México de la obra
teatral “The Black Dalhia” producida por Jorge y Pedro Ortiz de Pinedo, se planea una gira
por diversos estados de la República Mexicana.
La productora por dicho motivo convocó a la prensa para además, comentar de algunos de
los cambios y, dar la bienvenida al actor Brando Peniche quien realizará el papel del
detective en su versión juvenil, en tanto que el actor Jorge Ortiz de Pinedo será el mismo
personaje ya maduro .
El parecido de ambos con bigote, gabardina y sombrero es admirable, como pudimos
observar en el nuevo promocional de la obra.
Sobre dicho personaje le comentaremos que es muy estratégico en la historia, pues es
quien comenta durante el desarrollo de la trama los pormenores del caso que fue real de la
Dalia Negra, como se le conoció a Elizabeth Short, caso policial en el cual esta inspirada esta
obra traducida y adaptada por Oscar Ortiz de Pinedo.
La nueva Dalia estará a cargo de la actriz Esmeralda Pimentel y comenzarán la gira a partir
del 12 de febrero hasta el día 27, llegando a Monterrey, Ciudad Juárez, Chihuahua, Torreón,
Zacatecas, San Luis Potosí, Puebla y Oaxaca. En marzo 6 continuarán en Hermosillo,
Mexicali, Tijuana, Culiacán, Mazatlán, finalizando el día 16 en Guadalajara.
Con respecto a la obra teatral “Una familia de diez” sólo le comentaremos que la actriz
Laura Luz por motivos laborales se separará del proyecto.
La productora también presentará en el Centro Cultural Helénico la obra perteneciente al
género psicológico denominada “LA ÚLTIMA SESIÓN DE FREUD.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Con más de cincuenta mil asistentes que han gozado en la Ciudad de México de la obra
teatral “The Black Dalhia” producida por Jorge y Pedro Ortiz de Pinedo, se planea una gira
por diversos estados de la República Mexicana.
La productora por dicho motivo convocó a la prensa para además, comentar de algunos de
los cambios y, dar la bienvenida al actor Brando Peniche quien realizará el papel del
detective en su versión juvenil, en tanto que el actor Jorge Ortiz de Pinedo será el mismo
personaje ya maduro .
El parecido de ambos con bigote, gabardina y sombrero es admirable, como pudimos
observar en el nuevo promocional de la obra.
Sobre dicho personaje le comentaremos que es muy estratégico en la historia, pues es
quien comenta durante el desarrollo de la trama los pormenores del caso que fue real de la
Dalia Negra, como se le conoció a Elizabeth Short, caso policial en el cual esta inspirada esta
obra traducida y adaptada por Oscar Ortiz de Pinedo.
La nueva Dalia estará a cargo de la actriz Esmeralda Pimentel y comenzarán la gira a partir
del 12 de febrero hasta el día 27, llegando a Monterrey, Ciudad Juárez, Chihuahua, Torreón,
Zacatecas, San Luis Potosí, Puebla y Oaxaca. En marzo 6 continuarán en Hermosillo,
Mexicali, Tijuana, Culiacán, Mazatlán, finalizando el día 16 en Guadalajara.
Con respecto a la obra teatral “Una familia de diez” sólo le comentaremos que la actriz
Laura Luz por motivos laborales se separará del proyecto.
La productora también presentará en el Centro Cultural Helénico la obra perteneciente al
género psicológico denominada “LA ÚLTIMA SESIÓN DE FREUD.
KARAMASOV, Todo está permitido.
POR. Dalia María Teresa De León Adams.
Con una duración de ochenta minutos, la obra original de Ylía O. Popesku y María Inés
Pintado KARAMASOV dio apertura el día de ayer martes 26 de enero en el foro del teatro
Helénico.
Ambas actúan bajo la dirección de Hugo Abraham Wirth, junto con dos actores más que
hacen posible el desarrollo de ésta obra teatral. En su mayoría los actores representan
diversos personajes, cambiando para ello de vestuario ( a cargo de Adela Cortázar) y
modulando la voz para darle credibilidad a la historia.
KARAMASOV es una historia con perfiles maniqueístas en el sentido en que o son muy
malos, aún cuando puedan parecer inicialmente lo contrario. Se desarrollan dentro de un
mundo adverso en donde la maldad impera. La falta de ética, de amor filial y de fidelidad
son los ingredientes más evidente dentro de la trama.
La pasión es el móvil que despierta la envidia y la traición entre éstos personajes planos, en
el sentido de que el público puede desde el inicio caer en la cuenta mediante los diálogos
entre ellos, que la historia se convertirá en un drama.
KARAMASOV no tiene nada que ver con la novela de Fiódor Dostoievsky “Los hermanos
Karamásov” la cual por cierto ha sido considerada como una de las más grandes obras
literarias que se hayan producido en su época.
A la inversa de la obra de Dostoievsky, en KARAMASOV las mujeres son las que cubren los
roles estelares, con diálogos largos que utilizan los personajes y, los cuales nos van
informando de diversas situaciones cruentas, a demás de ahorrarse el apoyo de más
cuadros escenográficos.
La historia tiene como referente el siglo XIX; se representa con un montaje escenográfico
(de Carolina Jiménez )que simula una casa en Moscu, Rusia; la casa de la familia Karamazov
integrada por dos hermanas y una madre, todas ellas carentes de escrúpulos.
El tiempo es lineal cronológico, pues la narración transcurre con una historia que
sucumbirá en el desarrollo de los hechos que llevan a la trama a un final adverso.
KARAMASOV se presentará los días martes en el Centro Cultural Helénico de la Ciudad de
México.
POR. Dalia María Teresa De León Adams.
Con una duración de ochenta minutos, la obra original de Ylía O. Popesku y María Inés
Pintado KARAMASOV dio apertura el día de ayer martes 26 de enero en el foro del teatro
Helénico.
Ambas actúan bajo la dirección de Hugo Abraham Wirth, junto con dos actores más que
hacen posible el desarrollo de ésta obra teatral. En su mayoría los actores representan
diversos personajes, cambiando para ello de vestuario ( a cargo de Adela Cortázar) y
modulando la voz para darle credibilidad a la historia.
KARAMASOV es una historia con perfiles maniqueístas en el sentido en que o son muy
malos, aún cuando puedan parecer inicialmente lo contrario. Se desarrollan dentro de un
mundo adverso en donde la maldad impera. La falta de ética, de amor filial y de fidelidad
son los ingredientes más evidente dentro de la trama.
La pasión es el móvil que despierta la envidia y la traición entre éstos personajes planos, en
el sentido de que el público puede desde el inicio caer en la cuenta mediante los diálogos
entre ellos, que la historia se convertirá en un drama.
KARAMASOV no tiene nada que ver con la novela de Fiódor Dostoievsky “Los hermanos
Karamásov” la cual por cierto ha sido considerada como una de las más grandes obras
literarias que se hayan producido en su época.
A la inversa de la obra de Dostoievsky, en KARAMASOV las mujeres son las que cubren los
roles estelares, con diálogos largos que utilizan los personajes y, los cuales nos van
informando de diversas situaciones cruentas, a demás de ahorrarse el apoyo de más
cuadros escenográficos.
La historia tiene como referente el siglo XIX; se representa con un montaje escenográfico
(de Carolina Jiménez )que simula una casa en Moscu, Rusia; la casa de la familia Karamazov
integrada por dos hermanas y una madre, todas ellas carentes de escrúpulos.
El tiempo es lineal cronológico, pues la narración transcurre con una historia que
sucumbirá en el desarrollo de los hechos que llevan a la trama a un final adverso.
KARAMASOV se presentará los días martes en el Centro Cultural Helénico de la Ciudad de
México.
PROYECTO LEÑERO, “Sacrificio”.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
A manera de homenaje el Proyecto Leñero “Sacrificio” es una dramaturgia de Luis de
Tavira y Estela Leñero, esta hija del recien fallecido y afamado escritor Vicente Leñero.
Ambos junto con la colaboración de José Ramón Enríquez y Naolli Eguiarte se dieron a la tarea de realizar un collage entre tres de sus obras, que incluyen “Los albañiles”, “Pueblo rechazado” y “El juicio”.
icha trilogía es con la cual Vicente Leñero inició su incursión en el género teatral documental, tras el afán de indagar la verdad.
Los albañiles inicia con el asesinato de un albañil, lo cual llevará a un investigador policial a
intentar descubrir tanto al asesino como su móvil del crimen. De tal modo que la investigación incurrirá a desenmascarar las relaciones de los posibles culpables con la victima.
En cuanto a “Pueblo rechazado” la trama narra el juicio inquisitorio de un prior llamado regorio Lemercier en Santa María de la Resurrección, monasterio que él mismo fundara.
Dicho clérigo pretendió innovar a la iglesia introduciendo técnicas de psicoanálisis en aras de ayudar a la comunidad eclesiástica y, en su constante preocupación por encontrar a Jesús, motivo por el cual sufrió un largo conflicto con el Vaticano.
Finalmente “El juicio” intenta penetrar en la psicología del personaje de José de León Toral quien durante una comida, bajo el pretexto de mostrar al líder político un dibujo de su persona, asesinara al general Álvaro Obregón bajo la creencia que con ello beneficiaría a la comunidad religiosa en México.
Estas tres magníficas obras plagadas de emotividad, momentos cruentos y realismo histórico, son las que se entrelazan gracias a una escenografía movible que ubica al espectador a cual trama se refiere.
De tal modo se escenifica una oficina policial y la construcción en obras negras que enmarca perfectamente a “Los albañiles”; en el caso de “Pueblo rechazado” se simula el atrio de una iglesia y el papado en la ciudad del Vaticano en Roma; y, para dramatizar las escenas de “El juicio” aparece un juzgado, repleto de policías seculares y la gente en el juicio.
La escenografía de Philippe Amand, junto con el vestuario de Carlo Demichelis y el reparto estelar constituido en un noventa por ciento por los actores que conforman la Compañía Nacional de Teatro, misma que produce esta puesta en escena, hacen que la obra alcance un gran nivel histriónico, además de cómo siempre la excelente e impactante dirección del Señor Luis de Tavira.
La obra tiene la duración de 3 horas, presentada en dos tiempos escénicos con un receso de
diez minutos. Empero a que el tiempo es largo, transcurre rápidamente con sus diálogos interesantes y bien estructurados.
La obra teatral se presenta a partir del día jueves 21 de enero hasta el 28 de febrero en el teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque.
EL ÚLTIMO ENCUENTRO
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
-“A finales del siglo XIX y principios del XX, Henrik, general de la guardia imperial y
Konrad, su Viejo compañero de la Academia Militar, se reúnen en un Castillo de los
Cárpatos húngaros, donde todo sigue como si no hubieran transcurrido 41 años sin
volver a verse. En la inmensa mansión, Nini la nodriza, es testigo de lo que pesa el
silencio. Va ha consumarse el ultimo encuentro.”-
Este es uno de los párrafos textuales que encontramos en el programa de mano que se
ofrece en la puesta en escena de la obra teatral EL ÚLTIMO ENCUENTRO original del
escritor húngaro Sándor Márai intitulado por el mismo autor como “Las velas se consumen
hasta el final”, pero que al ser traducido al español se le reconoce como EL ÚLTIMO ENCUENTRO.
El director de esta obra teatral es el Señor Salvador Flores quien junto con Gabriel Pascal, encargado de la escenografía de la puesta en escena, lograron un excelente trabajo al presentar una obra difícil, en cuanto a su representación escénica, debido a los largos diálogos entre sus dos personajes protagónicos.
Sin embargo, el cubrir los detalles descritos en esta obra, como son la presentación de la degustación de vinos y licores en una suntuosa cena en el castillo, son manejados a detalles otorgándole mayor verosimilitud a este drama, durante una discusión sobre un pasado compartido y triangulado.
El lujo logra ser patente entre la presencia de actores que interactúan como parte del servicio de una familia de abolengo en donde empero al lujo y aparente bienestar, reina la triste y la soledad.
El personaje de la vieja nana llamada Nini sirve al autor para dar los pormenores de la trama utilizándola como presentadora de la historia, como una narradora omnisciente y omnipresente de los hechos.
Un cuarto personaje cobra gran peso en la narrativa, pese a que es breve su intervención, que es el de la condesa Krizstina, quien forma el centro de la disputa simulada y callada durante 41 largos años, entre dos colegas y amigos en aras de un mismo amor.
EL ÚLTIMO ENCUENTRO es sin embargo una obra en donde la amistad es la parte medular de la trama que busca justificación de su ruptura debido al amor que los personajes protagónicos de Hénrik y Konrad le profesan a Krizstina.
Las preguntas a medio contestar son la premisa de los diálogos que pretenden una conversación o riña entre los amigos, muy a manera aristocrática, en donde nunca se debe perder la compostura, ni los buenos modales.
Todo ello fue lo que hizo que la Compañía Nacional de Teatro se interesara en esta obra, en
donde además se celebra la colaboración del gran trabajo escénico de la primera actriz
Marta Verduzco (Nini) y su excelente director escénico Salvador Flores, ambos reconocidos
por su ardua y valiosa labor durante un poco más de cuarenta años.
La obra se esta presentando en la ciudad de México en la sala Héctor Mendoza en la calle de
Francisco Sosa 159 en Coyoacán de manera gratuita.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
-“A finales del siglo XIX y principios del XX, Henrik, general de la guardia imperial y
Konrad, su Viejo compañero de la Academia Militar, se reúnen en un Castillo de los
Cárpatos húngaros, donde todo sigue como si no hubieran transcurrido 41 años sin
volver a verse. En la inmensa mansión, Nini la nodriza, es testigo de lo que pesa el
silencio. Va ha consumarse el ultimo encuentro.”-
Este es uno de los párrafos textuales que encontramos en el programa de mano que se
ofrece en la puesta en escena de la obra teatral EL ÚLTIMO ENCUENTRO original del
escritor húngaro Sándor Márai intitulado por el mismo autor como “Las velas se consumen
hasta el final”, pero que al ser traducido al español se le reconoce como EL ÚLTIMO ENCUENTRO.
El director de esta obra teatral es el Señor Salvador Flores quien junto con Gabriel Pascal, encargado de la escenografía de la puesta en escena, lograron un excelente trabajo al presentar una obra difícil, en cuanto a su representación escénica, debido a los largos diálogos entre sus dos personajes protagónicos.
Sin embargo, el cubrir los detalles descritos en esta obra, como son la presentación de la degustación de vinos y licores en una suntuosa cena en el castillo, son manejados a detalles otorgándole mayor verosimilitud a este drama, durante una discusión sobre un pasado compartido y triangulado.
El lujo logra ser patente entre la presencia de actores que interactúan como parte del servicio de una familia de abolengo en donde empero al lujo y aparente bienestar, reina la triste y la soledad.
El personaje de la vieja nana llamada Nini sirve al autor para dar los pormenores de la trama utilizándola como presentadora de la historia, como una narradora omnisciente y omnipresente de los hechos.
Un cuarto personaje cobra gran peso en la narrativa, pese a que es breve su intervención, que es el de la condesa Krizstina, quien forma el centro de la disputa simulada y callada durante 41 largos años, entre dos colegas y amigos en aras de un mismo amor.
EL ÚLTIMO ENCUENTRO es sin embargo una obra en donde la amistad es la parte medular de la trama que busca justificación de su ruptura debido al amor que los personajes protagónicos de Hénrik y Konrad le profesan a Krizstina.
Las preguntas a medio contestar son la premisa de los diálogos que pretenden una conversación o riña entre los amigos, muy a manera aristocrática, en donde nunca se debe perder la compostura, ni los buenos modales.
Todo ello fue lo que hizo que la Compañía Nacional de Teatro se interesara en esta obra, en
donde además se celebra la colaboración del gran trabajo escénico de la primera actriz
Marta Verduzco (Nini) y su excelente director escénico Salvador Flores, ambos reconocidos
por su ardua y valiosa labor durante un poco más de cuarenta años.
La obra se esta presentando en la ciudad de México en la sala Héctor Mendoza en la calle de
Francisco Sosa 159 en Coyoacán de manera gratuita.
EL SUEÑO DE LA MANTARRAYA.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
A partir del día miércoles 13 de enero comenzó la temporada de la puesta en escena “El sueño de la mantarraya” en el teatro Santa Catarina de la ciudad de México.
Obra de índole histórico la cual inicialmente fue titulada “Alegato insular”, pues el problema medular que trata este drama, es en cuanto al alarde del debate que constituyó el reconocimiento legal del territorio de Clipperton, una pequeña isla cercana a la playa de Acapulco que sería disputada tanto por México, por su cercanía, como por Francia acorde al escrito de un corsario, quien la inscribiera como era usanza secular, como posesión de su emperador La isla de Médanos como siglos antes le denominaran los españoles, al ser lo único con lo que contara dicho territorio. También se le conocería como la isla de la Pasión, para finalmente ser reconocida como la isla de Clipperton.
El sueño de la mantarraya es una obra teatral basada en el periodo presidencial de Porfirio Díaz. Le contaremos que la obra precisó de una minuciosa investigación a-priori por parte de su escritor Alejandro Ainslie quien se basó en la información que encontró en el Archivo Histórico Diplomático de la Secretaría de Relaciones Exteriores y, en algunos de los testimonios escritos por Avelar, Antonio Gómez Robledo, Laura Restrepo y Ana García Bergua.
La puesta en escena tiene como referente los años de entre 1858 y 1931, en territorio mexicano y por supuesto, en la isla de Clipperton y, esta recreada con un vestuario a la usanza tanto de los militares como de los civiles, hecho que permite darle más credibilidad, introduciendo al público a la época.
La obra en sí es difícil de montar, pero cuenta con una gran dirección tanto estelar como escénica.
Empero a que la temática incurre al género histórico, el escritor logra atrapar la atención del público, con una trama en donde los personajes están muy bien delimitados, presentando su parte humana vulnerable, lo cual la hace interesante. Ello se logra con diálogos bien estructurados y el apoyo multimedia.
La trama como inicialmente comenté, ventila la pugna que se iniciara en 1858, tras la llegada en un día de tormenta por un barco francés L’Amiral, y cuyo capitán Victor Le Koat de Kerwéguen, testificara que la isla pasaba a ser propiedad de la corona francesa, bajo la férula de Napoleón III, como era la usanza secular, que permitía que las tierras vírgenes eran poseídas por su primer descubridor. Suceso que se efectuó por escrito, con fines de su legitimación, pese a no haber ni siquiera desembarcado ningún tripulante del L’Amiral.
Treinta y nueve años mas tarde, el presidente en turno de México, Don Porfirio Díaz, intentó manifestar su inconformidad debido a que la isla aún desolada, se encontraba dentro del territorio mexicano, según estipulaba el mapa de Magallanes. Por ello, el presidente mexicano en turno, Don Porfirio Díaz, decidió colocar en la pequeña isla, el símbolo patrio, para honrar periódicamente la bandera de México.
Comisionó para tal efecto, al teniente Ramón Arnaud, nombrándolo capitán y gobernador de la isla, quien se traslado con su mujer y una expedición bajo su cargo, para habitar y defender a la isla en caso de un ataque, por parte del gobierno francés.
La visita del ministro francés Monsieur Chivot a México, y la propuesta de llevar el caso a un fallo internacional, propuesto por José Ives Limantour, ministro de hacienda de Díaz, tras el conflicto armado en territorio mexicano, y la presencia del caudillo y después presidente de la República Don Francisco I. Madero, son representados en esta puesta en escena. Todo ello en un solo acto escénico, con prospecciones y retrospecciones temporales, es decir, los personajes dentro de la trama alude constantemente a citas del pasado y del futuro, para no hacer tedioso el género histórico en el que se basa el texto, haciéndolo interesante con los personajes que muestran sus debilidades y su pasión por el cumplimiento de su deber y por la patria.
EL SUEÑO DE LA MANTARRAYA es una producción de la UNAM y se presentará de miércoles a domingos en el foro Santa Catarina.
RESUMEN 2015
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
El año 2016 albergó un gran número de eventos culturales como fueron “Las cuatro
estaciones” de Vivaldi con la compañía Nacional de Música de la UNAM, en la sala
Netzhualcoyotl, entre grandes overturas de músicos clásicos.
Se presentó música infantil con Mario Iván Martínez en el Centro Cultural Chapultepec con un reparto musical que intitulara “Que dejen todos los sueños abiertos”, inspirándose en
nuestro gran maestro Gabilondo Soler, mas conocido como Cri cri el grillo cantor.
Para homenajear a Mercedes Sosa Piero, presentado por León Greco y Víctor Heredia, se unieron las grandes voces femeninas como son Guadalupe Pineda y Eugenia León haciendo gala con sus tonos y coloridos musicales, en base a un reparto de cantos latinoamericana, que se hicieron disfrutar en breve temporada en el teatro de la Ciudad Esperanza Iris.
En el ámbito teatral fueron presentados grandes dramaturgos como Samuel Becket, en el teatro Helénico y en el foro del teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque con “Esperando a Godot” o la obra de Medea de Eurípides en et Teatro Santa Catarina bajo la producción de la UNAM, o de Macbeth de Williams Shakespeare, en el foro Sor Juana Inés de la Cruz.
Grandes directores teatrales como el maestro Luis de Tavira dirigieron obras teatrales con importantes repartos como fue “Círculo de cal” en el teatro Héctor Mendoza o puestas en escena a cargo de Enrique Singer en los foros de la UNAM hicieron posible la puesta en escena de grandes obras teatrales, como fue el ciclo teatral de las obra de Luisa Josefina Hernández, ofrecidas para también develar y galardonar a los grandes actores que forman parte de la Compañía Nacional de Teatro.
También el teatro comercial tuvo grandes logros, siendo uno de ellos “La dama de negro”
estelarizada durante muchos años por el gran actor desaparecido Germán Robles”, La Dalia
Negra” con Don Fernando Luján, en el Centro Cultural Chapultepec, o una familia de diez” con grandes comediantes como son el Polivoz Eduardo Manzano y Jorge Ortiz de Pinedo en el foro López Tarso del Centro Cultural San Ángel.
Musicales que no piden nada a las puestas en escena de Broadway como la producción de Morris Gilber y OCESA “El rey león” en el teatro de la plaza Carso de Polanco.
También a manera de galardonar por una ardua labor artística, se presentó la obra teatral “Bajo la Mirada de las moscas” de Michael Marc Bouchard, actuando la actriz homenajeada Pilar Pellicer en el foro teatral “El Galeón del INBA.
Se compartió escenario en nuestra ciudad de México con obras extranjeras, tal y como fue “El Greco y la legión Tebana” del escritor Alberto Herreros, bajo la dirección de Ignacio García y Natalia Mateo con la compañía española Panicoescénico.
Premios a nuevas dramaturgias y presentaciones libros, como fue la Teoría de la Crítica y compendio de sus principales practicantes del maestro Benjamín Bernal, también se hicieron presentes y, esperamos que este año que comienza, el arte en nuestra ciudad siga emocionando al público.
Finalmente pastorelas hicieron que la época navideña se evidenciara, como la presentada por el grupo de rock infantil Qué payasos con su divertida y ocurrente Pastorela Tibetana, en el Centro Cultural Helénico.
¡FELÍZ AÑO!
LA DALIA NEGRA.
POR: Dalia Maria Teresa De León Adams.
El día de ayer lunes 4 de enero fue galardonada la obra original de John Richman, “The
black Dahlia, en el foro del Centro Cultural Chapultepec con la debelación de la placa por las
actrices Ariadne Díaz y Esmeralda Pimentel, siendo la primera quien cerró la temporada
con la actuación estelar que caracterizó como Elizabeth Short.
Esmeralda Pimentel fue la figura enigmática que la producción de los Señores Jorge y Pedro
Ortiz de Pinedo tuvieron reservada hasta concluir la obra, para sorprendernos con el
parecido que en escena se logra con Ariadne Díaz, a quien sustituirá a partir de éste fin de
semana debido al embarazo que como ya era sabido en rueda de prensa, motivo a la actriz
a dejar la obra.
Su novio se presentó con un ramo de flores para Ariadne, quien recibió otro por parte de la
productora, al igual que las diferentes actrices que forman parte del reparto, el cual seguirá
estando formado por el Señor Fernando Luján, como narrador y, en esta ocasión le
acompañó su hijo en el mismo rol de investigador policial y narrador, pero siendo el joven.
Ariadne Díaz, Erik Hayser, Juan Ríos, Darío Ripoll, Héctor Berzunza, Fátima torres, Salvador
Petrola, Majo Pérez, Mario Loría José Ramón Berganza y Mauricio Isaac., entre otros
estuvieron en escena en esta puesta de tipo audiovisual, que permite ser visualizada a
manera de “cómics” y en cierto formato “cinematográfico”, pues como publicamos en la
premier de la obra, su presentación resulta ser novedosa y muy poco convencional en
escena teatral, siendo la primera vez que se presenta de esta manera, por lo menos en
nuestro país pues la puesta en escenas recurre al apoyo de un formato multimedia, el cual
permite presentar cada una de las escenas, intercalándolas con las actuaciones estelares
que se efectúan en un espacio aproximado de sólo dos metros, con dos pantallas que
interactúan en las escenas.
De tal modo que podemos visualizar cada uno de los lugares que rodean los hechos
policíacos qué nos dan la impresión de ser recorridos por los personajes, vestidos y
maquillados, así como peinados acorde a la época de los 40’s en los Ángeles, California.
La obra narra un crimen real que desató polémica por su crueldad, en la Unión Americana;
caso que nunca logró llegar a ser cerrado por la investigación policial local.
Pertenece al género policíaco por su tratamiento temático la obra que transcurre en torno
a una investigación policial, mediante la cual se intentó indagar un asesinato, el crimen de
quien fuese conocida como LA DALIA NEGRA, cuyo nombre real era Elizabeth Short. Drama
que inspiró al dramaturgo para escribir una obra de denuncia, llegando a sus propias
conclusiones sobre el asesino.
