Por Perla Schwartz
Hay obras teatrales que no pierden vigencia, por el contrario, conforme pasa el tiempo, su discurso se torna más contundente y efectivo. Tal es el caso de “El gesticulador” de Rodolfo Usigli el padre de la dramaturgia mexicana moderna, con una obra que data de 1938 y que ofrece una certera e inteligente reflexión acerca de la megalomanía en torno al poder, al tiempo que traza de manera magistral, el nacimiento, la muerte y la resurrección de los mitos que alimentan al imaginario nacional.
El dramaturgo realiza una crítica a los políticos, a quienes considera como los creadores/destructores de una nación. Ahora en el marco de los festejos del centenario de la Revolución Mexicana, se puede acceder de nueva cuenta a una puesta en escena de la emblemática obra de Usigli (hace más de veinte años, la dirigió Rafael López Mirnau con la gran actuación de Carlos Ancira).
La adaptación y dirección del actual montaje está a cargo de Antonio Crestani y recientemente inició temporada en el Foro Cultural Chapultepec. Es una puesta en escena, ágil, bien trazada, muy cercana a los hechos de corrupción e impunidad, que en la actualidad se viven en nuestro país.
“El gesticulador” se desarrolla en las postrimerías de la Revolución Mexicana en un poblado (llamado Allende) que se ubica en el norte del país, ahí regresa el maestro universitario César Rubio (Juan Ferrara), acompañado de su mujer y sus dos hijos.
Por esos azares incomprensibles de la vida, él terminará por convertirse en un caudillo, sobreviviente de la Revolución y se tornará en toda una leyenda (por supuesto que el personaje de Usigli tiene ecos de Villa, Zapata o Carranza).
Una “gran mentira” es el eje temático de esta gran obra, que deja patente la manipulación, el cómo los mitos políticos surgen de la nada, la manera como los advenedizos pueden aspirar a su momento de gloria.
La puesta en escena cuenta con un elenco de primer nivel. A Ferrara lo acompañan en esta aventura teatral: Verónica Langer como la abnegada Elena, quien teme las consecuencias del embuste de su esposo, con una actuación muy convincente. Los hijos son Damayant Quintanar y José María Mantilla, ambos se despliegan con naturalidad.
Julián Pastor como el profesor Bolton, que a pesar de su breve intervención, se preocupó por construir a su personaje con agudeza y varios matices. Complementan el elenco: Joaquín Garrido, Irineo Álvarez, Fernando Banda (alternando con Juan Carlos Bonet), Jorge Ávalos y Aldo Verastegui.
La escenografía de Mario Lazo y Luz Bracho es un tanto grandilocuente y merecería ser transformada, en cambio la iluminación de Agustín Casillas y la escenofonía de Rodolfo Sánchez Alvarado apoyan el desarrollo de la acción dramática.
“El gesticulador” se presenta en el Foro Cultural Chapultepec. Foto Zvi Ziman.
Teatrikando
Un nuevo foro por varios que desaparecen, El Gesticulador
Por BENJAMIN BERNAL
Han desparecido unos, cambiado de vocación otros: Milan, El Orfeon,
Polanco, Stanistablas, están entre los que podemos recordar ahora, por fin, se
incorpora uno nuevo,el Centro Cultural Chapultepec, antes un foro
exclusivo para empleados bancarios, ahora es remodelado y entregado al teatro
profesional. El director que inaugura esta nueva etapa es Antonio Crestani y la
obra que han elegido es El Gesticulador de Rodolfo Usigli, quien recibió un
homenaje hace poco años, pero muy escasos montajes. Usigli es considerado el
fundador de una nueva dramaturgia mexicana, hasta ese momento anquilosada en
los modelos extranjeros, principalmente hispanos y franceses. Todavía hay quien
ubica sus textos en Moscú o en Frankfurt, porque lo mexicano les hace sentir menos.
Esta obra de Rodolfo Usigli escrita en 1938, habla de un tema que hoy
nos provoca indignación y risa, porque exhibe las entrañas del poder que nos
envuelve y casi aniquila. México debe ser el país más rico del mundo, porque
sobrevive a pesar de los saqueos de los partidos, así en plural, porque no hay
a cuál salvar. Usted conoce la anécdota, un profesor de historia, especializado
en Revolución Mexicana se ve envuelto en una confusión que da paso a una
revelación importante, más aún cuando Usigli y José Vasconcelos luchaban por
impulsar hacia el futuro a México, empantanado en el conservadurismo
porfirista, freno que todos deseamos no vuelva, pero cada dia aparecen nubes
grises en el horizonte político.
El elenco es encabezado por Juan Ferrara (en plan grande) y Verónica
Langer, con José Maria Mantilla, Damayanti Quintanar, Julián Pastor,
Irineo Alvarez(¡qué bien !),Fernando Baranda (que alterna con Juan Carlos
Bonet), Jorge Avalos y Aldo Verástegui. Todos encajan en esa propuesta para
desnudar las argucias, un tanto inocentes, hoy que vemos en minutos circular la
información, en vivo las torres gemelas, pero también estamos atentos a los
vacios informativos. Usted sabe, desinformar es una forma de manipular. No, no
había twiiter ni Ipad.
Se dice al abrir telón que es la cumbre de la dramaturgia mexicana, también
pesqué en los pasillos un despistado (por no salpicar con groserías esta blanca
página) que dijo “está muy vista la obra”, déjeme dar mi punto de vista: el
contexto era distinto y en verdad cambia la perspectiva al hablar de México y
hacer una crítica mordaz a los que viven del poder, y viven bien, por cierto;
¿Muy vista?, Alejandro Usigli recuerda que la montaron hace 20 años.Yo la vi
con Teatro del Pueblo, al frente Carlos Ancira hace treinta. Son personas que
hablan por lucirse ante su familia, aficionados light.
El teatro es metáfora, por eso se sienten aludidos todos y se
oyen risas a cada momento, porque nos recuerda el asesinato de… las
declaraciones vacías de don… la falta de escrúpulos del licenciado … La risa se
provoca porque quisiéramos ser un juez imparcial para meterlos al bote y perder
la llave. Cuántos generales sin primaria, que nunca pelearon fueron
“revolucionarios”, profesores que no saben la O por lo redondo. Se alerta en la
obra: el estado está en peligro de caer en el continuismo (si, en 1938, no
habla del 2010)
México está lleno simuladores se dice en la obra y el público asiente, las
armas en todas sus variantes están presentes en la conducción de los destinos
nacionales (¿o no?) Así que usted no puede dejar de verla en Reforma esquina
Mariano Escobedo los fines de semana. Se divertirá. ( Fotos de El
Gesticulador, Zvi Ziman)
COLUMNA TEATRIKANDO
Por BENJAMIN BERNAL
Héctor Suárez encabeza Toc Toc
El teatro que se abrió con el nombre de unos chiles, ahora simplemente se
llama Santa Fe y recibe a Héctor Suárez en Toc Toc de Lauren Baffie,se ubica en
Plaza Zentrika, una colonia donde se encuentran los corporativos de empresa y
algunos conjuntos habitacionales de lujo. Completan el elenco Sharon Zundel,
Marisa Rubio, Luis Arrieta y Gloria Izaguirre. Todos estan en su mejor nivel
para dar vida a esta psiquiátrica historia.
Cada uno interpreta cierta peculiaridad humana, quizá no nos hemos fijado,
pero todos tenemos hábitos que se convierten en costumbres y algún día se nos
imponen para hacernos sus esclavos. El exceso de limpieza que lleva aparejado
miedo a las enfermedades, incluyendo el conocimiento detallado de
las mismas. Todos jugamos cuando niños a no pisar las rayas,
pero continuar así hasta la edad adulta, híjole. Son dos horas para
burlarnos de las técnicas psiquiátricas y los talleres de grupo en los que
encontramos a nuestros iguales para beneficio común, al menos eso creemos.
Ahora vamos por la calle y en los restoranes escuchamos que dicen insultos
a granel, en boca de hombres y claro, cada día más mujeres, porque quizá sean
víctimas de esa pulsión, en la que cada pocos minutos expresan alguna leperada
o albur, acompañado de señas por todo mundo conocidas y que sólo decimos en
momentos cumbre. El dueño de tan singular característica es… No le voy a contar
la historia ni sus personajes, para que usted la descubra cuando vaya a este
teatro, realmente cómodo si usted aprovecha para hacer una tarde (o noche) de
paseo.
Otras de las manías que aparecen es la facultad de convertir todo en cifras
y cálculos, habilidad propia de ciertas personas y profesiones. Platique la
obra a una chica y me dice que su mamá es así, todo lo quiere interpretar por
medio de los ¡ números y cálculos ¡ Lo que es más frecuente es una
señora respetable que tiene la bolsa llena de imágenes de su iglesia, hace
señas mágicas (de su fe) para conjurar así todas las malas influencias. Dicen
que Pompín Iglesias tuvo la necesidad de repetir todo dos veces y servir de eco
a quienes le rodean, pero sea cierto o no, aquí nos mata de la risa escuchar
que toda expresión sea con copia.
Toc toc no es la onomatopeya de llamar a la puerta, sino las iniciales de
Trastorno Obsesivo Compulsivo, que no es otra cosa que manía, ya ve
usted que a los loqueros se les da llamar de forma rebuscada lo que mi abuelita
hubiera curado de tres zapes. Es la oportunidad de un texto divertido, nos
ofrece la oportunidad de ver una luz para alcanzar la normalidad, si es que esto
fuera posible.
Fue estrenada en Paris, 2005, pasa a Madrid y Sao Paulo, ahora toca la
oportunidad a este lejano foro, pensamos que en breve se pasará a alguno de los
teatros del grupo. Es una buena idea que ya hacen otras empresas e
instituciones, norte, sur y centro; en esta geografía tan extraña de los foros,
¿se ha fijado usted que el oriente NO tiene teatros?
Bueno, pues le recomendamos este trabajo en el que se luce Héctor Suárez,
ganador del premio a mejor Monólogo de la APT, por su trabajo en La señora de
su casa, 2008.
Diana Muñóz, se gradúa como Actriz en Aguascalientes
Hola Benjamín, hola APT, deseo compartirles algo:
Saben, estoy muy cerca de mi graduación.
Soy parte del Grupo HAMLET de Aguascalientes, que este año celebra 77 años
de vida teatral. Vamos a celebrarlo en grande.
Carta a...
" Hoy llegué más temprano que de costumbre, me detuve y te vi a lo
lejos, como siempre me estabas esperando. Dudé al no saber si ir a ti o
seguirte viendo y recordando los momentos que pasamos juntas. ¿Recuerdas cuándo
nos conocimos? Te tenía miedo, no sabía cómo iba a ser esta nueva etapa, pero
tú ya sabías de mí. Poco a poco fueron llegando personas nuevas como yo y otras
que ya te conocían y saludaban entre bromas, pero yo seguía asustada.
Al paso de los días nos fuimos haciendo amigas, nos fuimos entendiendo…
Tú me brindaste todos los conocimientos a tu alcance, de algunos no hice
mucho caso, pero de otros me hiciste casi una experta.
Hoy te veo y la melancolía opaca el orgullo que sientes al verme partir a
un nuevo viaje. Sabes que ya no estarás para verme caer y aconsejarme. Lo único
que te tranquiliza la idea que a donde voy me ayudarán de la misma manera que
lo hiciste tú.
Dicen que las despedidas son tristes, y está no es la excepción, pero al
mismo tiempo tengo alegría y optimismo porque gracias a ti soy mejor persona y
me espera un futuro prometedor.
Gracias por tu fraterno abrazo que ahora será para nuevos miedosos que les
ayudarás a madurar como a mí.
Pronto se llegará el 26 de junio del 2009, donde tengo cita en el teatro
Aguascalientes a las 11:00 de la mañana. Día que celebraré por este éxito. Los
espero para brindar por las derrotas y los triunfos.
Si, lo ha adivinado usted, dedico esta carta a una maestra, a todas
esas almas que me han ayudado a formar lo que hoy empiezo a ser."
* Si me permites, desde hoy te consideramos nuestra ahijada. No podremos
estar presentes, pero te mando el corazón y un abrazo. Felicidades Grupo
Hamlet. 77 años son una enorme tradición. Benjamín Bernal, Presidente dela
Agrupación de Periodistas Teatrales.
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Fuerza escénica de la ciudad
Por Guillermo Carballo Iturbide
Imagina una
obra de teatro dentro de un automóvil, en el sótano de una universidad o en la
azotea de una catedral? Diversos creadores escénicos decidieron levantar sus
montajes en espacios no convencionales ya sea por falta de recursos o por
iniciativa propia, y fundar sus propios espacios de interpretación con
resultados sorpresivos y convertirse en motivos de estudio para investigadores
de las artes escénicas.
Las
propuestas existen: El autobús escénico en la colonia Roma es un camión
adaptado para ser un foro experimental dedicado al teatro físico, danza y
performance. "El teatro de intervención", como algunos especialistas
lo llaman, consiste en tomar por asalto escenarios reales y edificar sobre
estos un montaje, para transmitir al espectador la sensación de realismo puro,
y así sustituir un escenario convencional por uno alternativo como un bar, una
iglesia, oficinas, baños o incluso bodegas abandonadas para una escenificación
convincente.
Teatro sin límites
Pasos en la
azotea es la iniciativa de un colectivo de jóvenes creadores escénicos con la
intención de rescatar los espacios urbanos más inesperados para sus montajes.
Presentarse dentro de una cantina fue una idea de Eduardo Arroyuelo, para sus
alumnos de la Casa Azul, al buscar la verdad escénica de sus intérpretes, con
la técnica de Sanford Meisner en Beyond Therapy (Región 4). Otro espacio que ha
ganado prestigio es el teatro Milagro, de Daniel Giménez Cacho, que ofrece su foro
para montajes arriesgados como la danza y el teatro experimental; allí se llevó
a cabo La consagración de la primavera, una escenificación de Roger Bernat a
partir de una coreografía de Pina Bausch (a un año de su muerte),
sensibilizando a todo público, con sólo un foro desnudo sin ningún elemento más
que el cuerpo y la imaginación humana.
Rubén Ortiz,
director y pedagogo teatral, a través de su compañía La Comedia Humana,
condicionó el sótano del auditorio Carlos Lazo (unam) en un auténtico paraíso,
tan efímero como poderoso con su montaje El paraíso o La vida pasada en limpio.
El director fusiona poesía, una estética propia y alcanza la conciencia de los
espectadores, y perfora los convencionalismos y perspectiva del mundo con su
poderosa sutileza que lo caracteriza.
La ciudad danza
Con un
estilo vanguardista definido, el ex convento de Santa Teresa, llamado ahora Ex
Teresa Arte Actual, ubicado detrás de la Catedral metropolitana, a raíz de la
iniciativa del Instituto Nacional de Bellas Artes por rescatar monumentos
históricos y darles una función especial, se crea este museo-convento-foro,
único lugar histórico que a manera de laboratorio artístico protege y alberga
las expresiones del arte experimental contemporáneo. Además de ser la sede
internacional del performance es un espacio único donde se fusiona
arquitectura, multimedia y teatro experimental de primer nivel, que vale la
pena experimentar.
ANGELICA MARIA EN
GALICIA ESPAÑA, TERMINÓ PELICULA "AÑOS
DESPUES"
Angélica María a punto de estrenar filme
* La novia de México terminó su reciente película
* "Años después" se llama el largometraje
* Habla de las diferencias ideológicas en España
Benjamin Bernal
Deseamos dar a usted una buena noticia: hace pocos días regresó Angélica Maria de Galicia, España, después de terminar el rodaje de la película “Años después”. En la que vemos a un familia que vuelve a reunirse años después, el motivo de la separacion han sido las diferencias ideologicas. Un tema realmente novedoso en este mundo lleno de triangulos amorosos y eternamente lleno de amenazas extraterrestres.
El argumento y la dirección de la película son de la mexicana Laura Gardós Velo, ella coproduce junto con su esposo el Sr. Ignacio Elizarrarás. Es nieta de Carlos Velo (considerado piedra fundamental de cine mexicano) quien también coproduce la película.
Es una producción en la que también participa FOPROCINE y los Gallegos Ringo Rango y la empresa Filmanova. Ya se prepara la premier del filme, que empezo a rodarse en febrero de este año.
Ahora, esperamos que en breve estrene un montaje teatral "Rin Rin",¿o cuál será?
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¡QUE NADIE SE MUEVA!
- Maribel Guardia, la mejor vestida en la Entrega de los Premios de la ACPT
- Silvia Navarro, Osvaldo Benavides y Kika Édgard ignoraron la premiación
- Héctor Bonilla, por "Yo soy mi propia esposa", proclamado el
Mejor Actor
- Me dá reconocimiento ACPT, !Gracias¡
Por Mario DE LA REGUERA
RESULTA curioso que los actores más noveles le hagan constante
fuchi a los galardones teatrales que anualmente se entregan.
Durante la XV Entrega de los Premios de la Asociación de Cronistas y
Periodistas Teatrales (ACPT), que preside Gustavo Suárez Ojeda, no fue la
excepción.
Dos claros ejemplos fueron Silvia Navarro y Osvaldo Benavides, proclamado
Mejores Coactores del 2009, por sus respectivas actuaciones en "Todos eran
mis hijos".
Kika Édgard, Mejor Actriz en Comedia Musical, por "La novicia
rebelde", tampoco hizo acto de presencia.
En cambio, figuras tan consagradas como: Jacqueline
Andere, Héctor Bonilla, Rebecca Jones, Ernesto Laguardia, Olivia
Bucio, Alejandro Camacho, Ana Bertha Espín, Otto Sirgo y Alma
Muriel, no faltaron a la cita.
Bonilla fue proclamado Mejor Actor, por "Yo soy mi propia
esposa", mientras que Andrea Noli, la Mejor Actriz, por "Claudia: me
quieren volver loca".
Olivia Bucio no sólo cargó con su galardón, sino con los de
Lisardo, Tina Galindo, Claudio Carrera y la ya mencionada Édgar,
por "La novicia rebelde", pues nunca llegaron.
Cuando vimos a Ariel Bianco, sin su esposa Margarita Gralia,
adivinamos que llevaba su representación, ya que la actriz argentina estaba en
los últimos ensayos de "Todo sobre mi madre".
Por donde volteáramos, descubríamos una cara conocida: Guillermo
Wiechers, Ana Luisa Peluffo, René Azcoitia, Meche Pascual, Benjamín
Bernal, Sara Montes, Juan Torres (el productor), Amparo Garrido,
René Cervantes, Emma Pulido, Alejandro Medina (otro productor), Sofía
Álvarez, Thelma Dorantes y ¡Mónica Marbán!, entre otras.
Varias mujeres guapas y elegantes, pero, para variar, la que se llevó
las palmas fue la Reaparición Teatral del Año: Maribel Guardia, por
"Aventurera"
La beldad costarricense, enfundada en un magnífico Cavalli, con caida de
suspiro, dedicó su plateada presea a su hijo Juliancito y
a Marco, su eterno compañero sentimental.
Laguardia recogió su premio al Mejor Monólogo Masculino, por "El tiempo
vuela"; mientras que Pilar Boliver hizo lo mismo, pero en el apartado de
Femenino, por "La rubia, la trigueña y la pelirroja vengadora".
¡Vaya ovación la que recibió el Chato Cejudo, nombrado el Mejor
Publirrelacionista Teatral!
El brazo derecho de Carmen Salinas arribó con su hermana Payín Cejudo.
Otra fémina bastante atractiva y catrina fue Alma Muriel, considerada
la Directora Revelación, por "El show de terror de Rocky", donde
Antonio Escobar y Ricardo Fernández también fueron premiados como Mejor Actor y
Revelación en Musical, por "El show de Terror de Rocky".
Sergio Villegas fue el Mejor Escenógrafo, en tanto que Lorena Maza, la
Mejor Directora.
José Manuel López Velarde recibió el galardón de "Mentiras",
como Mejor Musical Mexicano, que es de su autoría.
El Musical Extranjero fue para "Mamma mia!", que producen Morris
Gilbert y Federico González Compeán.
La relevante actuación de Anna Ciochetti, por la
comedia "Entre mujeres", no pasó desapercibida para los miembros
de la ACPT, entre los que se encuentran: Jorge Ashley, Sally de Perete, Lorenzo
González, Javier García, Maru Páez y Oscar Díaz Rodríguez.
La Dama de la Victoria -así se llama el trofeo- por su Trayectoria
Artística fue para Lucy Tovar.
Otra galardonada que arribó estupendamente vestida fue Ana Bertha
Espín, Mejor Comediante del Año, por "Hasta que la boda nos separe".
Jorge Neri recibió, de manos de Wanda Seux, un premio especial por sus 40
años como director musical
A Rosalía Buaun le dieron otro por su flamante
presidencia en la Asociación Hispano Americana de Locutores.
Magnífica la conducción de Eduardo Narváez y la curvilínea veracruzana
Sugey Ábrego.
¡Ah! y nosotros recibimos trofeo como el Periodista Teatral del Año.
¡Muchas gracias ACPT!
Por hoy, es todo.
EL BREVE ESPACIO
- Lisa Owen está maravillosa en "Todo sobre mi madre"
- Aída Cuevas invita al musical ranchero "Si nos dejan"
- 6 mil escenificaciones de "Los monólogos de la vagina"
Por Mario DE LA REGUERA
TODAS las actrices están maravillosas, pero, para nuestro gusto, Lisa Owen
se lleva las palmas en "Todo sobre mi madre", estreno que
atestiguamos en el Teatro Insurgentes, donde lo mismo departimos con
productores del calibre de Rubén Lara, Fela Fábregas y Guillermo Wiechers, que
con actrices tan renombradas como: María Victoria, Jacqueline Andere, Rebecca
Jones y Norma Lazareno.
También divisamos a Fernando Luján, Diana Bracho, Oswaldo Benavides, Nailea
Norvind, Luis Gerardo Méndez, Pati Chapoy, René Casados, Juan José Origel,
Denise Merkler, Mauricio Herrera, Kika Edgard, Flavio Sosa, Lucy Orozco, Erick
Morales, Mónica Miguel, Atala Sarmiento, Héctor Carrillo, Maya Zapata, Mario
Casillas, Raúl Araiza, Enrique Gómez Vadillo y los hermanos Sabido:
Miguel e Irene.
Tina Galindo y Claudio Carrera -productores de tan magistral
escenificación- no se daban a basto recibiendo tantas personalidades,
vía la publirrelacionista Silvia Cantarell.
No faltó quien dijera -no sabemos si fue Henri Donnadieu ó Daniel Bisogno-
que había más estrellas en esta premiere que en la deslucida entrega de los
Arieles, donde las caras conocidas se podían contar con los dedos de las manos.
A pesar que no lleva el primer crédito, la ovación de la noche se la llevó
la Owen, seguida por la que recibió Alejandra
-"Agrado"- Bogue, ante la cara de estupor de Margarita Gralia y
Ana Claudia Talancón.
Las actuaciones de Silvia Mariscal e Ilse Islas tampoco pasaron
desapercibidas.
Tan es así que los mejores aplausos para Ilse se los brindó María René
Prudencio, quizá porque rechazó ese papel para hacer otro -igual de bueno- en
"Agosto".
VERÓNICA Castro fue la presentadora del show con que Arianna
celebró 30 años de carrera artística, donde la festejada
interpretó varios de sus éxitos, algunos de ellos surgidos del
Festival Nacional OTI de la Canción.
La Vero, además, cantó a dúo con la cantante yucateca,
uniéndose Margarita, la Diosa de la Cumbia, a tan inesperada
actuación.
Entre los asistentes, apuntamos al compositor Kiko Campos, la
novel cantante Lorena Bach, Rodrigo de la Cadena ("el Luis Miguel de
los pobres"), doña Socorro Castro y su nieto Michelle
Niembro (madre e hijo, respectivamente, de la Reina de las Telenovelas), el
diseñador Ignacio Aranda, los colegas Humberto Hernández, Bob Logar y Maue
Hernández; las representantes artísticas Rosy Esquivel y Cari
López, Daniel Ríolobos III y la publirrelacionista Liz Ochoa.
ANGÉLICA Vale estuvo de pisa y corre ayudando a su mamá (Angélica
María) a desmontar su casona de Lomas de Chapultepec, que recién
vendieron y en la que la segunda habitó por más de 60 años.
Lo anterior motivó que madre e hija montaran un bazar con los
objetos que no se podrán llevar a Miami, donde radicarán.
A propósito, la ciudad más acubanada de Estados Unidos entregó las
Llaves de la Ciudad a la legendaria actriz cubana Amalia Aguilar, en el Teatro
Tower, ubicado en la Calle Ocho, por su brillante carrera en el cine y en el
mundo del espectáculo desde la Época de Oro del Cine Mexicano.
Se unieron al homenaje, el Gobierno de México y el Instituto Cultural de
México en Miami, la Cámara de Comercio de la Calle Ocho, Miami Dade College, la
Fundación Apogeo, Venue Magazine y Cinemas Lumiere.
Amalia es una de las cuatro grandes rumberas cubanas de nuestro séptimo
arte.
Las otras tres fueron: María Antonieta Pons, Rosa Carmina y Ninón Sevilla.
LAS 200 escenificaciones de "El año próximo a la misma
hora", que protagonizan Alejandra Barros y Tony Dalton, fueron
apadrinadas por Ludwika Paleta, Paola Rojas y su marido Zague; mientras
que las 400 del musical "Mentiras" las amadrinará la cantante Amanda
Miguel.
Por otra parte, el productor Morris Gilbert definió las 6 mil
representaciones de “Los monólogos de la vagina” como un hecho histórico, pues
se trata del festejo de una obra que ha sido parteaguas en el teatro de México.
En el Nuevo Teatro Santa Fe, algunas de las personalidades que
desarrollarán los monólogos son: Lilia Aragón, Yolanda Ventura, Verónica
Jaspeado, María Inés, Rosángela Balbó, Irazema Terrazas, Claudia Rampazzo,
Bricia Orozco, Janet Arceo, Irene Moreno, Jana Raluy y Susana Moscatel, por
citar algunas.
PARA enaltecer la música mexicana, pero sobre todo las canciones del
compositor José Alfredo Jiménez, los cantantes Aída Cuevas y Jorge Lagunes
presentaron el musical ranchero "Si nos dejan", bajo la
producción y dirección de Leopoldo Falcón, en el Teatro Hidalgo.
Aída señaló que, después de 30 años de carrera, por primera vez, actuó en
teatro acompañada de sus hijos Vanesa Berganza y Rodrigo Cuevas.
Por hoy, es todo.
LA JIRIBILLA
- Lilia Aragón demuestra
en "Agosto" ser una actriz fuera de serie
- Blanca Guerra es otra que cautiva al público con su histrionismo
- También sorprendieron: Sherlyn, Flavio Medina y Raquel Garza
Por Mario DE LA REGUERA
LILIA Aragón debería tener catorce años para ser en la vida real mamá de Blanca
Guerra, como ficticiamente lo es en la recién estrenada obra
"Agosto", en el Teatro San Rafael del Centro Teatral Manolo
Fábregas.
Al relacionar la edad de Lilia y Blanca nos viene a la mente María Félix
porque siempre se quejaba de que cuando filmó "Doña Bárbara" le
pusieron de hija a una actriz (María Elena Marqués) casi de su edad.
La sonorense tenía algo de razón, si tomamos en cuenta que la
diferencia entre ambas era de 12 años, pero lo sacaba a colación porque la mamá
de María Elena solía preguntarle, durante la filmación, lo bonita que
debió haber sido cuando era joven.
María se limitaba a contestarle: "¡Ah señora! hace tanto tiempo de
eso, que ya ni me acuerdo".
Pero dejemos las anécdotas, para decirles que no faltamos al estreno
oficial de "Agosto", donde tuvimos como vecinas de butaca a dos
emperifoyadas Glorias: Ayub de Juan y Leal de Beteta.
Atrasito de ellas, la hermana de la primera, la guapísima Beba Ayub de
Elías.
Intercambiamos "smack" con Patricia Morán, la primera actriz que
ostentó el título de primera dama de un estado (Chihuahua) al casarse con el
finado gobernador Oscar Flores Sánchez.
Fela Fábregas se sentó entre los criticos cinematográficos Mauricio Peña y
Luis Terán, mientras que Margarita Sanz los invitaba al monólogo "Campo de
estrellas" que escenifica en el Teatro Helènico.
Aunque varios cuestionaron la prolongada escenificación (más de tres
horas) a nosotros nunca nos cansó, al contrario, la disfrutamos de comienzo a
fin.
Lilia está tan maravillosa en su papel de Violeta con el que no
sólo se almuerza a todos sus compañeros, sino hasta la
imponente escenografía.
Usted sabe, aparece con su desbordante personalidad y borra
todo lo que está a su alrededor.
Prueba de lo anterior fue esa memorable ovación de pie que los asistentes
(mas de mil 300) le brindaron al final.
La Guerra también está de 10, igual que Sherlyn, Oscar Bonfiglio, Raquel
Garza (¡otra de las gratas sorpresas de la noche!), Raymundo
Capetillo, María Renée Prudencio, Paco de la O, Verónica Jaspeado, Flavio
Medina, Alma Escudero, Juan Navarro y Arsenio Campos.
La dirección y adaptación de Jaime Matarredona es esencial.
Al final, el productor Morris Gilbert reconció: "Esta obra es un
espejo, no hay alguien en la sala que no haya visto a su familia
reflejada".
Sin embargo, sí hubo una asistente que dijo que su vida familiar nada tiene
que ver con lo que vio sobre el escenario.
Ella fue Flor Rubio, conductora de losprogramas "Fórmula
Dominical" y "Fórmula Espectacular", quien tampoco estuvo
de acuerdo con las palabras altisonantes que dicen los actores.
Otra cuestión que celebramos fue ver los cinco teatros den
dicho Centro funcionando al mismo tiempo, algo que nunca antes habíamos
atestiguado, pero, gracias a Ocesa, están ocupadas con parte de sus estupendas
producciones.
Por hoy, es todo.
EL BREVE ESPACIO
- Con su fresca y diferente
interpretación, Roxana Castellanos sepultó a la que
brindaba Consuelo Duval en "¿Por qué los hombres aman a las
cabronas"
-Janlú, el actor bajacaliforniano que la acompaña y acompañó a las
anteriores protagonistas, mejor que nunca, tanto física como actoralmente
- Galilea Montijo se ponía celosa cuando el Dr. Krazovsky -su
prometido- de reojo admiraba el imponente derrié de Anastasia, la
coprotagonista.
Por Mario DE LA REGUERA
ROXANA Castellanos debutó con el pie derecho en la
divertida comedia teatral "¿Por qué los hombres aman a las
cabronas?", en el Poliforum Siqueiros.
Sólo falta corregirle algunos detallitos, como cuando camina como sheriff
del Viejo Oeste tratando de imitar a los hombres.
También le falta dejar que el público termine de reírse
cuando dice algo ocurrente.
Janlú, el actor bajacaliforniano que la acompaña y acompañó a las
anteriores protagonistas, mejor que nunca, tanto física como actoralmente.
Nos llamó la atención que el ex novio de Roxana, Mario Cuevas,
mejor conocido como "La Garra", ocupara butaca de pista, pues, días
antes, habían terminado su relación sentimental.
Lo que son las cosas, en vivo y a todo color, se ve un cuate agradable,
pulcro y bastante buena onda.
¡Cómo se carcajeó el productor Alejandro Gout!
También Germán y Freddy Ortega soltaron sabrosas risotadas.
Los Macabrothers coincidieron que, con tan deliciosa escenificación,
Roxana demuestra que es una auténtica y verdadera actriz.
Galilea Montijo se ponía celosona cuando el doctor Krazovsky -su
prometido- de reojo admiraba el imponente derrié de Anastasia, la
coprotagonista.
A propósito, ¡ya se le bajaron los cachetes a Montserrat Oliver!
María Elena Saldaña llegó tan tarde que la mandaron con su novio a gayola.
Sí, la Güereja está estrenado novio y la vemos más contenta que nunca.
Raúl Araiza disfrutó la obra de manita sudada con su esposa,
mientras que Gustavo Adolfo Infante con la suya.
El primero no quiso hablar sobre la confirmada salida de Anette Cuburu del
programa "Hoy", donde se augura que Flor Rubio podría ocupar ese
lugar.
Si es cierto, estupenda adquisición de Carmen Armendáriz, pues hace falta
una periodista -en toda la extensión de la palabra- en dicha
emisión.
Fabiola Campomanes, en cambio, apareció sin perro que le ladrara.
Otra que llegó solita -sin Paco de la O al lado- fue Gabriela Platas.
El apuesto modelo Marcus arrancó -aquí entre nos- los mejores suspiros del
joven acompañante de nuestro colega Marco Antonio Silva.
Otro que competía en galanura con el brasileño fue Jorge Camargo, la imagen
masculina de Pierre Cardin México.
Facundo comentó que para el Mundial de Futbol pretende crear un canal
de televisión por internet, para que los comentaristas deportivos de Televisa no
lo limiten.
También divisamos a Carlos Espejel, Bárbara Coppel y Pepe Olivares.
Aunque hubo coctel posterior, terminamos cenando con el productor Rubén
Lara, su hermana Rosa y el adaptador de la obra, Mauricio Pichardo, más su
esposa Lupita, en "Basserie Lipp", donde vaticinamos
que Roxana, con tan magnífica actuación, se eternizará en
cartelera.
Por hoy, es todo.
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Columnna
Teatrikando
Por Benjamin
Bernal
Me gustan
los temas nuevos. Precisamente porque Natan el
Sabio aborda el
tema de los templarios, a través de una historia sencilla en apariencia,
que poco apoco se va complicando con una gran habilidad del adaptador.
Stefanie Waiss y Luis de Tavira son los autores. Enrique Singer dirige.
Philipe Amand embellece la historia con escenografía, iluminación y multimedia.
Es una obra que llena las expectativas del público medio, preferentemente,
aunque el intelectual también sale satisfecho ante las ironías, no he leído el
original, asi que pueden ser del autor, aunque me inclino a pensar que es
contribución de Luis de Tavira.
Además del
buen texto, es recomendable que usted la vaya a ver porque tiene un gran
elenco: Ricardo Blume,Adriana Roel, Rosenda Monteros, Luis Rabago, Arturo
Beristáin, Hector Holten, Yulleni Pérez Verti, Ana Isabel Esqueira,
Claudio Lafarga, Marisol Castillo e Ivan Cortes. La elección de los actores satisface
al más exigente, para darnos la solemnidad del Sultán con la sabiduría ecuánime
del judío.
Es una
historia que el inicio parece sencilla, un cuentecillo digerible, para ir
encontrando profundidad poco a poco, al enfrentar tres mundos que por una
respetable cantidad de siglos han chocado, el judío, musulmán y cristiano. El
elemento catalizador es el Templario, personaje rígido que rompe un poco con la
figura de severidad espartana que le dibujan, para caer enamorado de… pero, ya
estoy rompiendo mi costumbre de no contar la historia. Pero, si, en efecto,
está de moda hablar de esta orden militar cristiana, ¿qué hacían? Cuidar a los
viajeros que iban a Jerusalen durante los siglos XII al XIV, fueron tan bien
seleccionados y entrenados, que no sólo fueron grandes guerreros, sino que
inventan los pagarés, el cheque, en una palabra: la banca. El poder económico
que reunieron los convirtió en financieros para los monarcas, esto era ser
respetable y admirado una época, después les atrajo odios y envidias.
(Bueno, pero de esto no se habla, ni vemos tampoco una buena pelea)
¿Qué son el
cristianismo, el mundo musulmán y el judío? Tres religiones que comparten
muchos rasgos parecidos, de alguna manera reconocen a Adán, Abraham, Salomón,
Moises, Jesús, para una son simplemente profetas, en otra, son el eje, sin
enfatizar que Jesús fue Judío, ¿Por qué adoran a uno los católicos? Un
observador común diría por qué no se unen, si tienen puntos en común y la
etimología de religión es unir, nunca lo contrario. Yo entiendo una guerra porque
expresa lucha por dominio y riqueza, pero entiendo poco las que se escudan tras
una religión (y acaban en lo económico)
Es
interesante y entretenida, a pesar de que es larga nadie se mueve de su lugar
ni se distrae. Hay momentos de alta tensión entre Natan, el Musulman y el
Patriarca, quiza un poco inexplicada la reacción almidonada del templario, el
final que da vuelcos una y otra vez. Pero es de las obras que puedo recomendar
ampliamente. Véala y luego platicamos. Sala de la Casa de la Compañía Nacional
de Teatro, Francisco Sosa 159, Coyoacán.
Columnna Teatrikando
Por Benjamin Bernal
Natan el Sabio
Me gustan los temas nuevos. Precisamente porque Natan el Sabio aborda el
tema de los templarios, a través de una historia sencilla en
apariencia, que poco apoco se va complicando con una gran habilidad del
adaptador. Stefanie Waiss y Luis de Tavira son los autores. Enrique
Singer dirige. Philipe Amand embellece la historia con escenografía,
iluminación y multimedia. Es una obra que llena las expectativas del público
medio, preferentemente, aunque el intelectual también sale satisfecho ante las
ironías, no he leído el original, pueden ser del autor, aunque me inclino
a pensar que es contribución de Luis de Tavira.
Además del buen texto, es recomendable que usted la vaya a ver porque tiene
un gran elenco: Ricardo Blume,Adriana Roel, Rosenda Monteros, Luis
Rabago, Arturo Beristáin, Hector Holten, Yulleni Pérez Verti, Ana
Isabel Esqueira, Claudio Lafarga, Marisol Castillo e Ivan Cortes. La elección
de los actores satisface al más exigente, para darnos la solemnidad del Sultán
con la sabiduría ecuánime del judío. Muy recomendable,amena, buen ritmo, véala
y luego platicamos. Sala de la Casa de la Compañía Nacional de Teatro,
Francisco Sosa 159, Coyoacán.
Todos somos Roger
En la Gruta del Centro Cultural Helénico se estrenó un espectáculo de corte
acrobatico, con malabares, pantomima, moderno y muy propio para festivales,
pues no usa texto, salvo algunas palabras que se podrían memorizar fácilmente
en cualquier idioma. Hemos visto este estilo en grupos que viene de
otro país, con esta modalidad de teatro del cuerpo y es atractivo, ágil, nos
mantiene interesados y sale con una sensación agradable de que con tan pocos el
elementos nos hayan entretenido durante una hora.
Ramón Solano, Leonardo Constantini,Nicolas, Ormazabal y Sergio
Langarika,son los intérpretes, dirige Andrea Pelaez, quien tiene estudios en
Sofia Bulgaria,además de la escuela de Danza en México.
Tomás Urtusástegui
El Dr. Tomás Urtusastegui estrenó una obra sobre Angela Peralta, creo que
puede ser la más grande de sus obras, esperamos pronto verla, el nos invitó a
ver “La Radio” hace unos días en Sogem, divertida obra para ver representado un
texto que habla de Pedro Ferriz, Alonso Sordo Noriega, sombreros Tardán, El
Super Leche(ya desparecidos) ojalá la veamos profesionalmente en breve.
Estrenan foro Chapultepec con obra de Rodolfo Usigli
Antonio Crestani es el director que hace nacer el Centro Cultural
Chapultepec, donde podemos ver el Gesticulador de Rodolfo Usigli, lleva al
frente a Juan Ferrara y Veronica Langer, entre otros, está ubicado en Mariano
Escobedo y Reforma. Un gran estreno.
PARAJES
DESOLADORES
y
SIN
NOMBRE
Eugenia Galeano Inclán
10
de junio 2010
El Regreso de Ulises es una compañía
teatral fundada en el año de 2002 por un grupo de jóvenes comprometidos con su
vocación y deseosos de explorar nuevas formas de expresión. Están
conscientes de su momento y se saben pertenecientes a una sociedad compleja,
violenta y caótica. Lo más importante para ellos es el hecho escénico y el
espectador y sienten la necesidad urgente de dialogar en el más amplio y
contemporáneo sentido de la palabra. En su ruta hacia la innovación, sus
montajes podrían clasificarse como teatro de búsqueda y suelen desarrollarlos
por medio de laboratorios en donde la creación colectiva se hace patente. En el
periplo que se transita entre la idea inicial y la puesta en escena se van
librando múltiples obstáculos. Podrán superarse o no los retos conforme
se vayan presentando, al igual que existe la posibilidad de librarse o de
sucumbir ante ciertos riesgos. Gracias a su perseverancia en la labor escénica y a su corta pero innovadora trayectoria, Teatro El Milagro les ha brindado una residencia para la presentación de tres de sus obras, todas bajo la dirección de Mariana García Franco. Este ciclo fue iniciado por “Parajes Desoladores”, misma que es la tercera de una trilogía que está conformada por “Molok o de la violencia” [primera], “El Rapto” [segunda].
La trilogía tiene como base la exploración de la violencia desde distintas perspectivas. En particular, para Parajes Desoladores la premisa fue exponer sensaciones en vez de textos. Deseando compartir con el público estados de pensamiento y condiciones del alma, buscaron inspiración en el libro “En las Cimas de la Desesperación” de Emil Mihai Cioran, autor cuyo estilo se basa en afirmaciones cortas y aforismos, fuertemente influenciados por Nietzche, pero con el pesimismo de Schopenhauer o de Philipp Mailänder. Cioran, de origen rumano, fue un libre pensador inconforme hasta con la vida misma, solía decir que odiaba la idea de haber tenido que vivir, apreciando con certeza la enorme gratitud que debían tenerle sus hijos no-natos. Reconocido como provocador a ultranza, a través de su obra suscitó innumerables controversias contra lo establecido, contra las ideas constituidas respecto de normas o dogmas. Su propósito era instaurar un pensamiento a contracorriente, donde el cinismo tuviera lugar preponderante. Su cualidad primordial es la fuerza con la que escribe. Sus libros son como látigos que ironizan la existencia en forma tal que hace que el lector se dé cuenta de que realmente está vivo. Como se puede apreciar, este autor resulta idóneo para El Regreso de Ulises en cuanto a provocación.
En “Parajes Desoladores” se observan aciertos, como por ejemplo, continuar utilizando la fórmula de exposición de imágenes de los propios actores en distintos lugares o atuendos –algo que se ha convertido en una especie de sello característico del grupo–, el entorno que produce la música original creada por Rodrigo Espinosa, el despojarse de ropa para significar libertad absoluta, así como la entrega con la que acostumbran involucrarse los intérpretes –para este proyecto: Sophie Alexander-Katz, Soraya Barraza, Edson Martínez, Patricia Ortiz, Maricela Peñalosa y Daniel Rivera Rubio– y, desde luego, su buen manejo corporal. Sin embargo, el mensaje de alegoría de violencia queda diluido ante el uso excesivo de repeticiones y de tics nerviosos. La lectura que percibimos es la de estar frente a seres obsesivos compulsivos y no frente a personas en estado de desolación. Es muy loable la provocación en aras de la innovación, pero ciertas extralimitaciones podrían dar cabida al rechazo. Se presente lo que se presente en un escenario siempre se debe guardar cierto respeto hacia el espectador, no transgrediendo el buen gusto. Para cualquiera resulta desagradable ver a una persona quitándose y poniéndose las pantaletas y francamente repulsivo presenciar el acto de vomitar. En resumen, este montaje no nos parece tan logrado como “El Rapto” –un trabajo totalmente redondo, plagado de simbolismos que fluía en una misma dirección–. Queda claro que el que busca no siempre encuentra y es una lástima porque el trabajo en global denota el compromiso y dedicación de todos los integrantes de El Regreso de Ulises.
Ajena a la trilogía, la otra presentación del grupo es una instalación escénica plagada de imágenes, a la que curiosamente denominaron “Sin nombre”. En esta instalación se convoca al espectador a transitar los espacios junto con los intérpretes Rodrigo Espinosa, Laura Furlan y María Luna. A través de videos y proyecciones, se van proponiendo acciones en forma paulatina y coordinada. La música resulta acorde al proyecto y se logra que el espectador se integre por completo en el montaje como si fuera un elemento adicional. Las imágenes se entremezclan con los recuerdos personales y se alcanzan a reconocer espacios como campos de concentración, disección humana, morgues, departamentos patológicos, al ir vislumbrando tanto a quienes ahí yacen como a quienes ahí laboran. El querer saber hacia dónde se nos lleva produce expectativa y se acrecienta el interés. Con mucha más acción que palabras, en forma dosificada escucharemos fragmentos de textos de Goethe y de Roland Barthes. Muy ad-hoc la escasa pero efectiva escenografía a base de estructuras metálicas y enormes lienzos de polietileno. La escena final, en penumbra, con puntos iluminados estratégicamente, nos deja un buen sabor, como si hubiéramos encontrado un remanso de paz para exorcizar la visión de horrores que acabamos de experimentar.
Parajes
Desoladores
se
presenta Domingos a las nueve de la noche hasta el 27
de junio
A
partir del 4 de julio cambia de horario, para presentarse
Domingos a las seis de la tarde
hasta el 18 de julio
Molok
o de la violencia
en
el Teatro El Milagro
ubicado
en Milán N° 24, colonia Juárez
Teatro-danza
FOUR ROOMS
Eugenia Galeano Inclán
10
de junio de 2010
Tomando en cuenta que no es fácil entrar
a la habitación de una dama, imagínense que pueden entrar a cuatro habitaciones
al mismo tiempo. Esta oportunidad nos la brinda Vicente Silva Sanjinés en
su montaje “Four Rooms” (Cuatro Habitaciones). Vicente Silva Sanjinés es un destacado bailarín y coreógrafo mexicano, miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte de Fonca-Conaculta, quien gracias a su creatividad ha obtenido reconocimientos y becas de apoyo, a lo largo de las tres décadas que lleva dedicado al quehacer dancístico nacional.
Cuenta que un 31 de diciembre se sintió solo y de ahí comenzó a germinar la idea de realizar un trabajo sobre la soledad. Le pareció interesante abordar este tema desde el punto de vista femenino para dar más intensidad, pues considera que la mujer es más sensible y se permite tener mayor sentimiento que el hombre. Como dato curioso, para este montaje trabajó al revés de cómo acostumbra, es decir, desarrolló la coreografía a partir de la escenografía. Pudo cristalizar esta idea hasta que conoció la propuesta escenográfica de Alejandro Correa, quien sugirió un escenario monumental que mide 5 metros de alto por 12 de ancho y 10 de fondo. La escenografía es tan impactante como práctica la pared de fondo es abatible, lo que permite que las jóvenes puedan salir y entrar libremente.
Una vez que tenía resuelta la escenografía, proyectó tener cuatro habitaciones y que en ellas vivieran distintos personajes relacionados entre sí de algún modo, finalmente decidió que todas fueran mujeres. De este modo, nació “Four Rooms” para relatar el día a día de cuatro mujeres que enfrentan a la soledad por diversas circunstancias. La primera se quedó sola porque no tuvo vacaciones, la segunda porque se separó del marido, la tercera por decisión propia y la cuarta porque quiere encontrarse a sí misma.
A “Four Rooms” le tocó la distinción de reinaugurar la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario, tras el proceso de su remodelación. También se presentó en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.
Podríamos clasificar esta obra como teatro-danza pues a través de la coreografía y los textos conoceremos a las cuatro hermosas jóvenes de anatomía esbelta y bien definida que habitan el lugar. El tic-tac del reloj les anuncia el comienzo de un nuevo día y cada una da inicio a su rutina diaria. Sobre el escenario presentarán solos, duetos, tríos y unísonos coreográficos perfectamente diseñados y balanceados. Mediante movimientos rápidos o lentos con música contemporánea de fondo, van quedando plasmados los estados de ánimo por los que atraviesan estas bellas jóvenes. Igual las veremos serias para acudir al trabajo que permitiéndose cierto desenfreno en alguna fiesta. Podremos enterarnos de que una de ellas sueña con palomas mensajeras. Otra expresará una queja: “Odio que las monedas ya no rueden hacia mi casa y que los billetes no se deslicen hacia mi cartera”. Escucharemos confesiones íntimas como “quisiera que pases tu lengua por mis pies” o reclamos “tú ya no vienes, sólo te vas”. Un acercamiento al mundo interno de mujeres que transitan solas por la vida, tratando de encontrar una solución a sus anhelos emocionales.
Se adueñan del escenario entero y utilizan la escalera para salir al mundo, encontrarse con sus vecinas o hasta para reptar en ella. Las veremos con ropa de dormir, ataviadas elegantemente para una fiesta o simplemente con nada encima. La música, la iluminación y la proyección de imágenes dan forma a un montaje de balance perfecto.
Gran creatividad y talento de Vicente Silva Sanjinés para “Four Rooms” y excelentes interpretaciones de las bailarinas Sheila Rojas, Perla Jazmín López Peñuelas, Tzitzi Benavides y Alejandra Barreto.
Recomendamos ampliamente “Four Rooms”, montaje pleno de dinamismo y talento.
Four
Rooms se
presenta viernes 11 de junio a las ocho de la noche y sábado 12 de
junio a las siete de la noche en el
Teatro
Julio Jiménez Rueda ubicado en Plaza de la República 154, colonia Tabacalera
HISTORIAS
COMUNES DE ANÓNIMOS VIAJANTES
Eugenia Galeano Inclán
10
de junio de 2010
Alborde Teatro es una compañía originada
en Ciudad Juárez, Chihuahua que indaga en el universo de lo fronterizo.
Se caracteriza por estar siempre en el centro del fenómeno social y, por lo
mismo, sus montajes confrontan al espectador e incitan a la reflexión.
Esta característica les ha valido importantes reconocimientos en diversos
ámbitos y se encuentran posicionados en lugar preponderante del teatro actual
en México. Entre sus integrantes se encuentra el dramaturgo Antonio
Zúñiga, quien en toda su obra plasma circunstancias apegadas a la realidad y
dota a sus personajes de idiosincrasias bien definidas. En todas sus
producciones el denominador común es la calidad y han logrado impactar a la
sociedad por los temas tan vigentes que abordan. Gran éxito cosecharon con
“Mara o de la noche sin sueño”, en donde nos convocaron a presenciar el
movimiento de la mara salvatrucha desde el punto de vista interno de los seres
humanos que la conforman. Su más reciente montaje es “Historias Comunes de Anónimos Viajantes”, en donde curiosamente veremos historias no tan comunes y conoceremos a viajantes no tan anónimos, toda vez que sabremos más de ellos que de nuestros vecinos o conocidos. Pudiéramos decir que este proyecto está conformado por cinco monólogos, pues aun cuando los personajes interactúan unos con otros en ciertos fragmentos, cada uno de ellos tiene sus propias preocupaciones y están dispuestos a confesar cosas de su pasado y a hablar de su presente.
Para la representación de esta propuesta resulta idóneo el espacio alternativo que utilizan: el trolebús escénico llamado La Otra Nave. Desde el momento mismo en que entramos al trolebús se nos hace partícipes del viaje que juntos emprenderemos. A cada quien una razón distinta le habrá motivado el estar aquí. La forma tan vívida en que los personajes nos relatan sus historias hace que olvidemos por completo que estamos en una función teatral. En ocasiones, nos miran directamente a los ojos y si se les ocurre preguntarnos algo quedamos verdaderamente al borde de la butaca, sin saber si debemos dar réplica o no. La realidad y la ficción se entremezclan en forma tal que resulta casi imposible distinguir la una de la otra.
Los anónimos viajantes son el boletero del trolebús, un joven que trata de lidiar con la frustración de no haber podido continuar sus estudios de actuación, una mujer de personalidad dual. Un viejo desilusionado de lo que ha vivido y del mundo mismo, un travesti que sueña con alcanzar la fama y un burócrata de clase media, harto de la monotonía. Poco a poco nos iremos enterando de recuerdos de la infancia de estos seres, como por ejemplo que uno de ellos tuvo que refugiarse en la fe a causa del poco o nulo caso que le hacía su madre, a quien idolatra. Al menos, en la iglesia se sentía acompañado. Norma nos dirá que es actriz, pero nos contará detalles muy íntimos del trabajo de Isabel, quien se dedica a la prostitución –no tardaremos en darnos cuenta de que se trata de la misma persona. El viejo pedirá respeto y comentará que alguna vez trabajó con Verónica Castro o con Lucía Méndez –lo cual es cierto en la vida del actor, mas no en la del personaje. Un joven actor que cambia totalmente su personalidad al vestirse de fémina y de ser algo apocado pasa a convertirse en toda una mujer biónica capaz de conquistar al mundo y de evadirse del profundo dolor que padece desde que falleció su hermano. El oficinista que trata de sacar provecho de cualquier cosa que tenga a su alcance, atreviéndose hasta a hurtar cosas de sus compañeros.
Lo más sorprendente es la forma tan vívida en que fluyen todos estos relatos gracias al trazo de Antonio Zúñiga y a las convincentes interpretaciones de Christian Cortés (boletero), Norma Márquez (Norma/Isabel), Juan de la Loza (viejo), Roberto Heredia (mujer biónica) y Gustavo Linares (burócrata). El reducido espacio del trolebús está perfectamente aprovechado por Rodolfo Guerrero, quien se hizo cargo del montaje y de la dirección, en donde su desempeño es excelente, no sólo logra gran balance en el movimiento escénico sino que denota creatividad en la coreografía final. El diseño de escenografía e iluminación es de Jesús Hernández. Del vestuario se encargó Sergio Ruiz. El diseño sonoro fue encomendado a Rodrigo Espinoza.
Recomendamos ampliamente “Historias Comunes de Anónimos Viajantes” por ser teatro que mueve y que conmueve. Ante la premisa que se lee en el programa de mano “No te enojes … El mundo está peor allá afuera. Esto nomás es teatro”, podemos asegurarles que saldrán complacidos.
Historias
Comunes de Anónimos Viajantes
se
presenta Martes y Miércoles, a
las ocho y media de la noche, en el trolebús escénico La Otra
Nave que se encuentra estacionado en Avenida Sonora y Avenida
México, justo en una esquina del Parque México. Cupo Limitado –
Se sugiere hacer reservación. Teléfono: 5510 1313
o al Celular: 044 55 1496 5580
Diez reporteras en "Monólogos de la vagina" el dia de la libertad de prensa
Las reporteras que han aceptado
participar en esta función especial y el correspondiente monólogo que
interpretarán son:
Mayra Aguilar (Canal 28, Coño); Martha Cabañas (Televisa
Espectáculos, La inundación); Vicky López (Matutino Express, La
paparrucha en el país de las maravillas); Nancy Méndez (Excélsior, Mi vagina
era mi aldea); Claudia Pacheco (Agencia Notimex,La mujer que amaba hacer
felices a otras vaginas); Norma Angélica Pérez (Radio 13, Yo estaba
ahí); Linet Puente (TV Azteca, El taller de la vagina); Amy
Ravelo (Record, Mi vagina furiosa); Nayet Torres (TV y
Novelas, Pelos); y Marilú Torrano (Milenio y MVS Noticias, Porque
le gustaba verla).
WOW ¡
Teatrikando
Benjamín Bernal
Ars Erotika del Ecuador
Ars Erotika es un montaje que se presentó en el teatro Coyoacan,
ahora van al Sergio Magaña de Santa María la Ribera,que tendrá varios grupos de
Uruguay Venezuela y Ecuador los siguientes fines de semana, me tocó
ver Ars Erotika, compuesto por Babel Petroff y Bruno Castillo .Es una
divertida reflexión de las artes amatorias y del dominio de las mujeres.Elgrupo
es México-Ecuador para dar vida a algunas escenas con música, máscaras y
pantomima, el punto de vista juvenil sobre un tema realmente viejo
Héctor Bonilla festeja 200 y empieza telenovela.
Recientemente el teatro Rafael Solana de Coyoacán develó una placa
conmemorativa de un fenómeno teatral,las 200 funciones de un monólogo en que
Héctor interpreta a 35 personajes. Con dirección de Lorena Maza,el público sale
feliz de ver una lección magistral de actuación. El Diario de un loco, Bandera
Negra, quedan como lasdos grandes exhibiciones de poder, pasaron muchos años
antes de que llegara otra pieza extraordinaria. Felicidades.
Alberto Estrella: una fecha contra la ley Arizona SB1070
Con acceso gratuito: podrá usted asistir a lecturas dramatizadas este sábado:
Arizona, a las 12 a.m. A las 17 hs. El Ausente. En el centro del vientre a las
19 hs. Obras de Medardo Treviño, Rascón Banda (fallecido) y Clara Hartzsler
para combatir una ley que ha recibido el repudio mundial; denuncia que ni
creamos empleos, ni ellos dejaron de ser racistas. Veracruz 109, Condesa.
--
DIARIO
IMAGEN
Giménez
Cacho y Laura Almela, en el Milagro
Teatrikando
Por
BENJAMIN BERNAL
Trabajando
un dia particular es la adaptación a Un
día muy especial, el filme de Ettore Scola, 1974, que llevaba a Sofía Loren y
Marcello Mastroianni, en ella se habla de dos personas solitarias que viven en
un edificio como hay miles, con una anécdota que permite ir presentando un dia en la vida de estos
seres que no conocemos, pero poco a poco revelan el momento histórico de
Italia, cuando el fascismo, cuando Musollini está en el poder, atraviesan los
aviones el espacio aéreo y se escuchan
periódicamente las marchas militares e himnos.
Hay
vecinos, una portera que se cuela en las vida de ambos, como donde usted o yo
vivimos, un país inserto en un régimen
militar que, afortunadamente, no conocemos de manera directa; hay injusticias como las que vemos en los
diarios de manera continua -de las que
se nos informa lo que les conviene- pero si
uno se adapta, es posible vivir. La Italia de Mussolini, permite que
ella sea víctima social, lo mismo el. Si le dijera la causa de sus penas le
contaría la historia, lo que es mala idea, cuando mis intenciones son nada más dar
un esbozo, contarle que se trata de un montaje irreverente, amigable, lleno de
miradas y sensaciones entre dos seres humanos que deambulan en escena. Nosotros
los espectadores les acompañamos un dia determinado de su vida para esbozar
sonrisas comprensivas, cómplices.
Nos
regala momentos de gran teatralidad,
naturalidad es el eje de esta propuesta, pues recurren a exponerse tal como
son, con su ropa, muebles, maleta, libros, que traen de sus casas, mesa,
sillas, tendederos, para romper la cuarta pared, con el mínimo de ayudas,
música que activa Daniel Giménez Cacho, en tanto Laura Almela viste pantuflas
grandes, calcetines y bata, aunque un mechón coqueto baja de su cabellera
para ser capturado por la oreja para que se vea más femenina.
A
Giménez Cacho usted lo tiene fresco en la memoria por su trabajo en la TV abierta, Locas
de Amor, donde interpreta a un
Psiquiatra comprensivo con las tentaciones naturales del ser humano y una
esposa aprehensiva, que interpreta Tiaré Scanda, ganadora de premio APT (Mejor
Teatro Cabaret). Esto demuestra la gran adaptabilidad que tienen algunos actores
para ir del teatro al cine (Profundo carmesí, p.ej.) y la pantalla chica. Además, salir bien librados, pues cada medio tiene
sus propios secretos.
La
escenografía es exacta, pobre, algunos
elementos se construyen sobre la marcha para disfrute del público que asiste al
alto nivel de un foro experimental (si,debo aclarar que experimenta el que ya
sabe, quien aprende apenas hace un ejercicio) el vestuario es como usted y yo
andamos en casa, alcanza su mayor deleite el espectador con el desempeño
sincero de Laura y Daniel. Iluminación de Gabriel Pascal, que aporta
naturalidad y dirección de ellos mismos. Aproveche y véala antes de que la
quiten. El Milagro está cerca del viejo teatro Milán (se llama como la calle,
esquina Lucerna) que tiene un gran letrero de “se vende” ¿quién rescatará este
abandonado foro?
LA JIRIBILLA
- Lilia Aragón demuestra en "Agosto" ser una actriz fuera de
serie
- Blanca Guerra es otra que cautiva al público con su histrionismo
- También sorprendieron: Sherlyn, Flavio Medina y Raquel Garza
Por Mario DE LA REGUERA
LILIA Aragón debería tener catorce años para ser en la vida real mamá de
Blanca Guerra, como ficticiamente lo es en la recién estrenada obra
"Agosto", en el Teatro San Rafael del Centro Teatral Manolo
Fábregas.
Al relacionar la edad de Lilia y Blanca nos viene a la mente María Félix
porque siempre se quejaba de que cuando filmó "Doña Bárbara" le
pusieron de hija a una actriz (María Elena Marqués) casi de su edad.
La sonorense tenía algo de razón, si tomamos en cuenta que la
diferencia entre ambas era de 12 años, pero lo sacaba a colación porque la mamá
de María Elena solía preguntarle, durante la filmación, lo bonita que
debió haber sido cuando era joven.
María se limitaba a contestarle: "¡Ah señora! hace tanto tiempo de
eso, que ya ni me acuerdo".
Pero dejemos las anécdotas, para decirles que no faltamos al estreno
oficial de "Agosto", donde tuvimos como vecinas de butaca a dos
emperifoyadas Glorias: Ayub de Juan y Leal de Beteta.
Atrasito de ellas, la hermana de la primera, la guapísima Beba Ayub de
Elías.
Intercambiamos "smack" con Patricia Morán, la primera actriz que
ostentó el título de primera dama de un estado (Chihuahua) al casarse con el
finado gobernador Oscar Flores Sánchez.
Fela Fábregas se sentó entre los criticos cinematográficos Mauricio Peña y
Luis Terán, mientras que Margarita Sanz los invitaba al monólogo "Campo de
estrellas" que escenifica en el Teatro Helènico.
Aunque varios cuestionaron la prolongada escenificación (más de tres
horas) a nosotros nunca nos cansó, al contrario, la disfrutamos de comienzo a
fin.
Lilia está tan maravillosa en su papel de Violeta con el que no
sólo se almuerza a todos sus compañeros, sino hasta la
imponente escenografía.
Usted sabe, aparece con su desbordante personalidad y borra
todo lo que está a su alrededor.
Prueba de lo anterior fue esa memorable ovación de pie que los asistentes
(mas de mil 300) le brindaron al final.
La Guerra también está de 10, igual que Sherlyn, Oscar Bonfiglio, Raquel
Garza (¡otra de las gratas sorpresas de la noche!), Raymundo
Capetillo, María Renée Prudencio, Paco de la O, Verónica Jaspeado, Flavio
Medina, Alma Escudero, Juan Navarro y Arsenio Campos.
La dirección y adaptación de Jaime Matarredona es esencial.
Al final, el productor Morris Gilbert reconció: "Esta obra es un
espejo, no hay alguien en la sala que no haya visto a su familia
reflejada".
Sin embargo, sí hubo una asistente que dijo que su vida familiar nada tiene
que ver con lo que vio sobre el escenario.
Ella fue Flor Rubio, conductora de losprogramas "Fórmula
Dominical" y "Fórmula Espectacular", quien tampoco estuvo
de acuerdo con las palabras altisonantes que dicen los actores.
Otra cuestión que celebramos fue ver los cinco teatros den
dicho Centro funcionando al mismo tiempo, algo que nunca antes habíamos
atestiguado, pero, gracias a Ocesa, están ocupadas con parte de sus estupendas
producciones.
Por hoy, es todo.
Ars Erotika,Héctor Bonilla,
Por BENJAMIN BERNAL
Ars
Arotika del Ecuador
Ars Erotika es un montaje que se presentó en
el teatro Coyoacan, ahora van al Sergio Magaña de Santa María la Ribera,que
tendrá varios grupos de Uruguay Venezuela y Ecuador los siguientes fines de
semana, me tocó ver Ars Erotika, compuesto por Babel Petroff y Bruno Castillo
.Es una divertida reflexión de las artes amatorias y del dominio de las
mujeres.Elgrupo es México-Ecuador para dar vida a algunas escenas con música,
máscaras y pantomima, el punto de vista juvenil sobre un tema realmente viejo
Héctor Bonilla festeja 200 y empieza
telenovela.
Recientemente el teatro Rafael Solana de
Coyoacán develó una placa conmemorativa de un fenómeno teatral,las200 funciones
de un monólogo en que Héctor interpreta a 35 personajes. Con dirección de
Lorena Maza,el público sale feliz de ver una lección magistral de actuación. El
Diario de un loco, Bandera Negra, quedan como lasdos grandes exhibiciones de
poder, pasaron muchos años antes de que llegara otra pieza extraordinaria.
Felicidades.
Alberto
Estrella: una fecha contra la ley Arizona SB1070
Con acceso gratuito: podrá usted asistir a
lecturas dramatizadas este sábado: Arizona, a las 12 a.m. A las 17 hs. El
Ausente. En el centro del vientre a las 19 hs. Obras de Medardo Treviño, Rascón
Banda (fallecido) y Clara Hartzsler para combatir una ley que ha recibido el
repudio mundial; denuncia que ni creamos empleos, ni ellos dejaron de ser
racistas. Veracruz 109, Condesa.
Giménez
Cacho y Laura Almela,en el Milagro
Teatrikando
Por BENJAMIN BERNAL
Trabajando un dia particular es la adaptación a Un día muy
especial, el filme de Ettore Scola, 1974, que llevaba a Sofía Loren y Marcello
Mastroianni, en ella se habla de dos personas solitarias que viven en un
edificio como hay miles, con una anécdota que permite ir presentando un dia en la vida de estos
seres que no conocemos, pero poco a poco revelan el momento histórico de
Italia, cuando el fascismo, cuando Musollini está en el poder, atraviesan los
aviones el espacio aéreo y se escuchan
periódicamente las marchas militares e himnos.
Hay vecinos, una portera que se cuela en las
vida de ambos, como donde usted o yo vivimos, un país inserto en un régimen militar que,
afortunadamente, no conocemos de manera directa; hay injusticias como las que vemos en los
diarios de manera continua -de las que
se nos informa lo que les conviene- pero si
uno se adapta, es posible vivir. La Italia de Mussolini, permite que
ella sea víctima social, lo mismo el. Si le dijera la causa de sus penas le
contaría la historia, lo que es mala idea, cuando mis intenciones son nada más
dar un esbozo, contarle que se trata de un montaje irreverente, amigable, lleno
de miradas y sensaciones entre dos seres humanos que deambulan en escena.
Nosotros los espectadores les acompañamos un dia determinado de su vida para
esbozar sonrisas comprensivas, cómplices.
Nos regala momentos de gran teatralidad, naturalidad es el eje de esta
propuesta, pues recurren a exponerse tal como son, con su ropa, muebles,
maleta, libros, que traen de sus casas, mesa, sillas, tendederos, para romper
la cuarta pared, con el mínimo de ayudas, música que activa Daniel Giménez
Cacho, en tanto Laura Almela viste pantuflas grandes, calcetines y bata, aunque un mechón coqueto baja de su cabellera
para ser capturado por la oreja para que se vea más femenina.
A Giménez Cacho usted lo tiene fresco en la
memoria por su trabajo en la TV abierta,
Locas de Amor, donde interpreta a un
Psiquiatra comprensivo con las tentaciones naturales del ser humano y una
esposa aprehensiva, que interpreta Tiaré Scanda, ganadora de premio APT (Mejor
Teatro Cabaret). Esto demuestra la gran adaptabilidad que tienen algunos actores
para ir del teatro al cine (Profundo carmesí, p.ej.) y la pantalla chica. Además, salir bien librados, pues cada medio tiene
sus propios secretos.
La escenografía es exacta, pobre, algunos elementos se construyen sobre la
marcha para disfrute del público que asiste al alto nivel de un foro
experimental (si,debo aclarar que experimenta el que ya sabe, quien aprende
apenas hace un ejercicio) el vestuario es como usted y yo andamos en casa,
alcanza su mayor deleite el espectador con el desempeño sincero de Laura y
Daniel. Iluminación de Gabriel Pascal, que aporta naturalidad y dirección de
ellos mismos. Aproveche y véala antes de que la quiten. El Milagro está cerca
del viejo teatro Milán (se llama como la calle, esquina Lucerna) que tiene un
gran letrero de “se vende” ¿quién rescatará este abandonado foro?
PERIODICO EL DIA
COLUMNA TEATRIKANDO
El
Primero un gran estreno: La Gorda al teatro
Renacimiento
Por BENJAMIN BERNAL
Discriminar y ser cruel es parte de la naturaleza, cuando niños agarramos de barco a morenos, chaparros, trompudos, orejones, usar anteojos, en fin, todos pertenecemos a una minoría o eso cree alguien. Neil Abute, el autor en Por amor al arte también plantea a hombre que cambia para gustar a una chica. En Latterday plays dos misóginos conspiran contra una sorda.
Así que Gorda con humor, describe cómo se
afecta a una persona con sobrepeso, quien deberá fortalecer su ego fuerte para vivir. El elenco es Hector
Suárez Gomiz, Juan Carlos Barreto, Mireia Gubianas (hispana), Lourdes Reyes,
Daniel Verones les dirige. A la pregunta de ¿por qué una barcelonesa? Contesto
Morris Gilbert, el talento no tiene patria, recordamos que Gerardo González ya
anda trabajando en España, Bianca Marroquín de Broadway se fue a Japón, Manolo
Fábregas vivió largas temporadas en otros países, pues si, tiene razón.
Así que en el 26 de febrero será el estreno
formal de esta obra, en el Centro Teatral Manolo Fábregas, en la San Rafael,
Teatro Fernando Soler.
El
Primero, cumple 2,010 funciones
Me gustó mucho en 1977, la aplaudo de pie en
2010.
Cuando veo una obra, trato de imaginar ¿a
quién le puede interesar? ¿A los jóvenes, a los mayores? Y El primero me ha
dado la respuesta “a todo mundo”, esta
obra de Israel Horovitz aborda de una manera fársica la incongruencia humana; comedia
que linda en el absurdo para hacer evidente que no sabemos ni para qué, pero
todos queremos lograr ese primer lugar. Más aún cuando durante el siglo XX nos
llenaron de marketing cultural de “triunfa, debes ser el primero”
Talina Fernández develó la placa por la
función número 2010, dedicada a Manuel de la Cera, quien fallecido el año
pasado. El elenco es de puro lujo, imagine usted: Susana Alexander, quien
también dirige, Salvador Sánchez, Juan Ignacio Aranda, Moisés Suárez y Luis
Arrieta.
El tema es de lo más humorístico si no fuera
una real tragedia, pues he escuchado “yo nací para ser el primero” en personas que tienen poco o mucho
dinero, elevado o escaso talento; e incluso, ese status está solo en la mente. En
la realidad atropella a su familia, empleados, compañeros de oficina,
conciudadanos, dejando una estela de resentimiento a su paso. Pero, se creen
muy listos y héroes de filme motivacional norteamericano.
Se presenta en el Ofelia, ubicado en Thiers,
en la colonia Anzures, donde se dieron cita para festejar Lucia Guilmain, César
Bono, Ignacio López Tarso, Lin May, en un foro cómodo, céntrico y pequeño.
Véala
con plena confianza, es divertida, con excelentes actuaciones, dirección y no
es retórica mía, sino un gran trabajo de Juan Ignacio, Moisés, Luis y la misma
Susana.
En 1977 la vimos con Abraham Stavans,
Guillermo Gil, Roberto D´Amico, Fernando Borges y la misma Susana, quienes
lograron en mi una huella imborrable, “que pesado eres Roperto”, es una frase
que dice mi esposa para burlarse de mí en determinadas ocasiones. Esa es la
importancia del Teatro: “ir buscando una frase para ayudarse a vivir” como
decía Héctor Azar.
Un gran trabajo, de los pocos montajes que al
paso del tiempo no envejecen, además, su adaptación es perfecta para decirnos algo importante
este 2010, en un país convulso, cuando los partidos políticos no luchan por el
ser humano, sino por ser “El Primero”
Ya se
prepara Hair
Toño Serrano estuvo en Hair hace más de 30
años, ha revivido el proyecto y Saz, ya viene este montaje, que causó horror,
espanto, a los de la vela perpetua, pues se estrenó en Acapulco y fue obligada
a bajar telón. ¿De qué habla? Pues de que la era de Piscis termina por estas
décadas, para que entre Acuario por ahí del 2015. Acuario será de una
racionalidad superior, tecnología avanzadísima, con las condiciones necesarias
para que por fin el ser humano se comporte como soñamos todos. Su música y
desnudos dieron un cambio radical al teatro rockanrolero.
Maricela
Lara ofrece su teatro
Si usted tiene un proyecto de calidad, busque
a la maestra Lara, quien ha sido directora de muchos festivales, entre ellos el
Juan Ruiz de Alarcón, en Taxco Guerrero.
Su foro se llama Rodolfo Usigli, está en Héroes del 47, Coyoacán, cerca
del metro General Anaya, entre varias ideas que nos cuenta, le interesaría una
obra con tema relativo a la Semana Santa.
UN MALENTENDIDO LLEVA A
LA DESTRUCCIÓN
TOTAL DE UNA FAMILIA
Por: Alejandro Laborie Elías
Cuántos conflictos en el ámbito personal,
social o, inclusive, entre naciones, han surgido por una falsa interpretación
de los hechos o palabras, tema que a partir de una nota periodística y por lo
mismo de un hecho real, inspiró a Albert Camus a escribir la obra El
malentendido, que se caracteriza por su surrealismo y forma y fondo
peculiares en su tratamiento.
El
montaje está a cargo de la Compañía Nacional de Teatro, bajo la dirección de la
talentosa Marta Verduzco, las actuaciones de Farnesio de Bernal, Ana Ofelia
Murguía, Emma Dib, Rodrigo Vázquez y Érika de la Llave y diseño de escenografía
e iluminación del maestro Gabriel Pascal.
Un
joven abandona a su madre y hermana para seguir lo que su instinto le marca
para lograr su pleno desarrollo como persona y alcanzar el éxito anhelado.
Después de 20 años retorna triunfante con la idea de socorrer a sus familiares,
sin saber lo que el paso del tiempo he provocado en ellas y cómo la
desesperación y la soledad las han transformado en…
El
malentendido llegará hasta sus últimas consecuencias y provocará la destrucción
total de estos seres que un reencuentro que debió ser de felicidad los
transporta al inframundo donde sucumben las almas que están destinadas a formar
parte de él.
No se puede abordar con
más profundidad el tema central de la obra, porque sería lo mismo que vender
toda la trama, lo cierto es que queda abierta la pregunta de cómo dos mujeres
pueden llegar a cometer las mayores atrocidades, una para tratar de alcanzar su
sueño dorado y la otra por falta de carácter y la pérdida de la ilusión ante la
ausencia del hijo.
El
maestro Pascal diseñó una escenografía, al estilo en el que es un experto, esto
es, más que reproducir un determinado lugar en una época específica, crea una
atmósfera donde estos seres deambulan como fantasmas ante su trágico destino;
un mobiliario parco pero efectivo y una iluminación que es un claro reflejo, un
espejo, del interior de los personajes.
Si
bien la dirección de Marta Verduzco es loable, el grupo de actores convocados
es impresionante por su histrionismo. La dirección marca un tono y un ritmo
semilento, que como suele suceder permite al espectador seguir con detenimiento
cada palabra, cada actitud, el por qué de lo que sucede en el escenario.
Farnesio,
quien deambula, literalmente, por el escenario, alrededor de la caja donde se
desarrolla la puesta, pareciera que tiene un papel irrelevante, pero al cabo
del transcurso de la historia, resulta ser el más malvado de todos los que se
pudren en el marco del texto de Camus.
Ana
Ofelia, qué se puede decir de una actriz de la talla de esta mujer, cualquier
calificativo sería una alabanza más o una menos, lo cierto es que cada día
impresiona más en la forma cómo aborda cada obra, el sentimiento que imprime a
sus papeles y la sencillez con la que hace ver el teatro.
El
duelo de actuaciones, sin menoscabo de lo anterior se da entre los jóvenes del
grupo: Emma, Rodrigo y Érika. Rodrigo cada día más consolidado, un actor joven
en plena madurez y con las expectativas de hasta dónde llegará; nada lo inhibe,
acepta retos respaldado en su seguridad y, por supuesto, en su talento, por más
que en forma humilde lo niegue.
Érika
es la gran actriz, favorita de una gran mayoría del público del teatro
cultural, del teatro de arte. En esta ocasión no lleva precisamente un
protagónico, pero los momentos que entra en escena los aprovecha al máximo y da
todo de sí. Guapa, talentosa y, sobre todo, con una presencia escénica fuera de
serie.
Sin
embargo, la que se roba la puesta en escena es Emma. Simplemente impresionante,
en ella está la carga emotiva del texto, su personaje es frío, irreverente,
temerario, pero con toques de ilusión. Emma lleva a este difícil personaje a su
máxima expresión, dan ganas de patearla o abrazarla para socorrerla
emocionalmente.
El
malentendido se representa en el Teatro Casa de la Paz, de la Ciudad
de México, los jueves y viernes a las 20:00, sábados y domingos a las 18:00
horas.
JUNIO 2010
LAS RELACIONES
FAMILIARES PUEDEN TENER
SABOR AMARGO
Por: Alejandro Laborie Elías
Desde niños hemos escuchado que la familia
es la célula de la sociedad, la cuna de donde emergen los valores que dan
sustento a una nación, sin embargo vemos, con tristeza, que esto no siempre es
real y que las relaciones interfamiliares pueden tener un Sabor amargo.
Este es el título de la obra de Estela Leñero, la más reciente llevada a
escena en la que aborda la problemática de una familia compuesta por la madre,
el amante, un hijo y una hija, y el fantasma del padre que fue asesinado por la
primera por los malos tratos que recibía de éste.
El hogar se convierte en un averno, en el que las llamas queman a sus
moradores, lumbre que proviene de la ignorancia e incultura, de la pobreza, del
machismo, del alcohol y las drogas, de la necesidad de afecto, de la violencia
y de la resignación, para convertirse en la podredumbre donde se extingue la
existencia de seres marcados por la tragedia del destino.
El personaje del
espectro del padre puede tener diferentes lecturas para efecto de su
participación: una, que en realidad regresa del otro mundo para solicitar
venganza a su hijo en contra de su madre y del amante, o, la segunda, que las
drogas hacen tal efecto en el muchacho que éstas despiertan su conciencia que
no lo deja descansar.
Como era de esperarse, Estela, en forma abierta, se vale de la
promiscuidad, de cómo un hombre que dice estar enamorado de la mujer madura,
voltea su mirada libinidosa hacia la adolescente hija con malévolas
pretensiones y cómo esa misma mujer no quiere oír y se hace de la vista gorda,
al igual que el hermano que hasta explota económicamente la situación.
Hasta aquí pareciera que es una más de las tantas historias que a diario
leemos en los periódicos o escuchamos en los noticieros, sin embargo Estela le
da el toque teatral a través de un realismo espeluznante, para meter al público
a un dramatismo brutal, para presentar un problema no para buscar soluciones.
El verdadero infierno esta en el interior de los personajes, que se
debaten, en ocasiones conciente y en otras inconcientemente, entre el deber ser
y el ser, finalmente son seres humanos que sienten, lo que hace del texto es
una invitación al análisis psicológico, sin que pretenda ser un tratado en la
materia.
La dirección corre a cargo de Claudia Ríos, quien es una de las más
destacadas en el ramo, sin embargo en esta ocasión su puesta es, por momentos,
demasiado plana, no explota al máximo las emociones o las depresiones de los
personajes, no saca provecho de los clímax –hay más de uno- y el trazo escénico
es elemental.
La escenografía –el programa no le da el crédito a nadie, solo menciona una
asesoría de Gloria Carrasco-, es verdaderamente simplona, sólo recrea un
apartamento de clase baja a través de un mueble desvencijado y unas cajas que
sólo quien las colocó ahí sabe su razón de ser. La iluminación de Matías
Gorlero se inclina hacia la penumbra, una metáfora lumínica que enfatiza lo
patético del tema.
Las actuaciones están a cargo de Rosario Zúñiga (madre), Rodolfo Arias
(amante), Humberto Solórzano (padre-espectro), Mariana Van Rankin (hija) y Max
Flores (hijo). En términos generales todos están a la altura de las exigencias
actorales del texto, sobre todo Rodolfo y Humberto; Rosario tiene altibajos,
por momentos espléndida y en otros se le cae el personaje, Mariana y Max
denotan algunas deficiencias propias de su falta de experiencia, sin embargo la
primera tiene muchas posibilidades de incursionar con éxito en este medio tan
difícil.
Este icono de una familia urbana y de cómo la desubicación existencial
puede llevar a su destrucción total -por cierto con un final inesperado aunque
un poco anunciado-, se representa en el Foro Shakespeare, los miércoles a las
20:30 horas, hasta el 28 de junio y del 13 de agosto al 5 de septiembre en el
Teatro Sergio Magaña, los viernes a las 20:00, sábados a las 19:00 y domingos a
las 18:00 horas.
JUNIO 2010
QUÉ MOTIVA A UN
ADOLESCENTE A QUITARSE LA VIDA
Por: Alejandro Laborie Elías
Varias pueden ser las explicaciones,
justificaciones o teorías que se den sobre los motivos que llevan a un infante
o a un adolescente a privarse de la vida, lo único cierto es que cada día son
más los niños y jóvenes que en el ámbito mundial optan por la llamada falsa
salida para dar solución a sus problemas existenciales y México, por desgracia,
no es la excepción.
En
varias ocasiones hemos comentado que el teatro –junto con la literatura, el
cine y otras expresiones artísticas- son un reflejo de los bienes y males que
aquejan a la sociedad, no siempre con el afán de dar soluciones, lo cual sería
más que pretencioso, sino simplemente como una forma de denunciar una
problemática, una forma de describir lo que conforma al ser humano, un camino
para reflexionar y que concluyan los especialistas, si le es posible.
El
tema es abordado en la obra Inmolación, de Enrique Olmos de Ita,
joven dramaturgo que pasó de ser una promesa a ser una realidad de la
dramaturgia contemporánea nacional, bajo la dirección de Alberto Lomnitz y las
actuaciones de Fernando Bonilla y Paulina Treviño.
La
obra gira en torno a dos muchachos, una que radica en la ciudad de Puebla de
los Ángeles, México, y el otro, hijo de padre colombiano y abandonado por su
madre, en Madrid, España. Ambos se conocen vía Internet, con un punto de
coincidencia: el suicidio. La primera lo asume, en primera instancia, como una
forma de chantaje, en complicidad con una amiga; el segundo como una obsesión,
emanada, al menos en eso lo fundamenta, por su obesidad y el desprecio que
sufre por parte de sus condiscípulos.
La
trama se desarrolla en la soledad que hoy brinda a los niños y jóvenes sus
cuartos, claro cuando pertenecen a una clase media o alta que les permite tener
una dormitorio individual. Lo más importante del texto es que deja al
espectador con la duda de si se llevó a cabo el acto suicida o no y con una
serie de posibles finales, algunos simpáticos, en caso de no haberlo logrado.
Lomnitz,
en colaboración con un gran equipo creativo –Elizabeth Álvarez, Taniel Morales,
Baruc Piñeiro, Juan Pablo Gómez y Taniel Morales-, se aparta de los convencionalismos
escénicos y asume una especie de teatro circular, por denominarlo de alguna
forma, con la salvedad de que son los espectadores los que están en el centro y
la obra transcurre a su alrededor. Para dar una idea, algo semejante a lo que
en cine se conoce como IMAX.
El
empleo del multimedia es fundamental para narrar la historia, múltiples
pantallas dan cuenta del chateo de ambos jóvenes, de entrevistas a manera de
documental sobre el tema y otras escenas que redondean la historia sobre el
derecho a auto eliminarse, producto del odio a todo lo que rodea a estos
desgraciados seres humanos.
La
producción es sorprendente y la tecnología está al servicio del teatro, por
fortuna Fernando y Paulina no se dejan absorber por la modernidad y logran que
los espectadores se centren en sus actuaciones. Ambos compenetrados con sus
personajes y situaciones, una ventaja es que sin ser precisamente niños o
adolescentes, es lo que uno ve en el escenario.
El
programa de mano contiene una reflexión sobre el tema: “El suicidio es un acto
solitario. Si antídoto es la comunicación. Hablemos”. Un montaje ideal para
todo público, más para aquellos que tienen hijos en esta etapa de la vida e
ignoran que tan cerca o lejos están de ejercer el “derecho” a privarse de la
vida.
Inmolación,
se representa en el Teatro El Galeón, de la Ciudad de México, los jueves y
viernes a las 20:00, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas.
JUNIO 2010
Teatrikando
Sólo quiero
hacerte feliz, gran estreno, en el Independencia
Por BENJAMIN BERNAL
Expreso al
paraíso, de Jorge Celaya
Me parece un poco densa, para mostrarnos los problemas de la frontera
norte. El actor joven que tiene cara de buena persona, Gerardo Abrin, no va, me
hubiera gustado alguien más recio, no creo en su movimiento de “maloso”. El
prostituto decadente, Antonio Monroi, perfectamente interpretado por un hombre
que permite sugerir el doble drama que vive. Actuar y dirigir, siempre será un
problema, pero, además sobre un texto propio es un reto sobrehumano, que a
veces no cuaja. La actriz Maya Mazariegos trabaja limpiamente. La falla global
es de dirección que no permite sufrir con ellos, tenerlos a la misma distancia
en los diferentes momentos y así invadirnos de la falta de sentido existencial.
Buen esfuerzo, que se ve los lunes en La Capìlla, de Coyoacan.
Solo quiero
hacerte feliz, en el Independencia
Es un conjunto de tres obras, se puede ver una y entender; merecen un aplauso por el experimento, otro
por el elenco de estrellas que tiene, Mariana Garza, Pablo Perroni, Vanessa
Bauche, Pablo Valentin, Dalillah Polanco
y Carlos Aragón.
El tema es lo de menos, nos va mostrando la característica de cada
personaje, para entender el enredo que se va a crear. Dalillah es corta de
vista, Carlos Aragón inventa juegos raros, Pablo Valentín es un veterinario
simplón para todo, karateka oculto. Pablo Perroni, experto en cautivar mujeres.
En tanto Mariana Garza recibe todo tipo de bromas, le lanzan los canes. Vanessa
Bauche es severa en sus juicios. Sin embargo todos tienen la posibilidad de
tener reacciones inesperadas.
Tiene los elementos de una buena comedia, no me sorprende ver escenografías
pobres o minimalistas, digo esto porque oí comentarios acerca de la ambientación
que es pobre, minimalista, pero hay buen texto de Alan Arckbourn y actores que
divierten, en el Teatro Independencia, donde puede ver una de las tres partes,
y la siguiente pagando sólo la mitad. Se llaman El Comedor, La Sala y El
jardín. Dirige y hace la versión Juan Rios.
Pia Aun
entra a Mamma Mia ¡ los viernes
Además de su participación estelar en Mentiras, ahora Pia aun entra a Mamma
Mia durante los siguientes diez viernes. Para que se entienda el problema de
una obra de esta importancia debe mencionarse que Rocio Banquels salió por el
cansancio, cantar y actuar implica un entrenamiento al nivel de los atletas.
Vimos en un excelente nivel a Pia Aun para dar vida e este musical que lleva
música de Abba. Sigue excelente la obra y aún más con esta Sinaloense.
Se robaron un camión con la escenografía de Mentiras, que viajaba para dar
funciones en provincia. Urge nos reporten si ven esta obra anunciada por ahí,
serán los ladrones que tenían una gran frustración por hacer casting
eternamente y nadie los contrataba. (“Yo estreno porque estreno” ahorita están
ensayando, ja,ja,ja)
Medalla Mi
Vida en el Teatro, del ITI UNESCO
Que Luis Gimeno recibió la medalla Mi Vida en el teatro del CentroMexicano
de Teatro ITI UNESCO, junto con Felipe de la Lama y otros amigos, fue una
verdadera lluvia de estrellas en al Julio Castillo. Los felicitamos.
EL CENTRO
MEXICANO DE TEATRO ITI UNESCO RINDE
EMOTIVO
HOMENAJE A LUIS GIMENO
Por: Alejandro Laborie Elías
La comunidad teatral, familiares y amigos estuvieron presentes en el
emotivo y justo homenaje que el Centro Mexicano de Teatro ITI UNESCO le tributó
al maestro, actor y músico Luis Gimeno, en el Teatro Julio Castillo de la
Ciudad de México, donde recibió la medalla Pilar del Teatro en México, de manos
de Tobias Biancone, Secretario General del Instituto Internacional de Teatro de
la UNESCO, con sede en París, Francia, y Juan Melía, Coordinador Nacional de
Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes.
La misma presea le fue
entregada a la Escuela Nacional de Arte Teatral, del Instituto Nacional de
Bellas Artes, como un reconocimiento a la noble labor de formar a las más
destacadas generaciones de actores y actrices que han alimentado el medio
histriónico de México, en los últimos 64 años.
La medalla fue recibida por su actual director, el maestro Gilberto
Guerrero, quien a nombre del profesorado, alumnos y personal administrativo
agradeció la distinción y asumió el compromiso de elevar cotidianamente el
nivel académico de la institución.
Organizada por Isabel
Quintanar, directora general del Centro Mexicano de Teatro, la ceremonia
adquirió tintes de fiesta y las formalidades pasaron a un segundo plano cuando
el maestro Luis Gimeno narró algunas vivencias durante su ya larga carrera
artística, con la humildad que sólo los grandes tienen y hablando más de otros
compañeros a los que admira, como Ignacio López Tarso o Plácido Domingo, que de
él mismo. Los asistentes correspondieron con una larga ovación, todos de pié y
reconociendo al actor y amigo.
Por otra parte, se
entregaron seis medallas que llevan por nombre Mi Vida en el Teatro, que es un
reconocimiento que el Centro Mexicano de Teatro hace a actores y actrices que
han dedicado su vida al arte dramático. Los galardonados fueron: Virginia
Gimeno –hija de Luis y de Virginia Gutiérrez-, José Elías y Beatriz Moreno
–hermanos entre sí-, Felipe de la Lama y Eugenio Martínez Chávez.
Además hubo un
reconocimiento a la “Dinastía Azcárraga” –entiéndase a los tres dueños que ha
tenido TELEVISA-, por el apoyo que han brindado a tantos y tantos actores y
actrices a lo largo de los varias décadas. Un reconocimiento que pasó sin pena
ni gloria y que nadie de esa empresa recogió, esto es, un verdadero desaire. El
diploma se le entregó a la primera actriz Virginia Gutiérrez, para que nombre
de los organizadores lo haga llegar a Azcárraga Jean.
La fiesta continuó en el
lobby del teatro, donde el maestro Gimeno firmó una gran cantidad de ejemplares
del libro que da cuenta de algunos de los aspectos más relevantes de su
trayectoria, que con motivo de este homenaje editó Escenología.
JUNIO 2010
Teatrikando
Por BENJAMIN
BERNAL
Solo quiero hacerte feliz, en el
Independencia
El autor es
Alan Ayckbourn, nacido en 1929 en Inglaterra, se dice que es de los más llevado
a escena, hijo de una escritora de novelas cortas y de un violinista, aunque el
ambiente delas guerras mundiales hacían que los matrimosnios fueran extraños,
su madre tuvo tres esposos durante su vida. Eso si, escribe mucho esta polémico
dramaturgo. House anda Garden es una trilogía, que se entiende perfectamente
viendo un segmento. No es común ver una obra con tres facetas, cada una con
interés propio y duración normal; así que merecen un aplauso, otro por el
elenco de estrellas que tiene, Mariana Garza, Pablo Perroni, Vanessa Bauche,
Pablo Valentin, Dalillah Polanco y Carlos Aragón.
El tema es
lo de menos, quieren ver en ellas influencia de su vida, ya que se burla del
matrimonio y del respeto con el que se juzga, juzgue usted. Es necesario que
nos vaya mostrando la característica de cada personaje, para entender el enredo
que se va a crear. Dalillah es corta de vista, Carlos Aragón inventa juegos que
hay que entender, Pablo Valentín un veterinario simple para todo, corto en sus
miras, karateka oculto. Pablo Perroni es un experto en cautivar mujeres, conoce
todos los secretos del ligue. En tanto Mariana Garza recibe todo tipo de
bromas, le lanzan los canes al igual que ataques. Vanessa Bauche es severa en
sus juicios. Sin embargo todos tienen la posibilidad de tener reacciones
inesperadas.
Así que tiene los elementos de una buena comedia. En mi largo andar por los teatros, no me sorprende ver escenografías pobres o minimalistas. Si me desagrada ver muebles caros donde no hay obra o actores. Digo esto porque oí comentarios acerca de la ambientación que es pobre, enseres viejos como yo usé alguna vez, pero que haya buen texto y actores que diviertan. Eso si hay en el Teatro Independencia, donde puede ver una de las tres partes, o la siguiente pagando sólo la mitad. Se llaman El Comedor, La Sala y El jardín.
Cada quien
en mi familia salimos eligiendo al actor o personaje que más nos hizo reir, en
lo particular, la forma sencilla de Mariana, que no usa grandes trucos de
comediante, ayuda a que los demás se luzcan. Todos sabemos que el comediante es
un saco de trucos para ir deslumbrando a su público, dirige y hace la versión
Juan Rios.
Todos tenemos una familia como ésta, en la que hay una madre hipocondriaca, ”matrimonios bien avenidos”, críticas a nuestras espaldas, tradiciones y secretos familiares que hacen “agradables” las reuniones familiares, como la navidad, cumpleaños, que representan una buena oportunidad para irnos a Iguala, Guerrero. Cuando la vea, me va a entender. Dedique un día en su vida a darse un atragantamiento de teatro. Sugiero empezar por El comedor, me dio un ataque de risa. De La sala me gustó el ajedrez. Por cierto, el estacionamiento nunca me había parecido bien manejado, cambio de opinión, ahora si funciona para que usted se sienta seguro y bien atendido. Véalos.
9 DÍAS DE GUERRA EN FACEBOOK:
UNA TORRE DE BABEL VIRTUAL
UNA TORRE DE BABEL VIRTUAL
Por Perla Schwartz
Fotos
José Jorge Carreón
En enero de 2009 se generó en Facebook, una
gran polémica, a partir de que Israel bombardeó Gaza y Cisjordania, este
tema inspiró a Luis Mario Moncada a escribir una comedia dramática,
especialmente crítica e hilarante: “9 días de guerra en Facebook”, una obra que
es divertida e inteligente, una obra que pone el dedo en la llaga de cómo
funciona una de las redes sociales que cuenta con mayor número de usuarios en
el mundo entero.
Una profunda ironía refleja esa torre de Babel virtual
que se puede suscitar cuando todos hablan y escriben, pero pocos son los que escuchan
y menos aún aquellos que comprenden. En parte por la vertiginosidad con que se
suscitan las reflexiones, y en otra por desear ser cada cual el protagonista o
como se diría a nivel popular “la voz cantante”.
Si bien la polémica de lo sucedido en el Medio Oriente es el
eje central de la obra de Moncada, también deja entrever como el chat se
convierte en un paliativo para curar la inmensa soledad padecida por varios de
los cibernautas, habitantes de un mundo globalizado, cada vez menos individual,
el efecto de las diversas aplicaciones de Facebook, y el como esta red social
suele ser adictiva, y es una plataforma de nexos favorables y otros del todo
desechables.
Martín Acosta hace uso de su creatividad y sabe trazar
un montaje que es ágil, al tiempo que muy movido, deja sin respiro al
espectador quien debe de permanecer muy atento, para no perderse ningún
parlamento ni ningún movimiento. Él sabe captar la esencia del texto de
Moncada.
Un grupo de jóvenes actores
conforman el elenco de “9 días de guerra en Facebook”, ellos son: Viviana
Amaya, Ichi Balmori, Karen Daneida, Luis Escárcega, Thania Flores, David
Gaitán, León Gruber, Olivia Lagunas, Abril Mayett, Bruno René Mestríes, Luis
Mario Moncada, Rodolfo nevárez, Jonathan Persan, Sara Pinet, Medín Villatoro,
Raúl Villegas y Luis Eduardo Yee. Todos ellos tienen un buen desempeño, a pesar
de haber algunos altibajos interpretativos. Todos ellos conforman un equipo que
sustenta a la obra.
Bien apunta Miguel Ángel Díaz Monges en el programa de mano: “De so va bien esta pieza teatral: De poner en claro que el caos nos aturde, que seguiremos matándonos con balas, intrigas o palabras por la entelequia del espíritu o de la política. Y que si estos actores y estos parlamentos fueran a su aire habría que parapetar el patio de butacas y hacer de cada butaca una trinchera.”
En suma, “9 días de guerra en Facebook” es una obra altamente recomendable y que tiene temporada en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz del Centro Cultural Universitario, jueves y viernes a las 20 horas, sábados a las 19 y domingos a las 18 horas.
Teatrikando
Benjamin
Bernal
Xavier y
Alejandro Orozco Juarez (productores) tuvieron la idea de adaptar al teatro y
llevar a escena Elsa y Fred;
a través de mails y llamadas telefónicas avanzaron las platicas hasta llegar a
esta noche sensacional para disfrute del público de todas las edades. El Inapam
(antes Insen) es o era presidido por Alejandro Orozco Rubio en lo que
representa una nueva forma de hacer negocio, el teatro que nace con patrocinios,
un apoyo de diversas Instituciones, para llevar a padres e hijos un mensaje
importante para las familias, tengan la edad que sea, porque hoy somos jóvenes,
pero tenemos abuelos y padres; y debemos tener consciencia para vivir. En
ciertas sociedades todo es más fácil, como en la Mexicana, que es mayormente
afectuosa con los viejos, no como en otras latitudes, donde ser anciano,
inevitablemente lleva a inhumanos asilos.
Reunieron
a Beatriz Aguirre, Ignacio López Tarso, que llevan los roles centrales, dos
personalidades totalmente distintas y dos perspectivas diferentes para afrontar
la vida. Al comparar, usted tendrá un noventa por ciento del filme, que por
razones naturales tiene diferentes escenas, como la compra del gato y los
momentos posteriores a la fuente de Trevi.
El resto
de la familia esta compuesto por José Elías Moreno, Cecilia Gabriela, Juan
Antonio Edwards, Ernesto Godoy, Luis Couturier, Francisco Avendaño. Alterna,
Lucero Lander y Marco Zetina es el médico, no le describo cuál es el rol de
cada uno en la trama, porque le quito interés en comprar su boleto y entrar a
disfrutar lo que será una de sus piezas consentidas. Y dije pieza
afortunadamente, ya que no es comedia ligera en esencia, pues el final mexicano
es abierto, en tanto el original argentino de Marcela Guerty y Marcos Carnevale
tiende más al melodrama.
No le
contaré la historia, pero usted debe saber que López Tarso es un viudo
solitario y ella, es sola, pero ansía a toda costa compartir su alegría vital.
Me recordó un personaje de Tennesse Williams (¿ya vió Todo sobre mi madre?) que
dice ”hay que adornar un poco la realidad, tan aburrida” Quizá pudo sufrir una
mayor transformación él,Fred, pero, así como lo vimos es emotivo y arranca la
risa en varias ocasiones. No le falta nada a Beatriz Aguirre, que no tuvo
adecuado respaldo en el sistema de sonido al principio, hace reir a la vez que
provoca ternura por su alocado personaje. Por cierto, reto a usted que hurgue
en sus recuerdos, ¿conoció a alguien asÍ? En general me gustó el elenco, unos
más que otros encajan en los respectivos personajes, que se mueven a la voz de
quien dirige: Pepe Solé, quien ha recibido premio de la APT, recientemente por
su trabajo.
Párrafo
aparte merece David Antón, que logró dar vida a una escenografía difícil,
acciones enlazadas que deben entenderse, y lugares que… son una belleza. Así
tenemos dos salas, restorán, consultorio médico y la fuente de Trevi. Ya con
las locaciones de los respectivos departamentos merecería un aplauso, pero con
la fuente, estuve a punto de interrumpir para aplaudirle, de tan bello momento
que logra.
Así
transcurren las casi dos horas de actuaciones al nivel de excelencia, para
mandarnos a casa con el espíritu lleno y ganas de recomendarla a todo mundo.
Sin hacer caso del micrófono que no dejó escuchar a Beatriz al principio, luces
de pasillo que entraron después, sombras mal controladas, detallitos que no
hacen deslucir a Elsa y Fred. No dice quién adaptó para teatro, pero, merece
otra ovación. Por favor, acuda y compare su opinión.
“EL
MALENTENDIDO” DE CAMUS, NOVENO ESTRENO DE LA COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO
Por Perla Schwartz
La Compañía Nacional de Teatro es un proyecto
en construcción, así lo hizo saber, Luis de Tavira, su director artístico
durante la conferencia de prensa de la presentación de la temporada de “El
malentendido” de Albert Camus, el cual será el noveno estreno de la CNT.
Obra con la cual se conmemora el 50º
aniversario del fallecimiento del notable escritor francés, obra que refrenda
su vigencia, a pesar de haber sido escrita hace más de 6 décadas y cuya primera
representación fue en épocas de la Francia ocupada.
“El malentendido” es dirigida por la maestra
Martha Verduzco, actriz de número de la CNT: “Es una obra que proviene del
terrible clima en que fue escrita y escenificada, refleja la devastación física
y anímica provocada por la Segunda Guerra Mundial y una posguerra que justificó
todas las atrocidades cometidas. La
guerra envilece.
En este montaje que cuenta con el diseño de la escenografía e
iluminación de Gabriel Pascal, el diseño de vestuario de Estela Fagoaga y la música de Joaquín Gutiérrez de las Heras,
participarán Ana Ofelia Murguía como la madre, rol que había interpretado en la
puesta en escena dirigida por Manuel Montoro, así como Farnesio de Bernal, Emma
Dib, Érika de la Llave y Rodrigo Vázquez.
La primer temporada de “El malentendido” será
en Casa de la Paz de la Universidad Autonóma Metropolitana del 20 de mayo al 4
de julio, con funciones, los jueves y viernes a las 20 horas y sábados y
domingos a las 18 horas.
Posteriormente se reestrenará el 10 de julio
en la sede de la Compañía Nacional de Teatro en Francisco Sosa 159, Barrio de
Santa Catarina, Coyoacán.
Lo humano en su crisis más brutal es
trazado magistralmente por la pluma de Camus en “El malentendido”. Dos décadas
atrás, un hombre dejó la casa materna, regresa casado a compartir su felicidad
con su madre y hermanas, ellas atienden un hostal. Ambas se encuentran reuniendo dinero para ir
al país del sol y el mar. No les importa en lo más mínimo lo que deban hacer
para lograr su objetivo.
La desmemoria y la indolencia propician el
malentendido, que da título a la obra y se detona un incidente trágico. En este
sentido, Luis de Tavira, dio a conocer una de las frases más paradigmáticas de
la obra: “El fin no justificará nunca
los medios.”
Cabe destacar que es la segunda ocasión que
Casa de la Paz, recibe como huésped a la CNT con una obra en formato de teatro
de cámara, el año pasado fue el montaje de “Pascua” de Strindberg, bajo la
dirección del maestro Héctor Mendoza.
EURÍDICE:
UNA RELECTURA DEL MITO DE ORFEO
Por Perla Schwartz
La dramaturga norteamericana Sara Ruhl
revisita el mito de Orfeo, para ofrecernos una versión surrealista y un tanto
agridulce del mismo: Ella parte de la esencia del mismo, Orfeo, el gran poeta y
músico, profundamente enamorado de Eurídice, a quien pierde cuando ésta es
devorada por una serpiente envenenada, ella parte al inframundo y él la buscará
de modo desesperado.
La escritura de Ruhl busca ser tan
contemporánea, que su texto termina por ser híbrido en exceso y le falta el
aliento que su maestra Paula Vogel, si supo imprimir en “Desdémona, la historia
de un pañuelo”, de manera aislada la dramaturga presenta algunos atisbos
poéticos, sobre todo cuando apunta hacia la fragilidad de la pasión amorosa.
Esta obra ha sido puesta en escena con un
idóneo trazo escénico y gran sensibilidad por Otto Minera, quien vuelve a
corroborar que es un hombre de teatro, en plena extensión de la palabra. Sabe
como manejar a sus actores con gran oficio.
Está respaldado por la funcional
escenografía e iluminación de Philippe Amand y sobre todo de un bello
multimedia de la autoría de Omar Gáfarre.
El papel protagónico recae en Ana Serradilla,
quien tiene una bella presencia y que se desenvuelve con gran naturalidad. No
así Luis Gerardo Méndez, quien no logra imprimir la fuerza dramática necesaria
al personaje de Orfeo. Alejandro Calva entrega un convincente padre de Eurídice,
Arturo Barba está sumamente gracioso como el Señor del Inframundo.
Pero lo de lo más destacado de este montaje
es la intervención del coro, las piedras conformado por Ramón Barragán, Isabel
Aerenlund y Luis Villanueva, incluso a
nivel dramatúrgico es de lo más elaborado por Sarah Ruhl.
Estamos ante una visión contemporánea de un
mito inmortal, el de la pareja trágica de los amantes. Presente en casi todas
las culturas del mundo, entre ellas la
hindú en el Mahabhrata, al referirse a Savitri y Satyavan, la leyenda maya en
torno a la creación de la luna, Izanagi e Izanami en el Japón y para no ir más
lejos “Romeo y Julieta” de William Shakespeare.
“Eurídice” se presenta viernes a las 19.15 y
21.30 horas; los sábados a las 18b y 20-30 horas y los domingos a las 17.30 y
19.45 horas en el Teatro Helénico.
LAS
MÚLTIPLES RELACIONES Y CONFLICTOS DE LAS PAREJAS MODERNAS EN CARRERAS
Por: Alejandro Laborie Elías
Hasta hace relativamente poco tiempo, cuando
se hablaba de las relaciones de pareja, en forma inmediata se pensaba en un
hombre y una mujer, ahora eso es historia, porque con la modernidad lo mismo
puede ser hombre-mujer, mujer-mujer u hombre-hombre.
Más allá de los conflictos morales,
religiosos, políticos y legales que estos cambios sociales conllevan, es un
hecho que la pareja tradicional o convencional ha sido superada y los
diferentes factores de poder se han sumido en una lucha que parece en breve no
tendrá fin.
El teatro no podía quedar al margen
de esta situación y Germán Castillo, en calidad de autor y director, lleva a
escena Carreras, para hacer un planteamiento de los diferentes conflictos que
se dan en una relación, con las variantes acotadas.
El texto no aporta nada nuevo, nada
que en la multiplicidad de obras que se han escrito al respecto no se haya
tratado: las dudas de amor, las infidelidades, las incomprensiones, los celos
profesionales, los abandonos y un largo etc…
En concreto se trata de cuatro
historias que inician en forma separada, sin embargo los protagonistas de cada
una de ellas se empiezan a interrelacionar y la trama adquiere una unidad, por
llamarla de alguna forma, un hilo conductor que recuerda aquello de que “el
mundo es un pañuelito”. El dramaturgo incursiona en varios géneros y hay
algunos toques de humor fino que sirven de catarsis al espectador.
Al entrelazarse las historias surgen
una serie de preguntas que se van respondiendo a medida que transcurre la
puesta en escena, claro, todo desde la óptica del autor, lo que no por fuerza
lleva a la coincidencia con él.
Más que desarrollar un tema, nos
enfrentamos a una serie de anécdotas, concretas, reales, con las que nos
podemos identificar: conflictos financieros, de intereses varios, los estados
de ánimo, despedir al amor de la vida y tratar de ser indiferente a…
Germán Castillo hace una analogía
entre esas personas que suelen salir a correr –como hobby- y mientras lo hacen
van pensando en su devenir histórico, y la carrera que todos corremos –valga la
redundancia- que se llama la vida; carrera con obstáculos, en la que las vallas
son sustituidas por los problemas cotidianos, emanados de lo conflictivo que
solemos ser y comportarnos en nuestras relaciones.
La obra fue escrita ex profeso para
los ex alumnos -de Germán- del Seminario de Actuación, de la Facultad de
Filosofía, de la UNAM, lo cual suena interesante, porque además de permitirles
participar en un montaje de forma activa, los invita a la reflexión sobre temas
afines a sus edades.
Desafortunadamente, el grupo de nueve actores es bastante heterogéneo,
algunos con posibilidades de desarrollarse en el medio teatral y otros ni con
la más mínima oportunidad de dedicarse, al menos, a grabar comerciales para la
televisión.
La puesta es minimalista, lo que es un
riesgo que asume Germán como director, porque o cree incondicionalmente en sus
discípulos o no hubo recursos económicos para una producción que no dejará al
descubierto las carencias del grupo.
Cabe una pregunta, antes de concluir:
¿Es correcto que la UNAM cobre por ver “un ejercicio teatral”, la cantidad de
$140.00 –con los descuentos acostumbrados- o simplemente la entrada debería ser
libre como en el Centro Nacional de las Artes, cuando se presentan montajes
protagonizados por estudiantes o egresados de la Escuela Nacional de Arte
Teatral del INBA?
Carreras, se presenta en el Teatro
Santa Catarina de la Ciudad de México, los jueves y viernes a las 20:00,
sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas.
Mayo 2010
INMIGRANTES
CON HABILIDADES EXTRAORDINARIAS:
UNA
COMEDIA ROMANTICA CON SENTIDO DEL HUMOR
Por Perla Schwartz
Ir a la búsqueda del sueño americano es un
tema que en múltiples ocasiones se ha manejado tanto en el cine como en el
teatro, ahora la propuesta de la dramaturga Saviana Stanescu es con gran
sentido del humor, se trata de limar asperezas de un tema álgido. Así queda
reflejado en la comedia romántica “Inmigrantes con habilidades
extraordinarias”.
La globalización ha desvanecido fronteras,
pero al mismo tiempo ha propiciado cierto tipo de discriminación para quien no
pertenece a un grupo determinado, migrantes van y vienen por todas partes del
globo terráqueo y enfrentan más de un problema.
Alberto Lomnitz ofrece una propuesta lúdica
en su puesta en escena de la obra de Stanescu. Por elementos escenográficos
utiliza dos sillas, una cortina, él apuesta más por las capacidades
interpretativas de su cuarteto de actores, éstos dan vida a seis personajes,
cuatro los centrales y dos que son los incisivos agentes migratorios que no
dejan en paz a los migrantes que buscan una nueva vida en un populoso barrio
neoyorkino.
Diseñada para hacer reír, la obra tiene el
subtexto del desarraigo y la soledad, reiniciar una nueva vida no es tarea
sencilla, los ilegales deben de ser cautos para lograr salir adelante. Nadia
(Cassandra Ciangherotti, en su debut teatral) y Borat (el siempre eficiente
Pedro Mira) son dos clowns rusos que han llegado a Nueva York a la búsqueda de
nuevas perspectivas. La mujer logra continuar en su oficio de divertir y en
hacer figuras con globos; él opta por ser chofer de un magnate explotador.
Y por otra parte está Lupita (una graciosa
Olivia Laguna), mujer de origen dominicano, quien trabaja en un table dance y
quien le enseñará a Nadia, la alegría de vivir y de ser despreocupada sin dejar
de ser responsble.
El cuarteto lo complementa Bob (Fernando
Bonilla), un norteamericano, bueno para nada, pero que tiene a su favor que es
muy simpático. Cada cual saldrá airoso.
“Inmigrantes con habilidades extraordinarias”
es una obra inteligente, a pesar de ser en momentos, algo reiterativa, pone el
dedo en la llaga, en cuanto a
desarrollarse en un país ajeno, al nativo.
Alberto Lomnitz logra un montaje ameno y
convincente, sus cuatro actores tienen un buen desempño. Coproducción del
Teatro L Capilla, y la Compañía los Aliens que cuenta con el apoyo del Lark
Play Development Center de Nueva York. Se presenta los martes a las 20 horas en
el Teatro La Capilla.
EL
INGENIO DE PEDRO CALDERÓN DE LA BARCA
CONTINÚA
PROVOCANDO HILARIDAD
Por: Alejandro Laborie Elías
Los siglos pasan, sin embargo Pedro Calderón
de la Barca continúa provocando hilaridad con sus obras, como es el caso de la
más reciente versión de Casa de dos puertas mala es de guardar,comedia de
enredos y en verso que invita a olvidar los avatares de la vida y a no perder
nuestra capacidad de reír.
Bajo la dirección de Gilberto
Guerrero, al frente del grupo Perro Teatro, ocho actores producen la delicia del
género y conducen por las aventuras que pasan dos muchachas, una por persuadir
a la otra para que mienta con el propósito de conservar su buena reputación y
la que por hacer el favor se ve envuelta en una serie de conflictos.
El teatro es curioso, mientras los
personajes sufren las desventuras del destino, el público ríe a más no poder;
lo que para unos es una tragedia para otros es una comedia, todo depende de
cuál lado del escenario se encuentre la
persona.
Gilberto parte de una propuesta que
prescinde de la escenografía, el espacio vacío para que el público eche a volar
su imaginación y “vea” los lugares donde se llevan a cabo cada una de las
escenas. Hecho que ya no tiene nada de raro en la mayor parte de los montajes
que se representan en la Ciudad de México, más que porque así sean concebidos
es por la situación económica que hace olvidar a los empresarios las
producciones costosas.
Por otra parte, el vestuario diseñado
por Carolina Jiménez –también responsable de la escenografía e iluminación-
pretende ser de época, sin embargo cumple con su cometido y, retomando los
costos de producción, es bastante barato lo que envuelve los cuerpos del
elenco.
Obra de pocas pretensiones escénicas,
lo que la saca adelante es la participación de los actores y actrices: Antonio
Rojas, Sonia Franco, Sandra Cobián Bichir, Ortos Soyuz, Antonio Algarra, Martín
Becerra, Mariana Gajá e Isabel Almeida.
Un excelente reparto donde cada uno
cumple con su función actoral, además de que físicamente todos están acordes
con sus personajes. Cabe destacar la actuación de Mariana, quien en está
ocasión se desenvuelve en la comedia con singular alegría, sin descontar que su
belleza ilumina el escenario.
El esplendor de la época barroca, con
uno de sus temas preferidos, el amor, es la justificación para que la compañía
retome a uno de los clásicos teatrales de la lengua castellana, además de que
permite recordar el verso, que para los habitantes de la capital del país es
una forma de expresarse que ha caído en el olvido.
Comedia de enredos ideal para todos
aquellos que desean pasar minutos de alegría, olvidarse de la problemática
cotidiana y pensar que en ocasiones las locuras que pasan en el teatro son lo
que nos mantiene cuerdos en el mundo real.
Casa con dos puertas mala es de
guardar, se representa en el teatro Benito Juárez de la Ciudad de México, los
viernes a las 20:00, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas.
Mayo 2010
Teatro
El MAMBO DE OZ: DE MÁSCARAS Y EGOS
Por Perla Schwartz
Las fluctuaciones de los sentimientos, las
frustraciones que generan vacíos profundos e irreversibles son abordadas con
buenas dosis de humor ácido por el dramaturgo venezolano Luis Selkovicz en la
obra “El mambo de Oz” que ha iniciado temporada, sábados y domingos a las 13
horas en el Teatro El Milagro.
Rodrigo Johnson ofrece un sensible y creativo
montaje, escenografía mínima, para poner énfasis en la dirección de su trío de
actores, cada uno de los cuales despliegan al máximo los matices de sus dotes
interpretativas.
Tres ego se encuentran en pugna, y viven un
sui generis, triángulo desamoroso, Alberto (Humberto Solórzano) es un actor maduro, en plena decadencia
física y emocional, él se encuentra sumergido en la mediocridad más absoluta.
Es extra de cine y comerciales, él cuida de Beto, su joven hijo (Diego Sosa),
quien por una lesión cerebral padece un retraso mental que lo hace actuar como
un niño de 5 años.
Panorama sombrío, al que se suma la presencia
de Magda (Muriel Ricard), una joven sin vida propia, cuida de su padre enfermo,
y siendo una mujer sobreprotectora y enamorada de Alberto, su vecino, también
lo ayuda con su hijo.
Tres almas en pleno purgatorio existencial y
no encuentran la salida para emprender el camino a la “Tierra de Oz”, ese país
imaginario donde podrán realizar sus más caros deseos.
El sótano del Teatro El Milagro es el lugar
idóneo para el despliegue de “El mambo de Oz” (la cual tuvo 5 funciones en un
salón de fiestas infantiles, el año pasado), se trata de una obra que juega con
la convención de “teatro dentro del teatro”.
Selkovicz maneja temas de gran importancia,
como la condescendencia hacia aquello que es diferente, la manipulación, la
lástima, la imposibilidad para cumplir plenamente los objetivos personales, la
inercia de vivir en un caos cotidiano.
Egos y máscaras están en primer plano, porque
“El mambo de Oz”, lleva la simulación hasta sus últimas consecuencias. La
infelicidad es una presencia que atenaza a los tres personajes (a los cuales se
suma intermitentemente la vestuarista que le da chamba a Alberto).
Sobrevivir o sucumbir en el vacío existencial
esa es la gran interrogante que plantea un montaje que recomiendo ampliamente.
NUEVOS LENGUAJES Y FORMAS DE VER EL TEATRO A
CARGO DE LA COMPAÑÍA EL REGRESO DE ULISES
Por: Alejandro Laborie Elías
Uno de los grandes sueños de todo artista, sin
importar la disciplina que cultive, es crear nuevos lenguajes, corrientes
innovadoras, tendencias vanguardistas, formas arriesgadas, siempre con la
posibilidad de no lograrlo o de no ser comprendido en su momento. El teatro no
escapa a esta tendencia y un ejemplo contemporáneo es la compañía El Regreso de
Ulises.
Bajo la dirección de Mariana García
Franco, se estrenaron en el teatro El Milagro de la Ciudad de México, dos
espectáculos que forman parte de lo que a la postre será una trilogía: Parajes
desoladores y Sin nombre.
Ambos son producto de la autoría de
la propia Mariana. Textos, por llamarlos de alguna forma, porque en realidad
son fragmentos de obras literarias, junto con palabras y frases sueltas
incorporadas a los mismos. De difícil comprensión, porque, inclusive, van más
allá de lo que se conoce como teatro del absurdo.
En el caso de Parajes desoladores, la autora
parte de una pregunta: ¿Cómo habitar un paraje desolador? Citaré textualmente a
Mariana, porque la lectura personal puede ser muy diferente e inclusive
tergiversas el propósito original: "¿Cómo ocupar el territorio externo,
cuando apenas puedo habitar el interno? ¿Cómo no quemarse y arder de tanta
desesperación en la existencia?Parajes desoladores quiere establecer un diálogo
con el espectador...quiere ser un viaje de ida y vuelta en el que creadores y
espectadores reflejen algo de la existencia efímera representada en la escena.
No hay una historia que contar, sino un estado del pensamiento y del alma que
mostrar..."
A partir de una escenografía compuesta
por unas "cajas" de madera, unas sillas, un dinosaurio de plástico y
una gran cantidad de limones, seis actores se desenvuelven por lo que debemos
denominar escenario. Voces en off, multimedia y desnudos al por mayor, sin
ningún pudor, por el contrario provocativos y provocadores de cualquier
sensación en el público, así se desarrolla la puesta, que se parta de cualquier
convencionalismo.
Frases que dicen mucho, en ocasiones
nada; palabras desoladoras que reflejan el vacío existencial; parajes que son
la vida misma e inútil de los seres humanos que vagan y deambulan por la nada,
por la violencia en que esta inmersa la "trama". Un texto desolador,
personajes desoladores.
Parajes -entiéndase espacio escénico-
desoladores. Todo producto de la improvisación, de la experimentación que llega
a un resultado final que podrá convencer o no, pero que sin duda provoca al
espectador, con la participación de Sophie Alexander-Katz, Soraya Barraza,
Edson Martínez, Patricia Ortiz, Maricela Peñalosa y Daniel Rubio.
Sin nombre, es más un performance que
una montaje teatral. La autora-directora se apoya en una instalación, en el
multimedia, una interesante mezcla de música y sonidos -que incluye una
sirena-, la penumbra para poder proyectar y darle un toque de misterio,
nuevamente los desnudos -una ventaja de esta compañía es que no gasta en
vestuario-, todo emanado de un taller, de la improvisación, de ejercicios
teatrales...
Prácticamente no hay texto, salvo
algunos fragmentos de Goethe y Roland Barthes. Un trabajo multidisciplinario
que "conduce a otros lugares, los videos y proyecciones intervienen el
espacio, los cuerpos; los actores nos guían en este camino infernal y nos
llevan por espacios que todavía nos cuesta nombrar...", los responsables
de conducir la caminata por los recovecos del espacio son Rodrigo Espinosa,
Laura Furlán y María Luna.
Se debe reconocer la osadía de
Mariana, joven irreverente, provocadora, que deja volar su imaginación para que
se concretice en el espacio escogido para la odisea que representa cuando ataca
las mentes, sentimientos y gustos de quienes acuden a la invitación. La
directora crea un atractivo plástico sin discusiones, conoce cómo lograr un
lenguaje corporal y que los objetos adquieran vida propia en la representación,
Ahora, ¿si contará o no con la aceptación del público, sólo el tiempo lo dirá?
El Milagro es la sede donde se
representan Parajes desoladores, los domingos a las 21:00 (hasta el 27 de
junio) y Sin nombre, los lunes y martes a las 20:30 horas (hasta el 8 de junio.
Mayo 2010
LA
INCOMPRENSIBLE TRAGEDIA QUE SE DA CUANDO
EL AMOR PRODUCE ODIO
Por:
Alejandro Laborie Elías
En
términos de razón, lo lógico es que el amor produzca amor, lo contrario es, en
principio, incomprensible, no es creíble que el amor produzca odio y lleve a
las personas a cometer los actos más sorprendentes y más viles contra los seres
amados, una de las hipótesis que asume la obra El mambo de Oz, del venezolano
Luis Zelcovics , con la propuesta escénica de Rodrigo Johnson.
Una texto
donde las simulaciones, la soledad, la intrascendencia y la manipulación
convierten a unos sujetos en objetos, en representantes de una sociedad que se
transforma, donde los individuos pierden los roles tradicionales, donde las
costumbres se desgastan, donde el sacrificio adquiere carácter de estupidez y
la estupidez es la forma de dominar, controlar y destruir.
Seis personajes: un actor que durante
años fue el galán de la televisión y ahora venido a menos trabaja de extra en
lo que se pueda; una muchacha que cuida al hijo de aquel y que está enamorada
del otrora estrella de la pantalla; el joven de 23 años de edad, con
padecimiento mental que lo hace comportarse como un niño caprichoso; una mujer
quien es la responsable de entregar y recibir el vestuario de los diferentes
papeles que caracteriza el primero, y; un mesero con intervenciones meramente
circunstanciales.
Tres seres que llevan una vida
rutinaria, los días transcurren sin pena ni gloria y de forma casi
imperceptible se producen una serie de circunstancias en momentos poco
propicios, que dan un giro inesperado a las vidas del triángulo que forman
padre-vecina/cuidadora-hijo.
El amor de la joven la lleva a la
imprudencia de atrapar al padre por la vía hijo del hijo que descubre su
apetito y necesidad sexual; el padre que sacrifica su posible relación por el
amor a su vástago y éste que aprovecha todo y cuando las cosas no son cómo
creía, producto de su idiotez, llegar hasta...
El texto es por demás provocador,
porque esa sensación de que en el escenario no acontece nada es sentida por el
público, pero hay algo que mantiene el interés, saber en qué momento algo
pasará que le dará forma y fondo a la posible trama en torno a los personajes y
sus intrascendentes existencia. Lo loable es que sucede, pero no de golpe y
porrazo sino de paulatinamente, de forma casi imperceptible, lo que hace más
atractivo el montaje.
Pasando la puesta en escena, Rodrigo
estrenó esta obra el año pasado en el lugar menos esperado: un salón de fiestas
infantiles. Espacio que aprovechó sorprendiendo a propios y extraños y los
juegos y demás elementos que se encuentran en un lugar como ese se
transformaron en una escenografía posmodernista. Ahora, en su nueva temporada,
el director ocupa un espacio que hasta ahora se había utilizado como bodega de
triques y cachivaches del teatro El Milagro.
En la primera versión, la
"escenografía" era el gran atractivo y la forma cómo era utilizada y
cómo se desplazaban los actores por la misma. En esta ocasión, perdió parte de
ese atractivo visual, sin embargo desde el punto de vista actoral ganó con
creces, para fortuna de quienes en ella participan, el público se enfrenta a
una puesta de cámara, a un teatro de carácter intimista.
El reparto lo integran Humberto
Solórzano, Murield Ricard y Diego Sosa. El primero se consolida cada día más
como actor y este tipo de papeles -un hombre apocado y resignado con su devenir
existencial- le van como anillo al dedo, no porque el sea así en la vida real,
simplemente es el tipo de personaje que logra con más naturalidad.
Murield es una gran actriz, el teatro
se le da y en esta ocasión interpreta a dos personajes: la joven vecina que
cuida al muchacho y que está enamorada del padre y la encargada del vestuario.
Joven talentosa con múltiples carismas en el escenario y con una personalidad
que le permite desenvolverse en obras de carácter con suma credibilidad, como
lo demuestra en esta oportunidad.
El pero en el elenco es Diego Sosa,
quien esta por completo fuera de papel y nunca logra convencer de que esta
interpretando a un muchacho con deficiencias mentales, sólo parece un
"niñote", digamos que reproduce a Chabelo -con el respeto que nos
merece- haciendo berrinches nada creíbles.
Texto de una gran profundidad
a pesar de parecer superficial, complicado a pesar de su simplicidad, que
retoma los personajes del popular cuento para reforzar los traumas y deficiencias
existenciales, mismas que el público analizará en la sede del teatro El
Milagro, de la Ciudad de México, los sábados y domingos a las 13:00 horas.
Mayo 20
ALMA
MURIEL RINDE HOMENAJE A
SOR JUANA
INÉS DE LA CRUZ
Por: Alejandro Laborie Elías.
La Capilla Gótica del Centro Cultural Helénico
es la sede idónea del homenaje que la actriz Alma Muriel rinde a Sor Juana Inés
de la Cruz, a través de la dramatización de fragmentos de algunos de sus poemas
y escritos que son el vehículo para conocer sobre las personalidad e
inquietudes de la llamada Décima Musa, quien –como menciona la propia actriz-
“todos hablan de ella pero pocos la conocen en verdad”.
Es indiscutible que se han escrito
infinidad de páginas, ensayos, biografías, críticas literarias y todo lo que se
quiera, en torno a esta singular mujer. Sus admiradores la consideran la
escritora más talentosa que haya nacido en México, los detractores e ignorantes
de sus valores sólo especulan sobre si fue o no una lesbiana.
Lo cierto es que no hay unanimidad en
torno a las verdaderas razones que la llevaron a ingresar en un convento, tomar
la vida religiosa cuando gozó de los placeres de la corte virreinal, de la
admiración y envidia de sus contemporáneas y de las galanterías de los hombres
más importantes de su tiempo, y de la persecución de un sector de la Iglesia
Católica, por su amor a la sabiduría y el cultivo de la literatura.
Sin embargo, más allá de las
peculiaridades concretas de su devenir histórico, lo importante es la trascendencia
de su obra, misma que abarca los más diversos temas y géneros, no sólo de la
literatura, porque Sor Juana fue una real intelectual de su época que cultivó
el conocimiento de todas las disciplinas conocidas en esos momentos.
En el recital, intitulado Sor
Juana…para ti, a manera de representación teatral se incluyen fragmentos de algunos textos de
Sor Juana, tales como Respuesta a sor Filotea de la Cruz y poemas como Detente
Sombra, Esta tarde mi bien, Este amoroso tormento, Dime vencedor rapaz, Cogióme
sin prevención, Finjamos que soy feliz y
Al que ingrato me deja, busco amante.
Alma se
aparta de la solemnidad, del formalismo reverencial para dar paso a un
espectáculo abierto, con humor; hay rompimientos para que se dirija al público
a quien convoca a disfrutar, a reír, a reflexionar de forma amena, incluso se
olvida del texto e improvisa sobre cualquier cosa, para retomar y alcanzar sus
propósitos. Esto último puede no ser del
agrado de esas personas “intelectualoides” que abundan en los teatros, que
pueden considerar un sacrilegio literario el tono y ritmo que adquiere la
representación.
Alma Muriel, más allá de la edad real
que tenga, es una mujer joven como lo demuestra con su carácter, conocedora de
Sor Juana –nunca pretende ser una experta, sólo una admiradora-, quien desde su
entrada al escenario impacta con su presencia: un vestido negro, de corte
neutro; un peinado impecable pero no pretencioso, sencillamente la actriz que
sabe que puede llenar el escenario con su sola presencia.
La escenografía se reduce a un atril,
un perchero con el hábito que identifica a la monja, una mesita, una silla y
algunos objetos que creen un ambiente para el efecto, sin descontar la belleza
del espacio gótico que la alberga la sesión poética.
El espectáculo Sor Juana…para ti, se
representa en la Capilla Gótica del Centro Cultural Helénico, los domingos a
las 18:00 horas.
Mayo 2010
Danza
LA DANZA
CONTEMPORÁNEA EN SU MÁXIMA EXPRESIÓN
Y
DIVERSIDAD DE LENGUAJES
Por: Alejandro
Laborie Elías
Con el
propósito de presentar algunos de los mejores representantes de la danza
contemporánea, en su máxima expresión y diversidad de lenguajes, se lleva a
cabo una breve temporada intitulada Sólo en Tránsito VI, en la sede del Teatro
El Milagro, por iniciativa del bailarín y coreógrafo Rafael Rosales.
Desde su primera edición se han convocado
a excelentes artistas para que compartan su creatividad y experiencia con el
público, en espacios alternativos o lugares que no han sido concebidos en forma
expresa para presentar actividades dancísticas; el resultado ha sido más que
satisfactorio, tanto por la calidad como por la respuesta de la gente.
En esta ocasión han sido convocados 12
bailarines, divididos en dos grupos, quienes se presentarán en tres
funciones cada uno, esto es, dos
programas diferentes. El primer contingente dará funciones 19, 26 de mayo y 2
de junio y el segundo 9, 16 y 23 de junio.
El estreno contó con la participación de
Erika Canseco, Carlos Martínez, Stephanie García, Luis Villanueva, Dallel Bacre
y Armando Pérez.
Abrió
el espectáculo Luis, con la coreografía Ken, o ser o no ser reciclable,
creación que contó con el apoyo de unos rollos de plástico, esos que se usan
para envolturas y que están conformados por unas burbujas que a todos nos
encanta tronar. Movimientos, al menos al inicio, cercanos a la pantomima, al
compás de sonidos armoniosos más que música en estricto sentido. Una
dramaturgia abstracta, al menos para el neófito, y lo menos estético o vistoso
de la sesión.
Carlos Martínez con En, contó con el
multimedia, sin embargo sus movimientos hicieron que aquello se olvidara para
recrearse con contorciones, en el buen sentido del término, violentas, una
lucha consigo mismo y alternando momentos de ternura, además de usar como
elemento coreográfico una cinta métrica maravillosamente manipulada.
Stephanie
García intituló su propuesta como El extranjero, valiéndose de una
lámpara, un vestido de novia, una maleta y una fotografía. Un viaje… a dónde…al
interior o al exterior de su existencia, de sus inquietudes y recuerdos
emanados de una imagen que la lleva a una vivencia a través de la danza;
movimientos más cercanos a lo clásico e, indudablemente, la de mejor técnica
del grupo, con trazos arriesgados.
Llegó el turno de Por debajo del suspiro,
de Armando Pérez. Una camisa colgando, rememorando a un ser que se une
emocionalmente al protagonista. Palabras dichas en forma oral, música moderna y
otra “romántica”, para dejar salir toda la energía visceral que un escenario
pueda soportar por el amor del ser perdido. Armando denotó excelente dominio de
su cuerpo y “bailó”, cuerpo con cuerpo, con una silla que adquirió diversos
simbolismos.
El más espectacular, César Romero que al
mismo tiempo que mostró ser bailarín,
también es un atleta. Se acompañó por un guitarrista y una acordeonista en
vivo. Un travesti que narró con su cuerpo una historia conmovedora,
desgarradora y de entrega total al destino sentimental. Unos zapatos de mujer,
con plataforma y tacón altísimo, adquirieron vida y “bailaron” al compás de la
música corporal que les marcó su creador. Además, danza área y como remate una
canción: “Tú no vas a ser para mi…”
Cerró
Erika Canseco con Voz sumergida, la más fina y delicada de las
coreografías. Arena y una vestimenta al estilo oriental, fueron el marco de la
sutileza dancística, de la delicadeza que surge de la mujer que está plenamente
compenetrada con su obra. El cuerpo convertido en sí mismo en belleza.
El espacio escénico de El Milagro será la
sede de este encuentro artístico, los miércoles a las 20:30 horas.
Mayo 2010
Zoot Suit:
discriminación a escena
Zoot Suit
no sólo representa a miles de jóvenes mexicano-estadunidenses y su estilo de
vida, forma de hablar y vestirse; no es únicamente una moda de los años
cuarenta, la vestimenta de los pachucos; tampoco es simplemente la película que
lleva su nombre realizada en 1981 e interpretada por Edward James Olmos, actor
y director también mexicano-estadunidense, ni nada más su versión teatral,
montada en 1979 en la ciudad de Nueva York con un éxito insospechado, teniendo
una voz absolutamente poderosa que se escuchó prácticamente en todo Estados
Unidos; no: porque ahora esa misma voz poderosa rebasa los escenarios y genera
una unión histórica entre la Compañía Nacional de Teatro (CNT), el Instituto
Nacional de Bellas Artes (INBA) y la UNAM, para presentarse por primera vez en
nuestro país.
Zoot
Suit, escrita y dirigida por Luis Valdez, fundador del teatro campesino, y
cineasta chicano, es desde su estreno una íntegra lucha por la dignificación de
la identidad y los orígenes de los individuos.
Zoot Suit
es la obra de teatro que ha conseguido sensibilizar conciencias entre dos
naciones pacíficamente a través de los escenarios, creando foros de debate,
discusión y análisis sobre el tema de la intolerancia racial, una acción
valiente que lleva actuar a la sociedad, entre la reflexión y el arte.
1942-2010
La obra
gira en torno de la historia real de Henry Leyva, un mexicano acusado
injustamente por un crimen que no cometió y por el que fue condenado, así como
otros doce jóvenes, más bien por el hecho de ser inmigrantes: se les juzgó por
su apariencia y origen.
Este
hecho provoca indignación entre la comunidad de origen mexicano en Los Ángeles,
California, creando más enfrentamientos violentos entre los pachucos y las
autoridades estadunidenses, durante la Segunda Guerra Mundial.
El
montaje tiene virtudes, como una escenografía acertada, donde todo ocurre por medio
de la iluminación (que juega un papel fundamental en la obra) y el buen
aprovechamiento del escenario.
La
dramaturgia se apoya en recursos como la narrativa, la crónica y la llamada
narraturgia, construida ágilmente, siempre cuidando la esencia de la palabra y
modismos del pachuco, además de incluir diálogos verídicos entre sus
personajes, dando como resultado un teatro documental moderno, a pesar de ser
hoy más vigente.
Estética
del pachuco
Henry
Reyna (Leyva) es interpretado por Everardo Arzate, y El narrador (Pachuco) está
a cargo de Enrique Arreola, quien va guiando al espectador para comprender los
detalles ocultos de la historia. A manera de flash back, resulta interesante.
La música, caracterización y vestuario son otro atractivo, respetando la estética
que Luis Valdez busca transmitir tanto en su filme como en el montaje.
Zoot Suit
se presentará hasta el 4 de julio en el teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro
Cultural Universitario de la UNAM. De jueves a domingo, en diversos horarios.
Guillermo
Carballo
Primera
obra de la trilogía que El regreso
de Ulises presenta
en El Milagro, en Milán 24, colonia Juárez, entre Lucerna y General Prim, 20
hs.
· Dirige Mariana García Franco
El pasado
domingo seis jóvenes actores estrenaron en México Parajes desoladores, una
obra que busca un diálogo con el
espectador; ser un viaje de ida y vuelta en el que creadores y espectadores
reflejen algo de esta existencia efímera representada en escena. No hay una historia
qué contar, sino un estado del pensamiento y del alma qué mostrar.
Seis
personas transitan múltiples realidades en un tiempo que se dilata, pequeños
acercamientos a las habitaciones internas. Soledades compartidas en espacios
multiplicados. Lenguajes diversos compartiendo un solo momento. (nota de Oscar
Dávalos)
EMOTIVO
HOMENAJE A NELLIE HAPPEE CON LA PUESTA EN
ESCENA DE CARMINA BURANA Y ¡ESQUINA BAJAN!
Por:
Alejandro Laborie Elías
La
coreografía de Carmina Burana fue el marco para el emotivo homenaje que se le
rindió a la maestra Nellie Happee, con motivo del 60 aniversario como artista y
80 años de edad, ante un lleno casi total en el Auditorio Nacional, donde el
público la ovacionó en varias ocasiones en reconocimiento a su talento, entrega
y aportaciones a la danza mexicana.
Como en todo homenaje no podían faltar los
discursos de las autoridades convocantes, como fue el caso de Teresa Vicencio
Álvarez, directora del Instituto Nacional de Bellas Artes, quien al referirse a
la maestra dijo que "se ha distinguido por ser una artista observadora de
sí misma, puntual y exigente, cuyas enseñanzas nos recuerdan que 'más vale
perderse en la pasión que perder la pasión', palabras suyas que definen
cabalmente su desempeño profesional como intérprete, maestra, creadora y
directora de compañías de danza y coreógrafa".
El homenaje se celebró como parte de
los festejos del Día Internacional de la Danza, fecha que aprovechó la maestra
María Cristina García Cepeda, Coordinadora Ejecutiva del Auditorio Nacional,
para entregarle a Nellie la Dalia de Plata, reconocimiento que se confiere a
los artistas cuyas presentaciones en ese recinto constituyen una especial
aportación a la vida artística y cultural de México.
La función abrió con la coreografía
¡Esquina bajan!, apoyada con géneros musicales de corte urbano, tales como el
tango, paso doble, mambo, bolero, entre otros, de destacados compositores como
Agustín Lara, Alfredo Gil, Dámaso Pérez Prado, Alberto Domínguez, Aniceto
Díaz...
Los integrantes de la Compañía Nacional de
Danza, mostraron su versatilidad y crearon alegorías de esos bailes con los que
la maestra Happee rinde un homenaje a la Ciudad de México que tanto añoran
nuestros padres y abuelos. Además, hay que añadir que no se trata sólo bailes,
hay una dramaturgia y cada cuadro narra su propia historia.
Llegó el momento que convocó a la
mayoría de los asistentes:Carmina Burana, de Carl Orff, dirección escénica de
José Solé, diseño de escenografía y vestuario de Antonio López Mancera (q. e.
p. d.), dirección musical de Juan Carlos Lomónaco y los cantantes Lourdes
Ambriz (soprano), José Luis Ordóñez (tenor) y Guillermo Ruiz (barítono).
Talento de sobra, de ahí el resultado.
El cuerpo de baile estuvo encabezado
Jaime Vargas, Sandra Bárcenas, Agustina Galizzi, Blanca Ríos, Raúl Fernández,
Harold Quintero y Erick Rodríguez, quienes con el resto de la Compañía Nacional
de Danza hicieron del lenguaje corporal un acto puro de estética, una obra de
arte netamente mexicana.
No menos relevante fue la participación
de los cantante ya mencionados, los tres hicieron de sus voces un himno con las
letras de esta obra, apoyados con las imponentes notas surgidas de la obra más
significativa de Carl Orff.
El maestro Lomónaco dirigió a la
Orquesta y al Coro del Teatro de Bellas Artes en forma magistral, Cabe
reconocer que el espectáculo -en el sentido prístino del término- fue
impresionante, porque conjugar a tantos elementos de diversas disciplinas no es
tarea fácil, por fortuna todo funcionó con la precisión de una maquinaria de
reloj.
Merecido homenaje a Nellie Happee,
quien a sus ochenta años de edad, tiene una lucidez digna de envidia, una
fortaleza de jovencita y una textura facial que demuestra que la actividad
creativa conserva a quien se dedica a fortalecer el espíritu, en este caso
mediante el cultivo del arte. En hora buena y felicidades MAESTRA Nellie.
Abril 2010
Héctor Suárez
Gomiz, joven maestro del Stand Up
Benjamín
Bernal
¿Qué es stand up? Así denominan a un monólogo divertido, recordamos a Lucho Navarro, Polo Polo, Adal Ramones y a nivel mundial aseguran que la cumbre es Bill Cosby, usan el micrófono para hacer ruidos y así lograr una segunda escenografía, al cumplir 200 funciones El pelón en sus tiempos de cólera, develaron placa Rafael Inclán, Arath de la Torre y Consuelo Duval, que son antiguos amigos del hijo de Héctor Suárez.
El tema
que aborda en un 70% es su relación con Pepita Gomiz -Tele kínder- su mamá, y
el actor que decía Qué nos pasa. O sea, esta de moda desnudar el alma frente al
público, salpimentando con frases tremendistas, lenguaje grueso, revelaciones
sobre la personalidad del que bebe, la personalidad quiza muy suave de su
progenitora, que tenía problemas graves con su marido, pero reconciliaciones
felices.
Asegura
Héctor junior "No más de diez personas entendían a Einstein",
entonces ¿de qué nos preocupamos? La risa es tan benéfica para la salud, como
hacer el amor; diagnostica: hay personas que sufren de frigidez ante sus
chistes, lo que es peor que ser eyaculadores precoces (todavía ni habla y ya se
estan carcajeando) setenta por ciento de las familias son disfuncionales (eso
es lo normal) las parejas que siguen casadas muchos años son la minoría, por
tanto hoy dia, son los anormales. Antes te prevenían, “no te juntes con es
niño, es hijo de divorciados”, ahora debería ser al revés. Cincuenta por ciento
de los matrimonios acaba en divorcio, realmente todo ha cambiado, hay que
correrle al matrimonio.
Una
celebración en la que esten Rafael Inclán, Arath de la Torre y Consuelo Duval
debe acabar en fiesta, y así fué, pues hubo imitaciones, chistes, referencias a
lo que pasa en las camionetas que usan de camerino, ya que Suárez ha sido
compañero de filme de Inclán, con Arath lo mismo. Y sobre Consuelo asegura que
no se arreglaba, pero le lanzó los canes y estaba junto a Héctor Suárez padre
cuando le sugirió a que se arreglara más, lo que ha cumplido toda su vida.
Festejamos
las muy divertidas 200 funciones en el Hotel NH,aproveche, esta semana el grupo
OCESA tiene ofertas en todas sus obras, vea su página, www.mejorteatro.com.
Buen
texto del mismo actor, en el que se aprecia un desenvolvimiento de alto nivel,
curiosamente, la dirección es de su padre, con sólo una silla, micrófono y
toallitas a granel. Quizá abuse del volumen del micro, pero, salimos muy
relajados por el pasón hilarante. Todos eran mis hijos:
Exposición de cuerpos fragmentados
Exposición de cuerpos fragmentados
Por Mariana Jano
Joe, de espíritu inalterable, tiene cerca de 60 años, trabajó en una fábrica de piezas para armamento durante la 2da Guerra Mundial. Ahora en bonanza económica, sigue dedicado a los “negocios” vive al lado de su esposa e hijos en Estados Unidos. La situación se altera cuando Ann, ex prometida de su hijo Larry, llega a visitarlos, pero ahora enamorada de Chris, otro hijo de Joe, destapando una miseria moral difícil de permanecer más tiempo oculta. “Antes solíamos pegar un par de tiros al hombre que se portaba como un perro, -dice Chris (Mario Loria), pero ahí había un honor, se estaba protegiendo algo. Pero ¿aquí? Esta es la tierra de los grandes perros. Aquí no se ama al semejante sino se le devora.” Intensos, fuertes, los personajes de Todos eran mis hijos de Arthur Miller están unidos entre sí pero tienen varias fracturas en su interior. De noche a obscuras Kate, (Diana Bracho, no en vano dirigida por Arturo Ripstein y Felipe Cazals) esposa de Joe, se la pasa en vela esperando a su hijo Larry, quien para los demás murió en la guerra; pero no hay cadáver ni tumba. Kate no puede vivir en la fragilidad porque tiene a su cargo la estabilidad emocional de su familia con quien comenta moda de alta costura y a quien ofrece jugo de uva. Así son las cosas en el seno de una familia ‘ideal’ en las afueras de una ciudad norteamericana en un cálido jardín protegido por esos altos olmos plantados con reducidos intervalos bordeando a derecha e izquierda como lo planteó el autor originario de Nueva York y no precisamente como aparece en la escenografía del Teatro Helénico (donde se exhibe la obra programada hasta abril) con un solo manzano caído; y sin embargo la casa da esa sensación de pulcritud y comodidad acompañada por el típico pasto verde. Estrenada la noche del 29 de enero de 1947, año en que se sitúa la acción Todos era mis hijos permaneció en cartelera durante casi un año y obtuvo en ese entonces el Premio de Círculo de Críticos de Teatro de Nueva York
“¿Qué
cuernos es la moral?” Se pregunta Miller, mientras da énfasis a la ética, a la
toma de decisiones, a la responsabilidad del individuo hacia los demás, a la
sabiduría, al autoconocimiento personal denunciando a las empresas que se
enriquecen con la guerra y de paso criticando a los valores impuestos por la
sociedad de consumo. Joe, el protagonista que queda al punto con Fernando
Luján, carece de una ética propia ya no de los místicos sino de la normalidad;
es decir, está lejos de ese impulso de renovación que coincide con el arranque
creador de la vida, aplicada normalmente –según Bergson, para conservar la
forma social de la especie humana. Ha sido espantoso –diría Miller en otra
obra, es extraño esto de tener que analizar las cosas en que uno cree (pero
aquí de manera pesimista) y no teóricamente, sino como cuestión de vida o
muerte. Muchas de esas cosas no resisten la prueba. Por su parte Ann (Silvia
Navarro) se enfrenta a sus propios problemas axiológicos como el de la
posibilidad de pertenecer a la familia que destrozó a su padre…
“Quiero que mis hijos oigan. Que se den
cuenta de qué tronco descienden” Arthur Miller aún pelea con Tennesse Williams
el título del mejor dramaturgo norteamericano del siglo XX. Produjo obras casi
en todos los idiomas y su teatro en la actualidad siempre ocupa un lugar en las
principales marquesinas del mundo, en Brodway por ejemplo,Todos eran mis hijos,
está considerada como la obra no musical más exitosa. Entre las características
de su obra, está su coherencia ideológica. Su trabajo cosechó gran cantidad de
premios durante su vida, entre ellos el Pulitzer en dos ocasiones y el premio
Príncipe de Asturias de las letras en 2002 por el conjunto de su obra. Quien
nació en Nueva York un 17 de octubre de 1915 y falleció en Connecticut a los 89
años, venía de una familia de inmigrantes judios polacos. Su obra en buena
parte es autobiográfica, como en la que ahora comentamos. Mientras unos se enriquecen
por circunstancias del país otros se empobrecen; su padre por ejemplo, un
próspero fabricante de abrigos cayó en la ruina debido a la Depresión del 29,
por lo que tuvo que trabajar para costearse sus estudios de periodismo y pasó
de vivir en Manhattan a Brooklyn. Su suerte cambió otra vez pero no con Un
hombre con mucha suerte obra que se presentó sólo 4 veces, sino con Todavía
crece la hierba comedia premiada varias veces. Pero la obra que lo consolidó
definitivamente fue La muerte de un viajante (de indispensable lectura) escrita
cuando él tenía 33 años. En ella denuncia algo mucho más hondo que los defectos
y utopías frustradas del sueño americano. Lo que vivió Miller, víctima de la
“cacería de brujas” que representó el Mc carthysmo lo plasmó en Las brujas de
Salem. Por lo menos otras 10 obras vendrían después como Vista desde el puente,
Después de la caída o Vidas rebeldes que escribió expresamente para quien fuera
su segunda esposa: Marilyn Monroe, en compensación al hijo que perdieron juntos.
Todos eran mis hijos bajo la dirección
de Francisco Franco resulta una buena opción clásica y vigente en donde se
agradece al traductor Pedro Ortiz de Pinedo su versión en un acto (y no en
tres) obra de carácter y fuerza explosiva que contagia e invita.
Autor:
Arthur MillerDirector: Francisco FrancoCon Diana Bracho, Fernando Lujány Silvia
Navarro entre otrosTeatro Helénico Av. Revolución 1500
Teatrikando
Elsa y
Fred
Por Benjamin
Bernal
Xavier y Alejandro Orozco Juarez (productores) tuvieron la idea de adaptar al teatro y llevar a escena Elsa y Fred; a través de mails y llamadas telefónicas avanzaron las platicas hasta llegar a esta noche sensacional para disfrute del público de todas las edades. El Inapam (antes Insen) es o era presidido por Alejandro Orozco Rubio en lo que representa una nueva forma de hacer negocio, el teatro que nace con patrocinios, un apoyo de diversas Instituciones, para llevar a padres e hijos un mensaje importante para las familias, tengan la edad que sea, porque hoy somos jóvenes, pero tenemos abuelos y padres; y debemos tener consciencia para vivir. En ciertas sociedades todo es más fácil, como en la Mexicana, que es mayormente afectuosa con los viejos, no como en otras latitudes, donde ser anciano, inevitablemente lleva a inhumanos asilos.
Reunieron
a Beatriz Aguirre, Ignacio López Tarso, que llevan los roles centrales,
dos personalidades totalmente distintas
y dos perspectivas diferentes para afrontar la vida. Al comparar, usted tendrá un noventa por
ciento del filme, que por razones naturales tiene diferentes escenas, como la compra del gato y los
momentos posteriores a la fuente de Trevi.
El resto
de la familia esta compuesto por José Elías Moreno, Cecilia Gabriela, Juan Antonio Edwards, Ernesto Godoy, Luis
Couturier, Francisco Avendaño. Alterna, Lucero Lander y Marco Zetina es el
médico, no le describo cuál es el rol de cada uno en la trama, porque le
quito interés en comprar su boleto y
entrar a disfrutar lo que será una de sus piezas consentidas. Y dije pieza
afortunadamente, ya que no es comedia ligera en esencia, pues el final mexicano
es abierto, en tanto el original argentino de Marcela Guerty y Marcos Carnevale tiende más al melodrama.
No
le contaré la historia, pero usted debe
saber que López Tarso es un viudo solitario y ella, es sola, pero ansía a toda
costa compartir su alegría vital. Me recordó un
personaje de Tennesse Williams (¿ya vió Todo sobre mi madre?) que dice
”hay que adornar un poco la realidad, tan aburrida” Quizá pudo sufrir una mayor
transformación él,Fred, pero, así como lo vimos es emotivo y arranca la risa en
varias ocasiones. No le falta nada a Beatriz Aguirre, que no tuvo adecuado
respaldo en el sistema de sonido al principio, hace reir a la vez que provoca
ternura por su alocado personaje. Por cierto, reto a usted que hurgue en sus
recuerdos, ¿conoció a alguien asÍ? En general me gustó el elenco, unos más que
otros encajan en los respectivos personajes, que se mueven a la voz de quien dirige: Pepe
Solé, quien ha recibido premio de la APT, recientemente por su trabajo.
Párrafo
aparte merece David Antón, que logró dar
vida a una escenografía difícil, acciones enlazadas que deben entenderse, y
lugares que… son una belleza. Así tenemos dos salas, restorán, consultorio
médico y la fuente de Trevi. Ya con las locaciones de los respectivos
departamentos merecería un aplauso, pero con
la fuente, estuve a punto de interrumpir para aplaudirle, de tan bello
momento que logra.
Así
transcurren las casi dos horas de actuaciones al nivel de excelencia, para
mandarnos a casa con el espíritu lleno y ganas de recomendarla a todo mundo.
Sin hacer caso del micrófono que no dejó escuchar a Beatriz al principio, luces
de pasillo que entraron después, sombras mal controladas, detallitos que no
hacen deslucir a Elsa y Fred. No dice quién adaptó para teatro, pero, merece
otra ovación. Por favor, acuda y compare
su opinión.
Columna Teatrikando
Curva Peligrosa (En Cd. Juárez ensayan en
medio de balaceras asegura el autor)
POR BENJAMIN BERNAL
Novela teatral WAIT
Jean Demay en su novela WAIT da ideas muy claras para conducir al género humano para lograr igualdad. Es una historia con romance, aventuras, asesinatos, pero ante todo diseña un cambio de modelo económico que llevará a la humanidad a su madurez. Ya se prepara la versión teatral y cinematográfica, incluso se habla de los actores ideales. Se presentará a la mitad de junio en Lasalle de la Condesa. Específicamente, 21 julio 2010, a las17:30hs.
Curva
Peligrosa
Marco
Vidal,Barbara Méndez, Marco Polo Almaraz dan vida a esta obra de Edeberto
"Pilo" Galindo, quien vino a esta Ciudad para ver esta obra que ya fue estrenada en
Cd.Juárez Chihuhua,donde vivir es difícil, pero hacer teatro es doblemente
problemático.
Habla del
problema de entenderse con los padres y de la juventud de hoy que es diferente a cualquier otra
época. Todos creemos que somos grandes
a a los XV pero todavía falta mucho, hay
experiencias nuevas que pasar y adultos no muy avispados.
Se les
puede ver en el Teatro Coyoacan de la Sogem los sábados a la una. No se los
pierda. Buena dirección de Felipe Oliva.
Rosa Ma.
Bianchi y Edith González. Buenas Noches Mamá
Temas
novedosos: “Gorda” en el Centro Teatral
Manolo Fábrega, obesidad y el trato discriminatorio que recibe. Hoy hablaremos de “Buenas noches Mamá”, Libanés,
obra de Marsha Norman, quien gana en 1983 el Premio Pulitzer con esta obra,
cuando tenía 36 años, en México gobernaba Miguel de la Madrid y el exactor
Ronald Reagan en el país del norte. Se aprecia, por ejemplo la ausencia de ipods,celulares
y lap tops en la obra.
Edith
González es la hija y Rosa María Bianchi la progenitora. Mantienen una
conversación que toca todas las emociones que hay en un en un hogar, esto
sucede horas antes de que la joven cumpla con una decisión trascendente,
suicidarse. No es extraño ver todo tipo de manipulaciones en las familias que
conocemos, nos vemos reflejados quienes tenemos hijos, o bien, nos asomamos a
la vida de parientes y amigos, que determinan las vidas profesionales,
amistades o parejas, sin tomar en cuenta lo que el individuo preferiría.
Thelma,
la madre ha tomado decisiones en la vida de Jessica, es más o menos frecuente
en ciertas familias, más aún cuando nuestro país, apenas estaba abandonando las
estructuras familiares anquilosadas en los 80`s. y quizá poco ha cambiado. No
se pierda este duelo de actuaciones.
Encuentro
en el Parque Peligroso
Huyen de
todo,incluso de si mismos, del mundo, como usted y yo trabajamos diariamente
para ver si un dia algo cambia. Un
parque moribundo es el mundo, mi colonia o mi familia. Una aventura al interior
de un mar que inundan mente y cuerpo: secando la vida y el espíritu. El espacio
no físico del encuentro entre Ana y Pedro tiene lugar en una idea, ha sido
reducido a unos cuantos metros cuadrados de plantas verdes; se mutilan árboles
condenados a desaparecer. Al final, superado el miedo, encontrados los cuerpos,
fundidos los espíritus, la obra se resuelve con un inesperado acto de amor y
libertad. Centro Cultural Foco, Tlacotalpan 16, Col. Roma, Lunes 20 hs.
Teatrikando
Zoot Suit
· Se
estrena cuando en Arizona hay un brote fascista anti inmigrantes
· A los
gobernantes digo: ! Watcha Bato¡
BENJAMIN
BERNAL
Llega 30
años después de que conmueve a los Estados Unidos esta propuesta teatral y
cinematográfica de Luis Valdez, que gana en 1982 el Globo de Oro a mejor filme,
que tuvo mucho éxito en nuestro país, lejos estábamos de que se pensara en
traerla a México, menos aún que fuera la Compañía Nacional de Teatro la que
tomara el proyecto.
Esta
basado en un caso real, en un paraje denominado Sleepy Lagoon hay
acontecimientos sangrientos que se imputan a unos jóvenes pachucos, cuyo máximo
pecado es ser latinos y vestir Zoot suit (pronuncian sut-sut) Además de ser
rechazados por su país, no son bienvenidos en Norteamérica, lo que les hace
doblemente vulnerables y marginales en todo el planeta.
La
propuesta de Luis Valdez es presentarnos en forma de musical la serie de
eventos que les lleva a la cárcel, donde recibirán un juicio abusivo que no
debe asombrarnos, pues el mismo dia estaban liberando a Teresa González y
Alberta Alcántara tras cuatro años de injusta prisión, pero que tenían
sentencia por 21 años; tampoco sería sorprendente que hubiera acusación
indebida contra las nanas de Paulette, por el solo hecho de no gozar de
abogados caros.
La acción
inicia en septiembre de 1939, la prensa da cuenta de un acontecimiento en un
barrio latino, toman acción en contra del que tienen a la mano, le cargan todas
las culpas y empieza entonces un proceso que provoca indignación en el
espectador. El telón que nos recibe es el Herald Express. La estética y la
música son anteriores al rock y todo lo que nos gusta, menudo, marichis,
danzón.
Enrique
Arreola es el espectro- extraña presencia- duende-pachuco que dialoga con el
personaje central Everardo Alzate (Henry Reyna) sin duda, es de lo más
memorable para mi colección de personajes míticos de la dramaturgia.
“No es su
país” sin embargo esos jóvenes quieren ir a la guerra y volver como héroes,
paradojas que provoca la propaganda bélica, se habla del enemigo japones,
viajar a Guadalcanal, si, esos braceros mexicanos, en ese momento todo pachuco
es acusado de fascista (vaya incongruencia) Nos dan un glosario pachuco, “no
quiero verme todo square”, chicano style, guacha bato, chale, qué pasones con
ostiones, buti trili, jaina.
Ustedes
son mexicanos, me-xi-ca-nos, les grita el padre de la familia. Esa es una
característica latina, adonde quiera que vayan no se pierde la unión, el
origen, somos parecidos al muégano, aunque internamente hay envidias, celos y
agresión. Bailan varios danzones, tropical, Mari-mari-guana boogie. El sistema
judicial les echa en cara: ustedes andaban encuerados, cuando les llegamos a
enseñar el american way of life. Hay chicanos que cambian su apellido de González
a Williams, pues así se dan más “clase”
Chirimías
y tambores acompañan la elevación del espectro-pachuco. Pero todavía no es el
final, hay un epílogo. Así podemos afirmar que tenemos un excelente año
teatral, en que la compañía Nacional de Teatro logró ser oportuna. Arizona
propuso una ley fascista y de eso es culpable; pero nuestros gobiernos han
dejado en evidencia su incapacidad para crear empleos, educar a nivel mundial,
dejando así que cada mexicano se rasque con sus propias uñas, envez de tutelar
al ciudadano de la cuna a la tumba. ¡Watcha Bato¡
Biografía de Virginia Fábregas
* Autores, Fela y Luis Reyes de la Maza
* Morelense, nace en 1872, fallece en 1950
* Urge lo conviertan en película
Benjamín Bernal
El 21 de abril del 2010 lograron una noche irrepetible en el Centro Teatral Manolo Fábregas, convivimos con un destacado grupo de personalidades, intelectuales, comunicadores, teatristas, representantes de todos los niveles de la sociedad y, por supuesto de la cultura de nuestra época, dos horas de amena charla y otra en el lobby para disfrutar uno de los más sonados cocteles del año.
La promotora de la idea y a la vez autora, es la señora Fela Fábregas, quien integra a lo largo de toda su vida material periodístico, como vestuario, fotografías, anécdotas, amigos, libros, para lograr este volumen atractivo del mundo teatral; la dama motivo del libro, es Morelense, sin que sea una figura retórica, cambió el equilibrio entre Hombre y Mujer en México.
Doña
Virginia se graduó como maestra, luego hace un posgrado como profesora para
personas con discapacidad, es actriz, productora y dueña de un foro teatral al
que bautiza con su nombre, además de mostrar valentía en una época en que las
damas no subían a escena, no brillaban por sí mismas, ni se divorciaban.
Esa noche estuvieron en el presidium Luis Reyes de la Maza ( también autor), Gaby Vargas, Alejandro Gertz Manero, Jacobo Zabludovsky, en hora y media delinearon una vida ejemplar y no es exagerado decirlo, pues ¿qué otra mujer ha logrado ser el centro de atención por su talento, cuando México salía de una moral victoriana y costumbres medievales.
Con las intervenciones elocuentes de estos panelistas <vimos> el México que se fue para siempre.
Baste saber que es la primera mujer que fue recibida en la rotonda de las personas ilustres, ¿qué otra artista fué promotora teatral, llevó su trabajo a lejanas y exóticas ciudades a inicios del siglo XX ? Además de convertirse en dueña de un inmueble que hoy es histórico por su cercanía con todos los edificios que representan mexicanidad (Cámara de Diputados, Cámara de Senadores, Palacio Nacional) y por si fuera poco, consiguió el apoyo oficial de un presidente? -personajes generalmente lejanos al arte y cultura-
Esa noche estuvieron en el presidium Luis Reyes de la Maza ( también autor), Gaby Vargas, Alejandro Gertz Manero, Jacobo Zabludovsky, en hora y media delinearon una vida ejemplar y no es exagerado decirlo, pues ¿qué otra mujer ha logrado ser el centro de atención por su talento, cuando México salía de una moral victoriana y costumbres medievales.
Con las intervenciones elocuentes de estos panelistas <vimos> el México que se fue para siempre.
Baste saber que es la primera mujer que fue recibida en la rotonda de las personas ilustres, ¿qué otra artista fué promotora teatral, llevó su trabajo a lejanas y exóticas ciudades a inicios del siglo XX ? Además de convertirse en dueña de un inmueble que hoy es histórico por su cercanía con todos los edificios que representan mexicanidad (Cámara de Diputados, Cámara de Senadores, Palacio Nacional) y por si fuera poco, consiguió el apoyo oficial de un presidente? -personajes generalmente lejanos al arte y cultura-
Así que esa noche emotiva, divertida, salimos llenos de admiración por la señora Fela Fábregas, pues hace muchos años decidió coleccionar estos recuerdos que hoy se integran en un libro, ropa, libros, fotografías que el historiador Reyes de la Maza convirtió en libro, por cierto, fácil de leerse, para descubrir que la actriz Virginia Fábregas, la Sarah Bernardt mexicana, recibió mil honores en vida, pero, también cruzó caminos agrestes para hacer giras por todo el mundo, incluyendo Sudamérica, en una época que no había las comunicaciones, autopistas, autos, aviones, que hoy gozamos.
Al final, exhibieron una presentación multimedia, homenajeando a la primera de esta dinastía, que hoy por hoy, encabeza la señora Fela Fábregas.
Ahí estuvieron los hijos de Manolo y Fela: Virginia, Martha, Manolo, Rafael y Mónica, ellos son la siguiente generación de super estrellas, cada uno en su materia.
Enhorabuena.
NO ESPERAR JUSTICIA
DONDE NO LA HAY
* Zoot suit
Por: Alejandro Laborie Elías
Estados Unidos, el país que se autonombra
la cuna de la libertad, de la justicia, de la igualdad y defensor incondicional
de los derechos humanos, es el lugar donde más de alguna persona, grupos
sociales o etnias completas no esperan justicia porque simplemente no la hay,
claro para las minorías, sea cual sea la causa, más si se trata por cuestiones
de raza.
El Teatro Juan Ruiz de
Alarcón reabrió sus puertas después de una renovación de las instalaciones y
equipo, con la puesta en escena de Zoot Suit, del reconocido
artista y luchador social Luis Valdez (funge también como director), texto
inspirado en un asesinato cometido en Sleepy Lagoon, en 1942, en el que se
involucró a un grupo de mexiconorteamericanos, por el sólo hecho de pertenecer
a una pandilla de los denominados Pachucos.
En su momento fue el
juicio colectivo más grande llevado a cabo en el estado de California y, por
supuesto, fueron condenados, primero a la pena de muerte misma que se conmutó
por cadena perpetua. La obra, curiosamente llevada a escena en forma de
musical, presenta los conflictos políticos y sociales que se vivían en esa
época en los Estados Unidos, cuando la Segunda Guerra Mundial estaba e pleno
apogeo. Sin embargo, la policía angelina estaba muy preocupada por acosar,
perseguir y exterminar a los Pachucos, por el sólo hecho de ser de origen
mexicano, por su peculiar vestimenta y su corte de cabello.
Basada en la película
del propio Valdez, el montaje se hace tomando como base al elenco estable de la
Compañía Nacional de Teatro, hecho por demás relevante, porque apelando a la
memoria, es la primera ocasión que ésta incursiona en el musical y, aún cuando
no se aparta de obras de fuerte contenido social, es una nueva alternativa para
públicos que gustan de este tipo de espectáculos pero que no quieren una
propuesta netamente cultural, al menos tan obvia.
Lo anterior no debe
entenderse que no hay calidad, por el contrario, la propuesta escénica de
Valdez se basa en lo actoral, en lo musical y coreográfico y, por ende, en la
conjunción de todos estos aspectos con la riqueza temática del texto.
A pesar de tratarse de
una injusticia social y étnica, de un juicio, de una apelación y en concreto de
las injusticias sufridas por los Pachucos en aquellos años, hay un alto
contenido de humor, producto de la ironía, sarcasmo y burla con la que se
abordan los diferentes tópicos. Incluso, no es una obra de mera denuncia, hay
una autocrítica muy fuerte al interior del propio grupo y de cómo en ocasiones
los principales enemigos de los mexicanos radicados en el vecino país son los
propios mexicanos.
Por otra parte, si bien
se trata de un texto dramático, esto es, que hay partes que son ficción, no
mentiras sino interpretaciones de hechos históricos, es encomiable el trabajo
de investigación y los años que le llevó a Valdez concretar el proyecto. Una
buena parte del lenguaje que se emplea es el caló de los Pachucos, que no es
tan ajeno al público de la Ciudad de México, aún cuando el programa de mano
contiene un glosario del mismo.
Pasando al montaje en sí
mismo, no es espectacular con relación a la escenografía, ésta es más bien
sugestiva, no recrea específicamente lugares, sino más bien atmósferas donde se
llevan a cabo cada una de las escenas. Las coreografías son sencillas pero
vistosas, además de que una buena parte del cuerpo de baile no son
profesionales de la disciplina sino actores que han puesto a desenvolverse como
bailarines.
Las actuaciones
protagónicas están a cargo de Enrique Arreola (El Pachuco) y Everardo Arzate
(Henry Reyna). El primero realiza un trabajo impresionante como el alter ego
del segundo, quien es el líder o cabecilla del grupo de los 12 Pachucos que
fueron juzgados, condenados y liberados después de una larga apelación. Arreola
en lo mejor que ha hecho durante su carrera teatral, es el alma de la puesta,
el público se identifica con el personaje desde el mismo inició de la obra y al
final le rinde una ovación apoteósica.
Diego Jáuregui y
Georgina Rábago, los defensores del grupo, realizan muy buen trabajo, sobretodo
convincente y se adaptan a las circunstancias y requerimientos que el director
plantea. De igual forma Juan Carlos Remolina y Óscar Narváez, personajes que
dan ganas de "matarlos", porque son los responsables de las
injusticias cometidas contra los Pachucos que la mayoría no sabe ni quienes
fueron, al menos hasta antes de ver la obra, tal vez sólo para los que vieron
la versión cinematográfica de la historia.
El elenco es amplio y
sería largo hablar de cada uno de ellos, lo cierto es que Valdez los conjunta
excelentemente como grupo y la puesta tiene una unidad actoral indiscutible.
Las coincidencias en
ocasiones parecen planeadas y esto viene a colación porque la obra está ni
mandada a hacer con la situación que se está dando en Arizona contra nuestros
connacionales, por lo que un hecho que sucedió en 1942, parece que se repetirá
a partir de este 2010.
Zoot Suit, que por cierto no tiene un final feliz, se representa en el Teatro Juan
Ruiz de Alarcón, del Centro Cultural Universitario (UNAM), hasta el 29 de
abril, los jueves y viernes a las 19:30, sábados a las 19:00 y domingos a las
18:00 horas.
Abril 2010
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YO SOY MI PROPIA ESPOSA: HÉCTOR BONILLA EN PLENA
MADUREZ
Por Perla Schwartz
El monólogo es el género
teatral más difícil para ser desarrollado por un actor, le implica el estar
solo en el escenario y desplegar sus dotes interpretativas al máximo. Él se
debe dar a la tarea de caracterizar a un personaje que sea lo suficientemente
creíble y dinámico para mantener el interés del espectador.
Pero un Héctor Bonilla en plena madurez
cumple con creces en el monólogo “Yo soy mi propia esposa” del dramaturgo Doug
Wright. Él da vida a Charlotte W. , un hombre que desde joven optó por ser
travesti, le imprime a su actuación varios matices y emociones, Charlotte W. se
asume en plena Segunda Guerra Mundial, un hombre-mujer fascinado de ser quien
fue.
Un ser que vivió en plena libertad.
Desde pequeño, fue su tía su mejor cómplice y amiga. Doug Wright lo entrevistó
en diversas ocasiones en su natal Alemania, para recopilar el material que
forma parte de una obra que es un collage de los momentos estelares de la vida
de este peculiar personaje.
La puesta en escena está
dirigida con mano firme por Lorena Maza, ella opta por la sencillez, la
iluminación y la escenografía minimalista son de la autoría de Sergio Villegas
y el vestuario fue diseñado por Cristina Sauza.
Desde hace varios meses, “Yo soy mi
propia esposa” tiene una exitosa temporada en el Teatro Rafael Solana del
Centro Cultural Veracruzano, con una producción de los emprendedores Juan
Torres y Guillermo Wiechers.
La obra da cuenta que la existencia
de un travesti no es sencilla, más bien tiende a ser solitaria, en el caso de
Charlotte W. se vuelve una coleccionista, sobre todo de fonógrafos y monta un
museo de antigüedades, siendo ella misma uno de los objetos a ser exhibidos,
cuando su museo es visitado.
Con la caída del Muro de Berlín,
ella cambia de giro y monta un bar underground que es frecuentado por
disidentes, homosexuales e intelectuales, ella logra sobrevivir entre nazis y
comunistas, manejándose con una gran naturalidad. Sigue la consigna de Hans
Magnus Enzberger que escuchó de labios de su tía, desde que era niña: “En cada
persona existen mezclas de caracteres femeninos y masculinos.”
Héctor Bonilla, además de dar vida a Charlotte W. también se ocupa de
recrear a varios personajes que estuvieron cerca, entre ellos al dramaturgo que
teatralizó al personaje. El primer acto es la antesala para un segundo acto,
intenso y contundente.
“Yo soy mi propia esposa” tiene un
gran intérprete en Bonilla y es una obra que en definitiva defiende la
elección sexual que cada cual haga, sin ir en detrimento en la calidad que se
tenga como ser humano.
Teatro
ENCUENTRO EN EL PARQUE PELIGROSO
ENTRE UN ASESINO SERIAL Y UNA AGENTE
EUTANÁSICA
Por: Alejandro Laborie Elías
Un violador y asesino en serie con problemas de
lenguaje y comunicación y una mujer dedicada a la ejecución de seres humanos a
través de la eutanasia, tienen un encuentro que sirve para que se
interrelacionen, expliquen –no justifiquen- sus tenebrosas acciones
y se conviertan en una muestra palpable de la podredumbre que viven las
sociedades contemporáneas, sin descartar que hay una buena dosis de reflexión
sobre algunos temas.
La
obra en cuestión lleva por título Encuentro en el parque
peligroso, escrita por Rodolfo Santana y dirigida por Julio Escartín.
El texto y la puesta en escena fueron premiados en el Segundo Rally de
Teatro 2010, que se llevó a cabo en el mes de febrero en la sede del FOCO
(Foro de la Comedia), de la Ciudad de México.
Un
hombre –en realidad un teporocho- quien violando y matando gente cree que ha
canalizado su paso por este mundo y, obviamente, teniendo toda una serie de
explicaciones del por qué de su actitud frente a las mujeres. Por
otra parte, una fémina, antes dedicada al diseño y confección de
ropa de última moda, quien cambio su actividad para convertirse en una “agente
eutanásica”.
Un
encuentro en una banca de cualquier parque, de cualquier ciudad; dos seres
humanos tan comunes que no es raro que a diario nos topemos con alguno
semejante. Dos personas tan impersonales como la sociedad que los mantiene en
el olvido, sin embargo en la vida real existen, caminan junto a nosotros,
leemos sobre ellos, deambulan por ahí y por allá sin mayores complicaciones y
satisfaciendo sus alocadas finalidades.
Un
hombre que pretende violar y matar a una elegante y sofisticada amante de la
literatura. Una mujer que cambia los roles, que no se deja amedrentar y de
víctima se convierte victimaria, para retornar a su rol original. Una muestra
de cómo cuando el agresor encuentra a una valiente, se “raja”, más cuando
aquella no teme por su vida, más bien no le interesa en lo más mínimo. Pasar
del gozo que provoca el sadismo a la angustia de sentirse acorralado cuando es
lo que menos se espera.
El
dramaturgo cuestiona los valores morales en general, de los médicos en
particular y plantea el tema de la eutanasia y asume que quien lo practica no
es otro asesino serial sino –posiblemente- un buen samaritano que ayuda a bien
morir al prójimo.
En este caso la agente ha mandado a “mejor
vida” la nada despreciable cantidad de 130. Texto que aborda en forma
interesante la temática, suspicaz, no llega a posturas determinantes pero si
condicionantes, y –como es costumbre en este tipo de obras- deja al libre
albedrio del espectador las conclusiones finales, al menos las dudas.
Las
actuaciones corren a cargo de Cinthya Castillo y Luis Daniel Pérez, quienes se
compenetran con sus respectivos personajes y su trabajo es más que convincente,
además de que físicamente dan exactamente el tipo –claro, ayudados por el
maquillaje y el vestuario- de esos dos seres que deambulan por el mundo sin
ninguna ilusión, sin ninguna razón para existir. Ella posee una gran
personalidad, seguridad, presencia; él voluntad, entrega; ambos algunas
deficiencias actorales.
La
puesta es minimalista, esto es, el escenario prácticamente vacío, solo una
estructura que hace las veces de una banca de parque, una iluminación sin
mayores pretensiones y una musicalización elemental. Esto es, todo el peso del
montaje recae sobre las espaldas de los actores, quienes a pesar de formar
parte de una producción independiente, de los llamados amantes del teatro o
amateurs, muestran que si tuvieran más oportunidades de formación enriquecerían
el medio teatral.
Encuentro
en el parque peligroso se representa en el Foro de la Comedia (El
FOCO), ubicado en Tlacotalpan 16, colonia Roma Sur, de la Ciudad de México, los
lunes a las 20:00 horas.
Abril 2010
¿LA LIBERTAD DEL SER HUMANO ES ILIMITADA Y
LE PERMITE DECIDIR SOBRE SU PROPIA VIDA?
Por: Alejandro Laborie Elías
La mayoría tenemos la idea de que alguien que atenta
contra su vida está mal de sus facultades mentales, al menos momentáneamente,
pero ¿se puede planear el acto con plena conciencia y con cada uno de los
motivos razonados con rigor?
En torno a esta temática gira la trama
de Buenas noches mamá, de Marsha Norman, bajo la dirección de Raúl
Araiza, en la sede del Teatro Libanés, lugar que permite cuestionarse si la
libertad del ser humano es ilimitada con relación a él mismo y si le permite
decidir sobre su propia vida, sin importan las causas que lo lleven a tomar
esta decisión.
Los personajes, una madre y su hija,
tienen unos diálogos por demás interesantes, a través de los cuales cada una de
ellas defiende su postura, no sólo sobre el tema, sino de la relación entre
ellas, con los familiares y algunas personas que giran en torno a sus vidas.
Lo más importante, es la visión, no
científica sino dramatúrgica, sobre el tópico, más allá de la posible
conclusión del drama, que mantiene el interés del respetable sobre si se
llevará a cabo o no el suicidio de uno de los personajes.
Rosa
María Bianchi y Edith González se enfrentan en un fuerte duelo a muerte, claro
hablando de sus personajes, cada uno de los cuales argumenta, replica y en una
dialéctica que parece interminable, convencer a la de enfrente y, por lo mismo,
a cada uno de los espectadores que se ven atrapados y conmovidos en una
cuestión que hasta que el ser humano exista no tendrá, al menos eso creemos,
una postura definida.
Una
historia sobre una madre dependiente y una hija que sufre ataques de epilepsia,
una trama de amor y desamor filial, de comprensiones e incomprensiones, de
argumentos lógicos e ilógicos, de valores tradicionales y nuevos enfoques al
enfrentar la naturaleza humana y la vida misma.
Rosa
María y Edith se entregan, convencen, mueven y conmueven con su capacidades
histriónicas que proyectan de forma indiscutible más allá del escenario; tocan
las fibras más íntimas de cada uno de los espectadores y, lo más importante, es
una obra que se desarrolla en un acto –en el escenario- aún cuando la verdad el
segundo acto es el más importante y trascendente, porque éste tiene
lugar en donde se encuentren los que hayan asistido a la función y continúen el
debate sobre un tema de consecuencias no sólo morales, sino que se habla del
derecho más humano, fundamental, sin el cual los demás no tienen razón de
existir: El derecho a la vida.
Para
nadie es desconocida la trayectoria artística de Rosa María, en particular en
el teatro; los escenarios han sido el vehículo que la ha conducido y mantenido
en la mente y corazón de los teatrófilos. En esta ocasión, su papel es vital
para el desarrollo de la trama y sus cambios de estado de ánimo son más que
convincentes, por una sola razón: su actuación es de lo más natural que pueda
verse en un escenario.
Por
otra parte, Edith es la gran sorpresa, Cierto, goza de mucha fama, en parte por
su carrera actoral, parte –que no nos interesa en lo más mínimo- por su vida
personal. Sin embargo, no recordamos algún trabajo de ella en el teatro que
haya sido memorable (ni en Aventurera), pero en esta ocasión hay que reconocer
su entrega y que tiene talento histriónico para llevar a delante tan difícil
personaje y que haya aceptado separarse del glamur y de mujer bonita para caracterizar
a una enferma de epilepsia.
La
dirección de Raúl Araiza es impecable, saca todo el potencial actoral de las
actrices y está compenetrado con la psique de los personajes. Se apoya en la
escenografía de José Larroa –de carácter realista- y la iluminación –sin
mayores complicaciones de diseño- del propio director, Daniel Gómez y Omar
Ochoa.
Cabe
destacar que Don Raúl está asistido en la dirección por Elia Domenzain, porque
es de lo más frecuente que este rubro pase desapercibido en la mayoría de las
notas periodísticas teatrales. Inmediatamente, desde que inicia la puesta en
escena, se ve que hay alguien que está más allá de los convencionalismos del
teatro denominado comercial y eso, al menos es lo que creemos, se le debe atribuir
a Elia.
Tal
vez como ardid publicitario, que ya es muy frecuente, se anunció una temporada
de unas cuantas semanas, pero ante la respuesta del público, es de esperarse
que la empresa decida mantenerla indefinidamente en el Teatro Libanés de la
Ciudad de México, los viernes a las 19:30 y 21:30, sábados 18:30 y 20:30 y
domingos 17:30 y 19:30 horas.
Abril 2010
Teatro
PITA CONCIENCIA TURBADA: LA ESENCIA DE UNA POETA
Por Perla Schwartz
Mujer genial y telúrica, poeta rebelde y
mística, Guadalupe Amor es una de las cumbres de la literatura mexicana del
siglo XX, a ella le dedica un tributo amoroso, Mario Ficachi con el montaje
“Pita Amor, conciencia turbada”, en el marco de su décimo aniversario de
fallecimiento.
Espectáculo construido a partir de fragmentos
de la literatura de Amor que van reflejando su personalidad contradictoria y el
por qué de su locura. La que fuera leyenda urbana vuelve a cobrar vida,
caracterizada por la joven actriz Tania Viramontes, egresada del CUT.
Tania nos brinda una Pita exaltada, una mujer
desbordada que con gran facilidad pasa de lo sublime a lo grotesco, apoyada por
varios personajes incidentales, apoyada en forma brillante por los actores
Aleyda Gallardo y Óscar Ulises Cancino.
14 cuadros conforman este collage
escénico. No hay una cronología en específico y se presenta a la poeta aun en
sus momentos de gloria, poco antes de que se suscitara su derrumbe emocional y
espiritual, con cuidado se elude caer en lo didáctico, la intención central es
captar la esencia de una mujer, que si bien era caótica, ello no obsta para que
fuera sumamente brillante.
La pequeña Daniela Ferrusca personifica en el
primer cuadro a la Pita niña, mostrando de ese entonces su temperamento de
Mujer de fuego. Hay escenas sumamente bien logradas como la de Aleyda en el rol
de una mujer rica que ostenta sus joyas, como algo que le da poderío ante la
vida, o de personajes creados por la imaginación de la escritora, un cura
(Cancino) con una beata (Gallardo) quien en la gula encuentra un modus vivendi.
Tania Viramontes se luce en la
conversación telefónica que sostiene con la amiga que la pone al tanto de los
chismes, o cuando le tiene conmiseración a una pordiosera (de nueva cuenta
Aleyda Gallardo interpretando con gran soltura) en el cuadro intitulado “La
sucia”.
“Pita Amor conciencia turbada” es un
espectáculo respetuoso que sabe trazar la cartografía de una artista,
apoyándose en una sensible dirección de Mario Ficachi, a su vez autor del trazo
dramatúrgico, una adecuada escenografía de Arturo Nava, también
responsable de la iluminación y excelente diseño de vestuario de Cristina
Sauza.
En el programa de mano se lee la siguiente
reflexión de Carlo Coccioli: “Pita Amor es un ser distinto y no pertenece a
esta tierra. Bajó de algún cielo…” De ello deja constancia este montaje
estrenado el 7 de abril en el Teatro Coyoacán, y culminará su breve
temporada el 5 de mayo, con funciones, los miércoles, a las 20 horas.
Teatro
LA SOLEDAD SIEMPRE PERMITE ENCONTRAR LO PERDIDO
Por: Alejandro Laborie Elías
El teatro gay, tanto el que aborda el tema como el
hecho por los integrantes de esa comunidad, se caracteriza, al menos en la
Ciudad de México, por su mala calidad histriónica, la falta de rigor y la
carencia de una propuesta estética, sin embargo, siempre existirá la excepción
como es el caso de Last mar, de Carlos Valencia, bajo la dirección
de Aarón Hernández Farfán.
La
obra se puede resumir, si bien no en su totalidad, en una frase: “La soledad
siempre permite encontrar lo perdido”. Ant
es de entrar de lleno en la anécdota, cabe precisar
que el texto posee varias inconsistencias de estructura, es por completo
aristotélico, lineal y por tanto predecible en su desenlace.
Se
trata de un monólogo que incursiona por una multiplicidad de géneros, en el que
un hombre –homosexual- hace un recuento del amor y las razones que lo unieron
con alguien que no supo comprender y corresponder a sus sentimientos y la mala
pasada que el destino les jugó.
Hay
una crítica a la intolerancia de la sociedad con relación a la comunidad gay,
sin embargo, también hay una autocrítica hacia el interior de sus integrantes,
lo que le da un cierto valor sociológico al texto. El actor, el propio autor
interpreta su obra, se convierte en un narrador que va contando los pormenores
de la relación y en otras en un dialogador que intercambia algunas palabras en
forma directa con el público.
El
texto se debate en la frontera de la objetividad y la subjetividad del tópico
en cuestión, y por más que se trata de evitar pasa del romanticismo a momentos
de intensa cursilería. Sin embargo, hay partes dignas de reflexión como cuando
el personaje sostiene que “lo amaba por sus silencios…” y más adelante cuenta
que “tomaba nota de sus silencios…”, hay un trasfondo digno de un análisis más
profundo.
La
dirección de Aarón es bastante acertada, más si se toma en cuenta las
deficiencias del texto. Hasta donde le es posible evita la cursilería y, más
importante, que el actor caiga en la “jotería”, otro elemento común en el
teatro gay, a excepción del final de cabaret.
La
puesta en escena transcurre por varios géneros, clásico e híbridos; pasa por la
comedia, el melodrama y trastoca la tragedia. Explota el humor y por tanto
provoca ciertas sonrisas en el respetable así como lo visceral para llegar a la
parte sentimental.
Aarón
explota al máximo las posibilidades actorales de Carlos y lo lleva de menos a
más, apoyado con un video donde otro actor aparece -Waldo Facco-; una buena
musicalización y un vestuario mínimo: el actor en calzoncillos durante todo el
desarrollo de la puesta.
Con
relación al diseño del espacio escénico, también a cargo de Carlos Valencia,
este es poco menos que espantoso, eso sí, pragmático o, si se quiere, meramente
utilitario: recreación de una pequeña sala de la casa de una pareja gay. Los
diversos objetos tienen simbolismos, algunos abstractos y, en un fragmento
plástico, una coreografía, más vistosa que artística.
Un
texto y una puesta en escena realista, lo encomiable, a fuerza de ser
reiterativos, es que reivindica al teatro gay y es una buena oportunidad para
asistir a ver una obra que aborda un tema de gran actualidad y con una voluntad
que va más allá de lo comercial y de los convencionalismo espeluznantes que
normalmente ofrece la cartelera teatral de la Ciudad de México.
Last
mar, la historia de un amor y desamor, entre dos hombres, uno que se
entrega al máximo y otro que se aprovecha de los sentimientos de aquel, y la
fatalidad del destino entre ellos, se representa en el Teatro La Capilla, de la
Ciudad de México, los miércoles a las 20:00 horas.
Abril 2010
Teatro
LA CRUDA REALIDAD DE LOS MIGRANTESCENTROAMERICA EN EXPRESSO AL PARAÍSO
Por: Alejandro Laborie Elías
Mucho se habla de las injusticias que se cometen en los Estados Unidos en contra de nuestros connacionales que van en busca demejores oportunidades de vida y de trabajo, lo cual todos lamentamos, inclusive no pocos estadounidenses.
Sin embargo pasamos por alto lo que
padecen loscentroamericanos que vienen a la República Mexicana con las mismas intenciones o de paso rumbo al vecino país del norte y lo único que encuentran son
vejaciones, maltratos, explotaciones detoda índole y, más lamentable aún, la muerte.
Este
es el tema central que aborda la obra Expresso
al paraíso, escrita y dirigida por Jorge Celaya. La dramaturgia deeste autor se
caracteriza, fundamentalmente, por asumir con compromiso social y de denuncia diversos aspectos que aquejan a la sociedad mexicana, con la virtud de no caer en lo panfletario o
demagógico, sino la realidad desde un enfoque teatral, obvio, no para divertir sino para provocar
el conocimiento y erradicar ladesidia de la gente, si no en su totalidad, al menos de los que gustan de las artes escénicas.
Jorge
ha sabido no rebasar la tenue línea que
divide lo teatralde un documental –a sabiendas que este
género no existe en el teatro- y, con todas sus consecuencias, presentar y representar
temas delicados, de los denominados “intocables” o “incómodos”, claro para las clases
dirigentes o las autoridades encargadas de hacer realidad el estado de derecho en México.
Expresso
al paraíso se introduce en el tema de losmigrantes centroamericanos
y de forma cruda vemos cómo las mujeres son víctimas de la explotación, del abuso sexual, de laviolencia y de todo aquello que atenta contra sus derechos, hoy llamados
humanos-; de cómo los jóvenes, en ocasiones por causas del destino otras por voluntad
propia, se vuelven delincuentes, explotadores, “padrotes”, asesinos…
Un
aspecto importante, es que el dramaturgo no deja en el “cajón del olvido” la participación activa que tienen las autoridades, sean migratorias
–Secretaría de Gobernación- o las diversas
policías, quienes en lugar de salvaguardar las
normas jurídicas, son parte fundamental en el negocio en él que se han
convertido las necesidades de los centroamericanos.
La dramaturgia de Jorge, en general
y en este caso particular, es directa, no hay concesiones, si algo se le puede
cuestionar es el enfoque personal, pero nunca la veracidad de lo que narra en el
teatro.
Como
director apuesta por la palabra, en el
valor intrínseco del texto, del realismo de la temática y arriesga por un escenario
completamente vacío, lo cual en verdad no le ayuda mucho, sin embargo hay que
reconocer el valor para sumir el reto, ya sea porque así lo concibió o porque
como producción independiente no hubo recursos para una escenografía formal.
Jorge
convocó a un grupo de actores que se
entrega, denota un gran esfuerzo, pero como muy heterogéneo desde el
punto devista actoral. Un joven malo con
cara de “niño bueno” (Gerardo Abrin); una
prostituta caracterizada por un hombre –descontando su pobreza escénica- que
además hace un desnudo, en verdad ridículo e innecesario (Antonio Monroi); un
judicial más malo que el diablo, claro como actor (Hildeberto Maya) y una
joven, eje de la trama, que muestra algunas carencias histriónicas, pero potencialmente
puede dar más en el escenario (Maya Mazariegos). Por último, el propio Jorge
Celaya que es el único convincente.
El
título de la obra es por demás irónico, “expresso” por el papel protagónico que el
ferrocarril juega en el traslado de estos seres indefensos, algunos de los cuales encuentran la muerte antes de bajar de él, y, qué decir de “al paraíso”, un
sarcasmo, suponiendo que en verdad existe tal lugar, aunque sea después dedejar este mundo.
Expresso
al paraíso, interesante texto, no muy afortunada puesta en escena por
lo actoral no así por la propuesta de la dirección, realizará temporada en el
Teatro La Capilla, de la Ciudadde México, los lunes a las 20:00 horas, hasta el
1º. de noviembre.
Expresso al paraiso
Abril 2010
Benjamín Bernal
Para continuar con la misma obra, Expresso
al paraíso, les diré que me parece un poco kitsch, rara, grasosa, para
mostrarnos la turbiedad de ser marginal.
Ya de por nosotros mismos somos lumpen, más aún donde no sabemos ser fuertes, agresivos y con mala entraña. Tengo espacios limitados en los diarios, por eso se me pasó el tiempo sin poder publicar que La Capilla les representó un estorbo más que una ayuda. Deberíamos estar en redondo para sentirnos invadidos, cercanos, oler el sudor, el licor, no ver allá. Close up de lo que me debiera intimidar.
Por cierto el joven tiene cara de buena
persona (Abrin), me hubiera gustado alguien más recio, no creo en su movimiento
de “maloso”. El prostituto decadente (Monroi), perfectamente interpretado por un
hombre que permite sugerir el doble drama que vive. Actuar y dirigir, siempre
será un problema, pero, además sobre un texto (de Celaya) propio es un reto
sobrehumano, que a veces no cuaja.
El texto, bien, la chica Maya cumple
fielmente. La falla global es de dirección que no permite sufrir con ellos,
tenerlos a la misma distancia en los diferentes momentos y así invadirnos de la
falta de sentido existencial. No repito los datos de la obra porque ya lo hizo
Alejandro Laborie de manera puntual.
Merece que en otro foro reciba un
tratamiento más cercano a lo banda, pandilla, gang, que hacen referencia. Algo
así como el sótano de Arquitectura.
Buen esfuerzo, ojalá intenten algo más
fuerte en un foro distinto.
Teatro
USTED ESTÁ AQUÍ: UNA ANTÍGONA
CONTEMPORÁNEA
Por Perla Schwartz
Varias sillas blancas se encuentran
dispersas por el escenario, ahí se sientan alrededor de 60 espectadores, en los
espacios que quedan, el quinteto de actores desarrollará la obra “Usted está
aquí”, un inteligente y estremecedor texto de la autoría de Bárbara Colio,
texto que fue premiado con el Víctor Hugo Rascón 2009, el cual cuenta con la
puntual dirección de Lorena Maza.
“Usted está aquí” es una paráfrasis
de “Antígona” trasladada a la época contemporánea y el leif motiv es un
secuestro. Los pájaros han huido en bandada de Tebas, metáfora que nos
conduce de inmediato a la falta de libertad y seguridad en la gran Ciudad.
Ana García (una espléndida Zaide
Silvia Gutiérrez), sufre de sobremanera, su úncio hijo ha sido secuestrado,
ella se avocará a buscarlo contra viento y marea, para hacer conocer su verdad,
nada ni nadie la detendrá, ni siquiera su hermana Isaura (Karina Gidi) quien
será su cómplice hasta que sea menos que imposible.
A Ana no le importa que la maten,
antes de lograr su objetivo: “Una muerta no puede enterrar a su hijo.,”
Y como contrapunto, el político
entregado a su pueblo, encantador por fuera pero maquiavélico en sus
intenciones, interpretado con soltura por Rodrigo Murray.
“Usted está aquí” tiene los
trazos de una tragedia contemporánea, ciertas frases son dichas por el “coro”,
frases que son el contrapunto necesario para resaltar el desarrollo de la
trama, como cuando se cuestiona: “¿Y su cuerpo?”
La fe aniquilada, la creciente
desesperación, así como la contaminación ambiental son elementos que flotan
como custodios de un hecho tan violento como un secuestro. Existe un presunto
culpable un ex policía (Juan Carlos Rodríguez), existe el “cebo” que indujo al
secuestro, una prostituta (la novel Patricia Franco), el asistente del político
(el siempre eficiente Miguel Conde) y por supuesto los medios de comunicación,
que al mismo tiempo, magnifican el hecho y lo maquillan, según sea su
conveniencia.
Lo cierto que la obra de Bárbara
Colio retrata una ciudad en crisis, que se resquebraja y que nadie puede
evitarlo, es significativa la siguiente frase de Ana García: “Yo soy la ciudad
entera, yo he puesto a los muertos.”
El montaje es redondo, una buena
dirección, un texto sobresaliente, un conjunto de intérpretes de primer nivel,
su primer temporada finalizará el próximo 17 de abril en el Teatro Benito
Juárez y ésta será retomada a partir del próximo 6 de mayo en el Teatro El
Galeón del Centro Cultural del Bosque.
En suma “Usted está aquí” invita a
la reflexión , al tiempo que permite disfrutar de una puesta en escena de
primer nivel.
EL AMOR FURTIVO ENTRE UN HOMOSEXUAL Y UNA
AMA DE CASA ENTRABAJANDO UN DÍA PARTICULAR
Por: Alejandro Laborie Elías
Basada en Una giornata particolare, de
Ettore Scola, Daniel Giménez Cacho y Laura Almeda llevan a escena la historia
de un amor furtivo entre un homosexual y una ama de casa, bajo el título Trabajando
un día particular, adaptada, dirigida y actuada por este binomio que
representa en esta ocasión una de las parejas más consolidadas del teatro
nacional.
Ambos
prescinden de toda la parafernalia que puede llenar un escenario, para dar paso
al trabajo actoral en su sentido pristino, esto es, cuando el actor y actriz se
desnudan, desde el punto de vista teatral, frente al público y dejan
al descubierto todas sus capacidades y limitaciones para dar paso a un portento
de histrionismo, que no deja la menor duda, hasta en el más neófito, que el
teatro puede carecer de todo, menos de los actores.
Laura
y Daniel convierten el escenario en un espacio natural donde dos seres humanos,
cada uno con sus propios problemas, inquietudes e idiosincrasias, se
desenvuelven en la Italia fascista de Mussolini –la obra inicia
justo cuando la radio anuncia el arribo de Hitler a Roma, entre vivas de los
integrantes de las filas ultraderechistas- y como trasfondo de la anécdota hay
una crítica a los conservadores más radicales, ya que el personaje masculino ha
sido despedido de su trabajo por sus preferencias homosexuales.
El
realismo del que está impregnado el montaje es impresionante, acompañado de un
naturalismo –salvo pequeños detalles-, que obligan a ambos a asumir un reto que
sólo dos personas como ellos, con indiscutibles talentos artísticos, se
atreverían a afrontar, más cuando no tienen nada que demostrar y menos por qué
arriesgar.
Es
tan natural la propuesta que cuando los espectadores ingresan a la sala, se
encuentran con Daniel y Laura. Los dos cambiándose su ropa de calle por el
vestuario de la obra y platicando entre ellos o con el público. Pareciera que
no está a punto de dar inicio la función y es medio desconcertante
verlos en esa actitud. No hay llamadas, la
función simplemente inicia y así termina.
Dos
personajes que se desenvuelven en sus respectivos departamentos. Una cotorra
que escapa de su jaula, será la causante de unir el destino de estos dos seres
que pasan por momentos de depresión, uno más que la otra, y los llevará a
compartir sus estados emocionales, algunos pormenores de sus respectivas vidas
y…
Laura
es una mujer que nació para el teatro, vive para y en el escenario. Posee un
estilo innato y su desenvolvimiento es tan natural que da la sensación que no
está actuando, si se permite la expresión. Aún cuando ella confiesa que nunca
será directora, el trabajo de codirección que realiza con Daniel es
insuperable, no menos importante su labor en la adaptación.
Por
su parte, Daniel es un actor que ha incursionado mucho en el cine y a pesar de
eso no ha perdido su ubicación escénica. En esta ocasión se ve tan natural –a
fuerza de abusar del término- que al igual que Laura, provocan la
sensación de ser dos seres de carne y hueso que interactúan en un determinado
espacio, espiados por los espectadores, y no de dos caracterizaciones.
Por
si fuera poco, en forma conjunta van creando la escenografía a la vista del
respetable. Sólo requieren de una tiza (gis) y la superficie negra
de las paredes que los rodean para que “aparezcan” ventanas (que inclusive se
abren), un espejo, un teléfono, una jaula, un timbre, una lámpara… Complementan
su trabajo en la creación de la atmósfera una serie de sonidos onomatopéyicos
para identificar el timbre de la puerta o del teléfono.
En
concreto, Laura y Daniel van bordando un telar de lujo, que es lo que
convierten el escenario –si se acepta la metáfora-, a través de un trabajo
fino, exquisito; cada movimiento, cada palabra, cada gesto, cada desplazamiento
se convierte en un manjar que sólo los Dioses del Olimpo podrían haber
concebido. No es un tributo al teatro, es la esencia misma del teatro hecha
realidad.
Trabajando
un día particular se representa en el teatro El Milagro, de la Ciudad
de México, los jueves y viernes a las 20:30, sábados a las 19:00 y domingos a
las 18:00 horas.
Abril 2010
Teatro
LA VIOLENCIA E IMPUNIDAD QUE PADECE EL
PAÍS EN
USTED ESTÁ AQUÍ
Por: Alejandro Laborie Elías
La República Mexicana es presa de una ola de
violencia, misma que, lamentablemente, se ha vuelto algo cotidiano para la
mayoría de los ciudadanos, lo cual ya es grave, más si le agregamos la
impunidad de la que gozan los delincuentes, gravísimo si éstos forman parte de
los cuerpos de seguridad, llámese policías, judiciales o militares.
Bárbara Colio decidió llevar el tema al
escenario a través del texto intitulado Usted está aquí, en él que
aborda el caso de un joven que es engatusado por una muchacha, quien con
engaños lo lleva a un lugar donde esperan los secuestradores y que termina en
uno más de los tantos asesinatos que se cometen diariamente.
El caso, aún cuando no se menciona en la
obra, no es otro que el de la familia Wallace, que se difundió a nivel nacional
–inclusive tuvo repercusiones internacionales-, en el que la madre del joven
tuvo que hacer sus propias investigaciones, invertir un suma de dinero
considerable para pagar promocionales y espectaculares con la finalidad de
encontrar a su hijo y una vez convencida de su muerte, tratar de recuperar su
cadáver, al menos sus restos mortales.
Pareciera que ya vendimos por completo la
trama, pero desde el inicio de la puesta en escena ésta es evidente. Entonces
surge la pregunta: ¿Cuál es el interés en asistir a verla? Lo interesante,
además de lo bien escrito que está el texto, son las disertaciones que se
llevan a cabo y dejan en el espectador una serie de cuestiones para la
reflexión posterior, más cuando el caso se presenta en forma sintetizada y sin
tantos rollos, prejuicios y suposiciones como se hace en los medios de
comunicación.
Verdaderos enfrentamientos entre la madre
abatida y el gobernante que cuida su puesto y reputación; enfrentamiento en esa
mujer y su familia que la ve ya como una loca que arriesga todo por la ya
perdido; la explicación de la muchacha involucrada por su ignorancia y
necesidad y otros más que enriquecen la puesta.
Bárbara no emite un juicio a favor o en
contra, plantea hechos y las posturas que cada una de las partes puede asumir
de acuerdo a sus intereses, no forzosamente para aplicar la ley y que se haga
justicia. Una obra que se aparta del amarillismo que normalmente impregna estos
casos para asumir una postura de reflexión, que reta a la inteligencia sobre el
deber ser y el ser con relación al estado actual del derecho en México.
Pasando al montaje, éste está a cargo de
Lorena Maza -quien estuvo un poco alejada de la dirección escénica por
desempeñarse como funcionaria cultural en la UNAM- que derrochando creatividad
se apartó de los convencionalismos para instalar al público en el escenario,
colocado en sillas distribuidas en forma anárquica. Los actores transitan, se
desenvuelven a centímetros de los espectadores, los miran, los tocan, hablan
con ellos. Los clímax se sienten, se viven, se sufren… directamente, pareciera
que no se está en un teatro sino asistiendo a una tragedia en tercera
dimensión.
Las actuaciones corren a cargo de Zaide
Silvia Gutiérrez, Karina Gidi, Rodrigo Murray, José Carlos Rodríguez, Miguel
Conde y Sonia Franco. En verdad un equipo extraordinario, todos derrochan
talento en un trabajo de grupo. Sin embargo no se puede dejar de destacar la
labor de Zaide Silvia, realmente impresionante, y de Karina, quien cada día
muestra que a pesar de ser una mujer joven está más que consolidada en el
teatro mexicano.
La historia se desarrolla en la ciudad de
Tebas –denominación dramatúrgica para la Ciudad de México, porque
por las razones que sean, no se le menciona por su nombre-; una metáfora sobre
unos pájaros que un día, sin aparente causa, abandonan el sitio
–éxodo que representa el temor a la violencia en carne propia- y el
cuestionamiento a las leyes tebanas. Está por demás explicar la analogía entre
ambas urbes.
Usted está aquí, producción del Sistema de Teatros del Gobierno de la Ciudad de México y la
Coordinación Nacional de Teatro del INBA, se representó por sólo cuatro semanas
en el teatro Benito Juárez de la Ciudad de México, con una gran aceptación,
ahora esperar suerte en busca de un nuevo espacio.
Abril 2010
Teatro
EXPRESSO AL PARAÍSO: DE MIGRANTES EN EL
PURGATORIO
Por Perla Schwartz
Buscar nuevos derroteros en la vida
no s tarea fácil y menos aún para un grupo de migrantes indocumentados, cruzar
la frontera es una tarea penosa, un auténtico acercamiento al Purgatorio, al
menos así lo plantea de modo contundente, sin ninguna concesión el dramaturgo
sonorense Jorge Celaya en su obra “Expresso al Paraíso”, la cual tiene
temporada, los lunes en el Teatro La Capilla.
Él sitúa la acción a las orillas
del Río Suchiate, en el entrecruce de México y Guatemala, cerca de los rieles
del tren que continuamente es atacado por los Maratruchas, él se vale de pocos
personajes para desarrollar una historia imbuida de realidad, donde la
violencia tanto física como emocional son los principales ingredientes.
Laura es un travesti salvadoreño
(alternan funciones Antonio Monroi y Benjamín Barrios), ella se robó una
niña, la cual extravío en el camino por su deseo de ser madre, el destino la
llevó a convertirse en una prostituta venida a menos, con la pata chueca
porque fue herida por un Mara.
Laura ya no tiene ilusiones en la
vida, pero sigue al pie de lucha. Ella se hace amiga de otra “mojada” Angélica,
de origen guatemalteco (una Maya Mazariegos, a quien le hace falta imprimir
mayor emotividad a su interpretación).
Angélica y Laura, con alguna
frecuencia maquillan con sorbos de alcohol su desolada circunstancia. Y
junto a ellas, el policía alcohólico (Hildeberto Maya con una actuación
convincente) y dos maras, el joven (Gerardo Abrín) y el jefe (Jorge Celaya, con
una caracterización que acerca a un ser incontrolable en su afán de violencia).
Apenas aquí, mínimos trazos de “Expresso
al Paraíso” una obra, escrita, dirigida, actuada y producida por Jorge Celaya.
Él se vale del espacio vacío, una adecuada iluminación y fragmentos musicales
bien elegidos, para introducir al espectador a todo ese cúmulo de sueños
truncos de los ilegales, quienes migran a la búsqueda de mejores expectativas.
Teatro hecho con mínimos recursos
económicos, pero con gran profesionalismo, tendrá temporada hasta el próximo
primero de noviembre.
Héctor Suárez Gomiz, joven maestro del
Stand Up
Benjamín Bernal
¿Qué es stand up? Así denominan a un
monólogo divertido, recordamos a Lucho Navarro, Polo Polo, Adal Ramones y a
nivel mundial aseguran que la cumbre es Bill Cosby, usan el micrófono para hacer ruidos y así
lograr una segunda escenografía, al cumplir 200 funciones El pelón en sus tiempos de cólera,
develaron placa Rafael Inclán, Arath de la Torre y Consuelo Duval, que son
antiguos amigos del hijo de Héctor Suárez.
El tema que aborda en un
70% es su relación con Pepita Gomiz -Tele kínder- su mamá, y el actor que decía Qué nos pasa. O sea,
esta de moda desnudar el alma frente al público, salpimentando con frases
tremendistas, lenguaje grueso, revelaciones sobre la personalidad del que bebe,
la personalidad quiza muy suave de su progenitora, que tenía problemas graves
con su marido, pero reconciliaciones felices.
Asegura Héctor junior "No más de diez
personas entendían a Einstein", entonces ¿de qué nos preocupamos? La risa
es tan benéfica para la salud, como hacer el amor;
diagnostica: hay personas que sufren de frigidez ante sus chistes, lo que es
peor que ser eyaculadores precoces (todavía ni habla y ya se estan carcajeando)
setenta por ciento de las familias son disfuncionales (eso es lo normal) las
parejas que siguen casadas muchos años son la minoría, por tanto hoy dia, son
los anormales. Antes te prevenían, “no te juntes con es niño, es hijo de
divorciados”, ahora debería ser al revés. Cincuenta por ciento de los
matrimonios acaba en divorcio, realmente todo ha cambiado, hay que correrle al
matrimonio.
Una celebración en la que esten Rafael
Inclán, Arath de la Torre y Consuelo Duval debe acabar en fiesta, y así fué,
pues hubo imitaciones, chistes, referencias a lo que pasa en las camionetas que
usan de camerino, ya que Suárez ha sido compañero de filme de Inclán, con Arath
lo mismo. Y sobre Consuelo asegura que no se arreglaba, pero le lanzó los canes
y estaba junto a Héctor Suárez padre cuando le sugirió a que se arreglara más,
lo que ha cumplido toda su vida.
Festejamos las muy divertidas 200 funciones
en el Hotel NH,aproveche,
esta semana el grupo OCESA tiene
ofertas en todas sus obras, vea su página,www.mejorteatro.com.
Buen texto del mismo actor, en el que se
aprecia un desenvolvimiento de alto nivel, curiosamente, la dirección es de su
padre, con sólo una silla, micrófono y toallitas a granel. Quizá abuse del
volumen del micro, pero, salimos muy relajados por el pasón hilarante.
Todos eran mis hijos:
Exposición de cuerpos fragmentados
Por Mariana Jano
Joe, de espíritu inalterable, tiene cerca
de 60 años, trabajó en una fábrica de piezas para armamento durante la 2da
Guerra Mundial. Ahora en bonanza económica, sigue dedicado a los “negocios”
vive al lado de su esposa e hijos en Estados Unidos. La situación se altera
cuando Ann, ex prometida de su hijo Larry, llega a visitarlos, pero ahora
enamorada de Chris, otro hijo de Joe, destapando una miseria moral difícil de
permanecer más tiempo oculta.
“Antes solíamos pegar un par de tiros al
hombre que se portaba como un perro, -dice Chris (Mario Loria), pero ahí había
un honor, se estaba protegiendo algo. Pero ¿aquí? Esta es la tierra de los
grandes perros. Aquí no se ama al semejante sino se le devora.”
Intensos, fuertes, los personajes
de Todos eran mis hijos de Arthur Miller están unidos entre sí
pero tienen varias fracturas en su interior.
De noche a obscuras Kate, (Diana Bracho,
no en vano dirigida por Arturo Ripstein y Felipe Cazals) esposa de Joe, se la
pasa en vela esperando a su hijo Larry, quien para los demás murió en la
guerra; pero no hay cadáver ni tumba. Kate no puede vivir en la fragilidad
porque tiene a su cargo la estabilidad emocional de su familia con quien
comenta moda de alta costura y a quien ofrece jugo de uva.
Así son las cosas en el seno de una
familia ‘ideal’ en las afueras de una ciudad norteamericana en un cálido jardín
protegido por esos altos olmos plantados con reducidos intervalos bordeando a
derecha e izquierda como lo planteó el autor originario de Nueva York y
no precisamente como aparece en la escenografía del Teatro Helénico (donde se
exhibe la obra programada hasta abril) con un solo manzano caído; y sin embargo
la casa da esa sensación de pulcritud y comodidad acompañada por el típico
pasto verde.
Estrenada la noche del 29 de enero de
1947, año en que se sitúa la acción Todos era mis hijos permaneció
en cartelera durante casi un año y obtuvo en ese entonces el Premio de Círculo
de Críticos de Teatro de Nueva York
“¿Qué cuernos es la moral?”
Se pregunta Miller, mientras da énfasis a
la ética, a la toma de decisiones, a la responsabilidad del individuo hacia los
demás, a la sabiduría, al autoconocimiento personal denunciando a las empresas
que se enriquecen con la guerra y de paso criticando a los valores impuestos
por la sociedad de consumo.
Joe, el protagonista que queda al punto
con Fernando Luján, carece de una ética propia ya no de los místicos sino de la
normalidad; es decir, está lejos de ese impulso de renovación que coincide con
el arranque creador de la vida, aplicada normalmente –según Bergson, para
conservar la forma social de la especie humana.
Ha sido espantoso –diría Miller en otra
obra, es extraño esto de tener que analizar las cosas en que uno cree (pero
aquí de manera pesimista) y no teóricamente, sino como cuestión de vida o
muerte. Muchas de esas cosas no resisten la prueba.
Por su parte Ann (Silvia Navarro) se
enfrenta a sus propios problemas axiológicos como el de la posibilidad de
pertenecer a la familia que destrozó a su padre…
“Quiero que mis hijos oigan. Que se den cuenta de qué
tronco descienden”
Arthur Miller aún pelea con Tennesse Williams el título del
mejor dramaturgo norteamericano del siglo XX. Produjo obras casi en todos los idiomas
y su teatro en la actualidad siempre ocupa un lugar en las principales
marquesinas del mundo, en Brodway por ejemplo,Todos eran mis hijos, está
considerada como la obra no musical más exitosa.
Entre las características de su obra,
está su coherencia ideológica. Su trabajo cosechó gran cantidad de premios
durante su vida, entre ellos el Pulitzer en dos ocasiones y el premio Príncipe
de Asturias de las letras en 2002 por el conjunto de su obra.
Quien nació en Nueva York un 17 de octubre de 1915 y
falleció en Connecticut a los 89 años, venía de una familia de
inmigrantes judios polacos. Su obra en buena parte es autobiográfica, como en
la que ahora comentamos. Mientras unos se enriquecen por circunstancias del
país otros se empobrecen; su padre por ejemplo, un próspero fabricante de
abrigos cayó en la ruina debido a la Depresión del 29, por lo que tuvo que
trabajar para costearse sus estudios de periodismo y pasó de vivir en
Manhattan a Brooklyn.
Su suerte cambió otra vez pero no con Un hombre
con mucha suerte obra que se presentó sólo 4 veces, sino con Todavía
crece la hierba comedia premiada varias veces. Pero la obra que lo
consolidó definitivamente fue La muerte de un viajante (de
indispensable lectura) escrita cuando él tenía 33 años. En ella denuncia algo
mucho más hondo que los defectos y utopías frustradas del sueño americano.
Lo que vivió Miller, víctima de la “cacería de brujas”
que representó el Mc carthysmo lo plasmó en Las brujas de Salem.
Por lo menos otras 10 obras vendrían después como Vista desde el puente, Después
de la caída o Vidas rebeldes que escribió
expresamente para quien fuera su segunda esposa: Marilyn Monroe, en
compensación al hijo que perdieron juntos.
Todos eran mis hijos bajo la dirección de
Francisco Franco resulta una buena opción clásica y vigente en donde se
agradece al traductor Pedro Ortiz de Pinedo su versión en un acto (y no en
tres) obra de carácter y fuerza explosiva que contagia e invita.
Autor: Arthur Miller
Director: Francisco Franco
Con Diana Bracho, Fernando Luján
y Silvia Navarro entre otros
Teatro Helénico Av. Revolución 1500
Todo sobre mi madre, por fin, temas nuevos
Por Benjamín Bernal
Todo sobre mi madre
En el teatro de los Insurgentes puede usted ver la versión
teatral del filme de Almodóvar que ganó el Oscar en 1999, da un enfoque nuevo
para ese tema que inquieta al mundo. Quizá usted conozca la trama: una familia
high tiene una hija, ella llega a tener romance con un travesti, eso de por sí
implica algo llamativo, pero hay más, ella es voluntaria que presta servicio
social gratuito dentro de comunidades de religiosas. Una segunda subtrama habla
de otra familia, típicamente española ultra católica en la época del destape.
Se llevan la palma: la finísma dirección de Francisco Franco y escenografía de
Jorge Ballina -quien ganó premio de APT hace un par de años-
Mención aparte merece la utilización de Un Tranvía Llamado Deseo, que sirve
de vínculo para las diversas personas, familias, grupos que van apareciendo. La
religión era más respetada en la España de Franco, durante el destape queda
como un arcaismo, actualmente los acontecimientos diarios van derruyendo las
estructuras humanas que le sostenían, si a esto le sumamos los prejuicios y
odios sociales hacia quien es diferente, vemos que los temas del siglo XXI son
esas conductas discriminatorias, como en Gorda, la obra del Fernando Soler, o
Agosto, en el San Rafael, donde vemos que no hay familia que no guarde múltiples
secretos, algunos de ellos mueven la psique y les desquician.
El elenco es de primera, recomendamos disfrutar y analizar a cada uno por
separado: Margarita Gralia tiene una evolución profunda durante las más de dos
horas de la obra. Ana Claudia Talancón, quien al provenir del cine siempre será
analizada aparte, pero demuestra que puede. Lisa Owen da respuesta puntual a
las emociones que se van intensificando a lo largo de los minutos. Llueve en
escena simbolizando la soledad y tristeza de cada uno. La Gralia, por momentos
me recuerda a Ofelia Guilmáin, dura, señorial, lo mismo que afectuosa.
El texto es de Samuel Adamson, completan el elenco el/la travesti
Alejandra Bogue, desenfadada y llena de desparpajo; Ilse Salas, Silvia
Mariscal, de excelente desempeño todos. Es un trabajo redondo, además del tema
inquietante, propuestas tremendista, que ya ha sido tratado en nuestra
dramaturgia, recuerde usted a González Dávila, quien en De la Calle traza una
idea audaz, la búsqueda del padre, que llevó al actor Roberto Sosa a dejar un
trabajo trascendente. Dirigía Julio Castillo, cuando el tema de los travestis
todavía era rechazado en las clases medias y altas. Hoy pueden ir al
Insurgentes, pero bajo el aval de Almodóvar. No quita mérito a este trabajo,
demuestra si, que ya puede usted oler a Chanel y hablar de la sexualidad oculta
de... los famosos, porque en la familia, para nada.
Teatrikando
Zoot Suit
· Se estrena cuando en Arizona hay un brote fascista anti inmigrantes
· A los gobernantes digo: ! Watcha Bato¡
BENJAMIN BERNAL
Llega 30 años después de que conmueve a los Estados Unidos esta propuesta
teatral y cinematográfica de Luis Valdez, que gana en 1982 el Globo de Oro a
mejor filme, que tuvo mucho éxito en nuestro país, lejos estábamos de que se
pensara en traerla a México, menos aún que fuera la Compañía Nacional de Teatro
la que tomara el proyecto.
Esta basado en un caso real, en un paraje denominado Sleepy Lagoon hay
acontecimientos sangrientos que se imputan a unos jóvenes pachucos, cuyo máximo
pecado es ser latinos y vestir Zoot suit (pronuncian sut-sut) Además de ser
rechazados por su país, no son bienvenidos en Norteamérica, lo que les hace
doblemente vulnerables y marginales en todo el planeta.
La propuesta de Luis Valdez es presentarnos en forma de musical la serie de
eventos que les lleva a la cárcel, donde recibirán un juicio abusivo que no
debe asombrarnos, pues el mismo dia estaban liberando a Teresa González y
Alberta Alcántara tras cuatro años de injusta prisión, pero que tenían
sentencia por 21 años; tampoco sería sorprendente que hubiera acusación
indebida contra las nanas de Paulette, por el solo hecho de no gozar de abogados
caros.
La acción inicia en septiembre de 1939, la prensa da cuenta de un
acontecimiento en un barrio latino, toman acción en contra del que tienen a la
mano, le cargan todas las culpas y empieza entonces un proceso que provoca
indignación en el espectador. El telón que nos recibe es el Herald Express. La
estética y la música son anteriores al rock y todo lo que nos gusta,
menudo, marichis, danzón.
Enrique Arreola es el espectro- extraña presencia- duende-pachuco que
dialoga con el personaje central Everardo Alzate (Henry Reyna) sin duda, es de
lo más memorable para mi colección de personajes míticos de la dramaturgia.
“No es su país” sin embargo esos jóvenes quieren ir a la guerra y volver
como héroes, paradojas que provoca la propaganda bélica, se habla del enemigo
japones, viajar a Guadalcanal, si, esos braceros mexicanos, en ese momento todo
pachuco es acusado de fascista (vaya incongruencia) Nos dan un glosario
pachuco, “no quiero verme todo square”, chicano style, guacha bato, chale, qué
pasones con ostiones, buti trili, jaina.
Ustedes son mexicanos, me-xi-ca-nos, les grita el padre de la familia. Esa
es una característica latina, adonde quiera que vayan no se pierde
la unión, el origen, somos parecidos al muégano, aunque internamente hay
envidias, celos y agresión. Bailan varios danzones, tropical, Mari-mari-guana
boogie. El sistema judicial les echa en cara: ustedes andaban encuerados,
cuando les llegamos a enseñar el american way of life. Hay chicanos que
cambian su apellido de González a Williams, pues así se dan más “clase”
Chirimías y tambores acompañan la elevación del espectro-pachuco. Pero
todavía no es el final, hay un epílogo. Así podemos afirmar que tenemos un
excelente año teatral, en que la compañía Nacional de Teatro logró ser oportuna.
Arizona propuso una ley fascista y de eso es culpable; pero nuestros gobiernos
han dejado en evidencia su incapacidad para crear empleos, educar a nivel
mundial, dejando así que cada mexicano se rasque con sus propias uñas, envez de
tutelar al ciudadano de la cuna a la tumba. ¡Watcha Bato¡
EMOTIVO HOMENAJE A NELLIE HAPPEE CON LA
PUESTA EN ESCENA DE CARMINA BURANA Y ¡ESQUINA BAJAN!
Por: Alejandro Laborie Elías
La coreografía de Carmina Burana fue el marco para el
emotivo homenaje que se le rindió a la maestra Nellie Happee, con motivo del 60
aniversario como artista y 80 años de edad, ante un lleno casi total en el
Auditorio Nacional, donde el público la ovacionó en varias ocasiones en
reconocimiento a su talento, entrega y aportaciones a la danza mexicana.
Como en todo homenaje no podían faltar los
discursos de las autoridades convocantes, como fue el caso de Teresa Vicencio
Álvarez, directora del Instituto Nacional de Bellas Artes, quien al referirse a
la maestra dijo que "se ha distinguido por ser una artista observadora de
sí misma, puntual y exigente, cuyas enseñanzas nos recuerdan que 'más vale
perderse en la pasión que perder la pasión', palabras suyas que definen
cabalmente su desempeño profesional como intérprete, maestra, creadora y directora
de compañías de danza y coreógrafa".
El homenaje se celebró como parte de los festejos del Día Internacional de
la Danza, fecha que aprovechó la maestra María Cristina García Cepeda,
Coordinadora Ejecutiva del Auditorio Nacional, para entregarle a Nellie la Dalia de Plata, reconocimiento que se confiere a los artistas cuyas
presentaciones en ese recinto constituyen una especial aportación a la vida
artística y cultural de México.
La función abrió con la coreografía ¡Esquina bajan!, apoyada con géneros musicales de corte urbano, tales
como el tango, paso doble, mambo, bolero, entre otros, de destacados
compositores como Agustín Lara, Alfredo Gil, Dámaso Pérez Prado, Alberto
Domínguez, Aniceto Díaz...
Los integrantes de la Compañía Nacional de
Danza, mostraron su versatilidad y crearon alegorías de esos bailes con los que
la maestra Happee rinde un homenaje a la Ciudad de México que tanto añoran
nuestros padres y abuelos. Además, hay que añadir que no se trata sólo bailes,
hay una dramaturgia y cada cuadro narra su propia historia.
Llegó el momento que convocó a la mayoría de los asistentes:Carmina
Burana, de Carl Orff, dirección
escénica de José Solé, diseño de escenografía y vestuario de Antonio López
Mancera (q. e. p. d.), dirección musical de Juan Carlos Lomónaco y los
cantantes Lourdes Ambriz (soprano), José Luis Ordóñez (tenor) y Guillermo Ruiz
(barítono). Talento de sobra, de ahí el resultado.
El cuerpo de baile estuvo encabezado Jaime Vargas, Sandra Bárcenas,
Agustina Galizzi, Blanca Ríos, Raúl Fernández, Harold Quintero y Erick
Rodríguez, quienes con el resto de la Compañía Nacional de Danza hicieron del
lenguaje corporal un acto puro de estética, una obra de arte netamente
mexicana.
No menos relevante fue la participación de los cantante ya mencionados, los
tres hicieron de sus voces un himno con las letras de esta obra, apoyados con
las imponentes notas surgidas de la obra más significativa de Carl Orff.
El maestro Lomónaco dirigió a la Orquesta y al Coro del Teatro de Bellas
Artes en forma magistral, Cabe reconocer que el espectáculo -en el sentido
prístino del término- fue impresionante, porque conjugar a tantos elementos de
diversas disciplinas no es tarea fácil, por fortuna todo funcionó con la
precisión de una maquinaria de reloj.
Merecido homenaje a Nellie Happee, quien a sus ochenta años de edad, tiene
una lucidez digna de envidia, una fortaleza de jovencita y una textura facial
que demuestra que la actividad creativa conserva a quien se dedica a fortalecer
el espíritu, en este caso mediante el cultivo del arte. En hora buena y
felicidades MAESTRA Nellie.
Abril 2010
Columna Teatrikando
XV años de entregar premios: ACPT
Por BENJAMIN BERNAL
¿Pues qué creen? Fui a la premiación de la
Agrupación de Gustavo Suárez, que ya saben, por algun problema salió de APT
hace quince años. Como cada mes de marzo lo hizo en el Teatro Diego Rivera, de
las calles de Versalles. Llegué muy temprano y no dejaban entrar, entonces, me
fui a un restorán cercano, regresé a las nueve diez, entré y todavía faltaba.
Eduardo Narváez condujo junto con Sugey Abrego, eficientes y con experiencia en
estas ceremonias. No hubo programa de mano, así que es posible reproduzca mal
algún nombre o quizá lo omita.
Cumple quince años la entrega. Sally de Perete
tiene una aparición por ahí y explica “No es culpa nuestra que las estrellas no
lleguen” Inician dando un premio al Mago de Oz, Gerardo Quiróz no estuvo. El Teatro
estudiantil recibe una presea, lo recibe Arturo Amaro. Uno de los niños de la
Novicia Rebelde sube a recibir reconocimiento. Oscar Carapia llegó a recibir el
premio para teatro musical amateur, él asegura que forma mejor que las
televisoras.
El
mejor prublirelacionista es el Chato Cejudo, quien trabaja con Carmen Salinas,
ella no se presentó, Maribel Guardia es reconocida por su trabajo en
Aventurera. Germán Gastelum por cumplir 25 años en la actuación. El premio para
dama de la escena es asignado a Lucy Tovar.
El galardón de Silvia Pinal lo recibe Otto Sirgo, ya que ella esta trabajando
y en campaña política por la ANDA. Ana Bertha Espín al ser laureada ( Hasta que
la boda nos alcance) menciona “la cultura es lo último para los políticos” Son
llamadas a recibir el reconocimiento por entre Mujeres y de inmediato acude
Anna Ciochetti, más tarde llegará Jacqueline Andere, pues estaba grabando
telenovela.
Revelación en muscial es Ricardo Fernández,
del Show de Terror de Rocky. De la misma obra es reconocido Antonio Escobar por
su trabajo en el rol central. A Rosalía Buaun por su elevado puesto que acaba
de recibir en la asociación de Locutores Hispanoamericanos.
El premio Enrique Rambal, mejor actor, es dicidido
a favor de Héctor Bonilla, quien esta dejando profunda huella con “Yo soy mi
propia esposa” y el de Monólogo es para Ernesto Laguardia por El tiempo vuela.
Se otorga la mención para Ensamble para Entre Mujeres, acude Rebecca Jones. En
tanto la presea para opera prima como directora es para Alma Muriel El show de
terror de Rocky.
Isabel Quintanar recibiría el premio por el
Festival Amantes del Teatro. Thelma Dorantes por tres años de “Tenías que ser
hombre” y 37 de vida en escena. Por Yo soy mi propia esposa, recibe
reconocimiento Lorena Maza, menciona Guillermo Wiechers que de 129 funciones,
126 han sido de pie, eso expresa mucho, sin duda.
Jorge Neri ha dirigido 72 musicales, lo
entrega Wanda Seux. Otra estatuilla es para Mario de la Reguera, de sólida
carrera profesional en el periodismo (viva el poder jarocho) Por el ensamble de
primeras actrices sube Ariel Bianco, esposo de Margarita Gralia, lo dedica a
Ruben Lara y Pepe Solé. Otro diploma para un municipio se queda pendiente
porque no llegó el funcionario. Por coactuación en Musical la carismática
Olivia Bucio, no estuvieron Kika Edgar por la misma obra. Lisardo por Novicia
Rebelde tampoco llegó. Si estuvo la primera actriz de Claudia me quieren volver
loca, es Andrea Noli. Para Morris Gilbert por Mentiras, lo recibe el autor
López Velarde. La obra del año es Todos eran mis hijos, lo recibe Jorge Ortíz
de Pinedo. El mejor musical extranjero es Mamma Mia ¡ No hubo números
musicales, ni intermedio. Al finalizar el teatro mostraba gran cantidad de
butacas vacías, realmente hubo notables ausencias, ni modo, hacerla en el
miércoles anterior a la semana santa le implicó altas dificultades y no se ve
que tenga equipo de trabajo o algunos otros periodistas a su lado. Felicidades.
Teatrikando
Por Benjamin Bernal
* GORDA
Durante las semanas que México vive una experiencia Surrealista, el
extravío de Paulette, y después las desconcertantes declaraciones de quienes
intervienen en el caso, vemos realmente poco teatro, por las vacaciones de
abril. Di clases en el CECS, periodismo, Giovanni Sartori era el eje, con su
libro Homo videns, era el anuncio de una persona manejada, centrada,
influenciada por los medios. Ahora estamos en la era del Homo Geek (fascinado
por la informática) donde empezó todo lo mediático en Facebook.
Bueno, pues vi, Gorda, obra que pudo llevar a escena Eugenio Derbéz, pero
se la ganó el grupo donde trabaja Morris Gilbert; Fat Pig de Neil Labute me
resultó divertida, interesante, aunque hicieron tanto ruido a la actriz hispana
Mireia Gubianas, chica que ya había cumplido con ese rol en España y Argentina.
Lo hace bien, es agradable, sin embargo, se ubica dentro de los estándares que
vemos cada semana. Pero en esa misma obra Héctor Suárez Gomíz deja una fuerte
impresión por su sincero trabajo, con enorme variedad de tonos e intenciones.
Juán Carlos Barreto es eficiente, aunque le veo fuera de dad, ya que son muy
llevaditos y no pienso que se pudiera vivir así, siendo de distintas década,
Barreto se ve de 50 y Suárez de 30.
Buen texto, eficiente dirección de Daniel Veronese, a quien ya conocemos
los amantes del teatro, pues esta en escena “Mujeres soñaron caballos” si, lo
mismo que el autor se atreven a temas distintos e inquietantes. Se puede ver en
el Fernando Soler del Centro Teatral Manolo Fábregas de la colonia San
Rafael.
* Mario, buen
experimento
“Mario” es una obra de Emilio Merrit,egresado del CUT, ha reunido anécdotas
inquietantes y divertidas, acerca de la sexualidad de siempre, pero
que ahora se puede ventilar con mayor difusión. Antes se hablaba del
triángulo amoroso, ahora de pareja abierta; el divorcio hoy es exprés y ya no
cimbra a nadie; ¡soy gay¡ ( ah si, ni lo parecías…) esta a punto de ser lugar
común; en este caso, están cuatro chavas esperando a alguien en un parque, cada
una tiene un secreto, que poco a poco se enreda más. Entre Mujeres, reunión de
viejas chismosas, hablaba sobre todo lo prohibido hace 25 años.
Sexualidad, infidelidad silenciosa, hasta lesbianismo en un colegio católico,
abrió la puerta al feminismo teatralizado, confesiones de mujeres, chippendale
a cada momento.
Las actrices son Carmen Sarahi, Helena Guerrero, Arancha, Pilar Couto,
egresadas del Cea y del CUT, ellas, con una dirección efectiva pueden mantener
nuestra atención por hora y media, son guapas, pero no radica en esta cualidad
lo atractivo del montaje, sino en que es entretenida e introduce varias
sorpresas. Esta en el Wilberto Cantón, cada miércoles a las 20
horas. Es de las pocas obras que no cae en lo retro, revivir momias
del armario, extranjerismos forzados, afronta los problemas de nuestros
jóvenes, el México actual.
* Agosto, Maduro estreno
En el San Rafael asistimos a un reto gigantesco, mil butacas,
mantener el interés durante tres horas y dominar un elenco de primerísimo
nivel, han sacado calificación aprobatoria. En pocas palabras
narraré la trama: una familia con secretos por descubrir, el personaje de Lilia
Aragón pudiera ser la menos desubicada, se destruye sola, deja que los demás se
hagan pedazos, al menos su pecado no agrede a otros. Los demás derraman
amargura y soledad al estilo de Tenesse Williams.
El racismo es propio de Norteamérica, donde los 3 grandes, Williams,
Miller, Oneil, retratan el subconsciente enfocado al sur, donde negros y
latinos son poco estimados, en este caso, hablan de un indio piel roja.
Desconozco si en el original Tracy Letts, el autor que con esta obra gana el
Pulitzer, habla de ellos o de otra minoría como sirviente.
El elenco cumple sobradamente, Lilia Aragón, Blanca Guerra, Oscar
Bonfiglio, Arsenio Campos, Raymnundo Capetillo, Paco de la O, alma Escudero,
Raquel Garza, Verónica Jaspeado, Flavio Medina, Juan Navarro, Maria Renee
Prudencio y Sherlyn. Excelentes momentos de Lilia Aragón, al soltar puyas, la
soltura de la bella Sherlyn, Raquel Garza y su intensidad dramática. Bonfiglio
demuestra que es primer actor sin la menor duda; tiene buen desempeño por
escasos minutos Arsenio. Destaca la limpia dirección, el drama negro que bien
actuado y dirigido hace reir y congela el corazón, ¿de qué me carcajeo? estuve
volteando a mi alrededor, ¿la gente dormitaba? Para nada, mantienen atentos a
los asistentes, no se pierden una sola palabra. Estreno redondo.
* Silvia Pinal, se sacó el
tigre en la rifa
Ganó las elecciones Silvia Pinal, enhorabuena, nadie lo
dudó ni por un minuto. La ANDA necesita revivir, como siempre.
Columna Teatrikando
Pilar Villanueva inaugura foro alternativo
Por BENJAMIN BERNAL
Así como no queriendo ya estamos en abril y brotan varios monólogos, por la
escasez de presupuesto, antes era el reto máximo del actor, surgieron los
clásicos Diario de un loco, Bandera negra, El Gorila; María Douglas lo abordó,
recientemente Margarita Isabel, Rebecca Jones, Susana Alexander y Pilar
Boliver. Bien pues acabamos de inaugurar un nuevo foro, el Amilcar Vidal, en la
colonia Guadalupe Inn. Ahí se arriesga el grupo Apeiron Teatro, con la actriz
Pilar Villanueva, ganadora de varios premios de APT.
La técnica que aplica es la improvisación, aunque algunas partes de la
estructura llegan perfectamente preparadas, párrafos, poesías y situaciones en
las que se puede detectar el rigor. Se pide escribamos conceptos en papelitos,
los lee y va introduciendo palabras, momentos o referencias para que haya algo
distinto en cada función. No me acaban de gustar la musicalizaciones sobre la
marcha, por momentos se separan del contenido, voz, narración, aunque en
términos generales Griselda Ashari Martínez llena su función. Dirige Fernando
Martínez Monroy.
Se nota la cultura de Pilar, el ingenio para crear ilusiones e historias.
Recibe el recadito de un náufrago “no sabía que a los mensajes les gustara beber”,
“La jarana es una mascota que le gusta que la rasquen”, “hizo su sotana para
que lo aceptaran de inmediato”, “cuando los espectros se vuelven virtuales en
Comala.com, acaba en consonante en vez de vocal y es una adivinanza que no
puedo resolver. A mi padre que no pude conocer; espectros que quiero exorcizar,
hay secretos que guardamos en la oreja; para no decir en el corazón…” Termina
con un cuplé de doble sentido, “que rico serrucho tiene usted papá…”la
temporada seguirá varios sábados en Lerdo de Tejada 139, cerca del Metrobus
Olivo. Buena opción.
Panel en la Facultad de Filosofía y Letras, UNAM, con el tema “La crítica de Teatro, especialmente enfocado a lo juvenil e infantil”
Estuvieron Tomás Urtusástegui, Felipe de la Lama y Benjamín
Bernal
Para celebrar el Dia Mundial del teatro, el Instituto Internacional de
Teatro organizó un panel con el dramaturgo Tomás Urtusástegui (Presidente de la
Asociación Mexicana de Críticos de Teatro), Felipe de la Lama (socio de AMCT,
periodista de Televisión y Benjamín Bernal (Presidente de la APT) para tratar
de dilucidar ¿qué es y para qué sirve?
Especialmente se enfocaron a lo juvenil e infantil, hubo anécdotas a
granel: Tomás evoca a Hugo Arguelles quien no le quería admitir en su taller
porque no era joven y –además- le gustaba el teatro infantil “no es un género
para autores serios”, los Griegos, Shekespeare, Brecht, Ibsen, Rascón banda
nunca lo tocaron.
Felipe de la Lama nos hizo viajar a la época de Cachirulo, con quien
trabajó muchos años. En una mesa redonda donde los “intelectuales” hablaban mal
de Teatro Fantástico (pues <hacía tontos a los espectadores>) Felipe les
preguntó ¿Cómo están?, “bien” contestaron; ¿veían Teatro Fantástico?, Siii, fue
la respuesta. ¿Son idiotas?, “Noooo”, volteó a ver a los carniceros que acaban
de hablar, ¿ven cómo no los deformó Enrique Alonso? Adaptar cuentos clásicos es
una buena tarea que se debe fomentar.
Son 15 las universidades que ofrecen licenciatura en teatro, solamente;
hace poco se abrió en la UNAM la cátedra de Teatro Infantil, como optativa.
Coincidieron que hay peligro de ir a ver clichés, uniformidad de historias,
usan los colores del filme que copian, diminutivos y lenguaje estereotipado,
tonos de voz sin creatividad, no hay dramaturgia sino cuentos mal platicados,
lo toman como un seguro ante el desempleo.
Bernal platicó que hay 544 teatros en el país, en el DF 129, la mayor
concentración es en la Cuauhtémoc, Miguel Hidalgo y Coyoacán, en la región
oriente del DF: ¡nada¡ 53% de los municipios no tienen un solo teatro. Algo le
falta al diseño de México en su política cultural. Fue una mañana divertida
antes de las vacaciones. Se debe acudir a nuevas propuestas en la formación de
los directores y actores: impro, clown, rock, estudio de los temas novedosos
para no reiterar pinochos, blanca nieves, la bella durmiente, dálmatas, barneys
y caperucitas, así con minúsculas.
Los grupos con temas y formas novedosas abundan Improlucha, De la oreja al
corazón, Qué payasos, Cristal y acero, Granma, rock óperas como Frankenstein,
Los Templarios. ¿Por qué otros grupos son reiterativos de los "estilos
probados" y no se arriesgan a experimentar con otras combinaciones de
elementos. Es una tarea que esta quedando en manos de los jóvenes.
El teatro infantil y el (abandonado) de las carpas es fundamental para
interesar al público nuevo y recuperar al que se ha ido a otras diversiones
(centros de apuestas, bares y table dance, televisión de paga, twitter, videos
por la red)
En cuanto a los caminos para el periodismo
de todo tipo, especialmente infantil es la internet, revistas web, blogs, con
fotos, videos, información e invitaciones, ya que los espacios informativos con
frecuencia son inaccesibles. Y parender la forma de administrar, promover y
difundir el trabajo de los grupos, para que se conozca lo que estan haciendo.
Así que los
señalamientos estan lanzados, los caminos propuestos, ¿se logrará una
renovación del Teatro Infantil y juvenil?
Columna Teatrikando
Gran estreno: Buenas noches Mamá
Por BENJAMIN BERNAL
El año teatral esta resultando interesante, Gorda en el Centro Teatral
Manolo Fábregas maneja un tema de moda, la obesidad y el trato discrimnatorio
que recibe. Ahora es turno para Buenas noches Mamá, en el Libanés, obra de
Marsha Norman, quien gana en 1983 el Premio Pulitzer con esta obra, cuando
tenía 36 años, en México gobernaba Miguel de la Madrid y el exactor Ronald
Reagan en el país del norte. Se aprecia, por ejemplo la ausencia de celulares y
lap tops.
Edith González es la hija y Rosa María Bianchi la progenitora. Mantienen
una conversación que toca todas las emociones que hay en un en un hogar, esto
sucede horas antes de que la joven cumpla con una decisión trascendente, que
usted puede imaginar. No es extraño ver todo tipo de manipulaciones en las
familias que conocemos, nos vemos reflejados quienes tenemos hijos, o bien, nos
asomamos a la vida de parientes y amigos, que determinan las vidas
profesionales, amistades o parejas, sin tomar en cuenta lo que el individuo
preferiría.
Thelma, la madre ha tomado decisiones en la vida de Jessica, es más o menos
frecuente en ciertas familias, más aún cuando nuestro país, apenas estaba
abandonando las estructuras familiares anquilosadas en los 80`s. Entraban en
México las escuelas Activas, que introducían una educación que fomenta elegir
libremente en muchos temas. ¿Por qué inquieta esta obra? Bueno, no es extraño
escuchar que la profesión fue impuesta o la actividad laboral, sin respeto al
gusto del sujeto, Edith va logrando captar la simpatía de los espectadores, en
tando Rosa María dá a su personaje una fuerza especial, con una actuación sin
excesos.
Hay una pistola en el desván, sólo hay un teléfono, la disciplina y
organización de la hija va llenando el espacio. La madre tiene carácter de
hierro, poco a poco va dejando esa coraza que la dramaturga le ató. “Usada,
cansada, lastimada” son algunos adjetivos que expresa el personaje de Jessica
mientras va desmenuzando su pasado para que la mamá perciba su amor. Se alcanza
a ver que deseaba amor y no el trato que recibió , cercano a lástima.
Secretamente hay celos por el fuerte lazo que surgió entre el padre, fallecido
hace años y la hija, en cada momentos de su crecimiento.
El director es Don Raúl Araiza, quien montó La Chica sin Retorno con Andrés
García, que contra lo que dijeron otros periodistas, a mí me gustó, estaba
divertida, lástima que no cumplió con su temporada; bueno, pues la dirección
que acabamos de disfrutar es exacta, medida, para que se luzcan ambas actrices.
La escenografía es de José Larrea es justa para que vayan mostrando como es ese
dia de su vida, igual a los restantes treinta años. ¿Cómo percibe usted su
vida? ¿Aburrida, reiterativa, sin emociones, con vitaminas o en plena
anemia?
Es un tema distinto, ya que las carteleras generalmente se llenan de
triángulos amorosos, dinero para ejercer el poder, por eso llevará público a
las taquillas, para analizar el caso, disfrutar de las actuaciones y salir con
un punto de vista fundado. Acuda, pues la temporada será breve.
Columna Teatrikando
XXVII Premiación de APT, Ana de la Reguera
y Maribel Guardia se roban la noche
Como cada año, la Agrupación de Periodistas Teatrales realizó la primera ceremonia del año, ahí se dió reconocimiento a las más relevantes producciones teatrales y trabajos individuales. Después vendrá una verdadera cascada de entregas organizadas por grupos editoriales, asociaciones de comunicadores y hasta empresarios aficionados, siempre se nota nuestra influencia, es la ventaja de ser los primeros en dar reconocimientos y premios. No los criticamos. Todo es válido con tal de apoyar al Planeta Teatral, todo lo platicado es gracias a Fela Fábregas y Manolo Sánchez Navarro, quienes brindan todo su amor al Arte.
APT dio homenaje a la primera generación que funda la escuela de Teatro del
INBA: Luis Gimeno, Ignacio López Tarso, Virginia Gutiérrez, Xavier Loyá, Silvia
Pinal, por citar pocos. También hubo un momento para aplaudir la trayectoria de
Fernando Luján, evocando La Hora soñada y Mis queridos Patanes. El mejor
director del año es Salvador Garcini por La exhibicionista.
El autor mexicano, premio Emilio Carballido, es Andrés Roemer, por El otro
Einstein; Héctor Bonilla es de los más admirados, un premio (Revelación
Juvenil) lleva su nombre, recibió el diploma Carlos Ancira, por Yo soy mi
propia esposa. Además, un premio especial como Mejor Actor/actriz del año, pues
cumple con 35 roles en ese monólogo.
Por su parte Pilar Boliver recibe la presea María Douglas, ya que La rubia,
la trigueña y la Pelirroja vengadora fue magistralmente realizado.
Mejor Pieza: Las cuatro Estaciones. Mejor Drama: Todos eran mis hijos.
Miriam Higareda por su trabajo juvenil en El diario de Ana Frank. Maribel
Guardia (La reaparición del año) y Ana de la Reguera (Mejor actriz en Teatro
Clásico) se robaron la noche, elegantes, distinguidas, amables, llenas del
glamour de las verdaderas estrellas. El elenco de El show de terror de Rocky se
robó un segmento por su entusiasmo y también por la admiración que despierta
Alma Muriel.
La Novicia Rebelde se lleva el premio llamado Manolo Fábregas, para Musical
Internacional. Compitió con Mamma Mia, otro gran trabajo. Sicario recibió el
diploma para Mejor Performance.
Mentiras es de los más premiados, entre otros el de autor del año, para
José Antonio López Velarde. Andrés Zuno si estuvo para recibir su presea “Julio
Alemán para actor en Musical” María José (Que Plantón) se reportó que no
alcanzaría a llegar para recibir “La Revelación en Musical” Llegó tarde
Anahí Allué, pero llegó, a recibir el diploma para Comediante en Musical.
Triunfa Olivia Bucio, por su coactuación en La Novicia Rebelde. Martha
Fernanda por Mentiras (Actriz Revelación) y Carlos Rivera por su Coactuación en
Mamma Mia. Este tipo de reuniones tiene varias finalidades, la más importante
es hacer un resumen del año teatral, que realmente fue vigoroso, a pesar de que
el primer semestre parecía desastroso por la influenza.
Vimos al grupo dirigido por Eduardo Partida, interpretaron Qué Plantón, el
número llamado El otro lado del espejo. Miguel Angel Valles llevó dos números
de Hair Spray, Bienvenido a los 60´s y El ritmo seguirá. En el lobby, Adolfo
Silva y su grupo musical, interpretaron todos los musicales del mundo (My fair
lady, Rent, El show de terror de Rocky, Mame, Annie, A chorus line, etc)
Es un gran evento que lleva varios meses tener listo, todos los socios
ponen su granito de arena para que cada año sea mejor, este 2010 en sólo hora y
cincuenta minutos entregaron los premios, convirtiéndose en la más breve de
todas las ceremonias de esta elevada categoría.
*Fotografías de Ricardo Gutiérez y Agustin
Villalpando, socios APT.
Todos eran mis hijos, ¡llena el Helénico¡
Por BENJAMIN BERNAL
El judío polaco, Arthur Asher Miller, mejor conocido como Arthur Miller,
nos dejó múltiples obras, entre ellas La muerte de un viajante, alegoría de
nuestra entrega a una empresa, el glamour de ser conocido, al envejecer nos
vemos envueltos en el olvido; estudió formalmente periodismo, es frecuente esa
mezcla de dramaturgo y comunicador, por ello quizá aborda temas contrasfondo
político, el salvaje capitalismo no tiene empacho en engullir seres humanos o
en promover guerras. También es recordado por su fallido matrimonio con Marylin
Monroe.
Al estrenarse Y todos eran mis hijos, segunda de su producción, fue la que
lanzó al éxito a su autor. Es importante señalar, hablamos de 1947, la segunda
guerra había concluido en 1945, estaba fresco el sabor a sangre y era riesgoso,
al nivel de que Elia Kazan lo involucró en una investigación por “convivir con círculos
comunistas”; apenas se iniciaba al Macartismo, parecido a las denuncias y
persecusiones de los soviéticos. O sea, es destacable que era peligroso
denunciar la corrupción en la industria armamentista. Recordemos que banqueros
y fabricantes atienden a uno y otro bando.
Esta obra ha sido presentada en varias ocasiones en México, una de ellas
dirigida por Seki Sano, con Maria Douglas,en alguna posterior
estuvo Adriana Roel; la ha dirigido Xavier Rojas, que llevó a
Isabela Corona. Oscar Morelli la dirige hace más de 15 años a Narciso Busquets,
Oscar Bonfilgio, Raquel Morell, Gaby Rivas, Graciela Bernardo, Ramón Menéndez,
se llevaron varios premios, en el de dirección estuvieron nominados, pero gano
De la calle, un legendario momento de Julio Castillo (González Dávila la
escribe, aclaro, para no permitir errores) Por esos años vimos Las brujas de
Salem en Bellas Artes, con María Eugenia Rios, quien también fue nominada por
ese trabajo.
Respecto al actual montaje que dirige Francisco Franco, debo decir que es
bello, interesante, y con momentos de alto impacto, no mencionará cuál pero hay
una escena típica de esa generación -fundadora de la dramaturgia
norteamericana- que causa impacto en el público. Arthur Miller, Tennesse
Williams y Eugene Oneil comparten algunos conceptos en sus
propuestas. Silvia Navarro convence en su rol, Diana Bracho exhibe
gran talento y larga formación sobre los escenarios; Alpha Acosta y María Aura
tienen roles secundarios, bien desarrollados.
Por el lado varonil, Fernando Luján es excelente en su papel de hombre con
dos caras, quizá tres. Mario Loria es el joven casi novio de Silvia, buen rol.
Osvaldo Benavides es el hermano de la chica, Ann, para que nos traiga fuertes
sorpresas que Miller ocultó largos minutos. Martín Altomaro sigue sumando
puntos en su carrera, lo acabamos de ver en 12 hombres en pugna, lo mismo que a
Miguel Pizarro, aquí es un médico de poca claridad para conducir su vida. Muy
bien el elenco, con algunos brillos que usted notará de inmediato.
Fuimos un dia normal y había ¡lleno completo¡ cosa rara en nuestros foros,
que se estan vaciando, ¿por la llegada de las pastorelas, o por la crisis? ¿No
que era un catarrito?
EL FOCO UN ESPACIO
ALTERNATIVO PARA
EL TEATRO INDEPENDIENTE
Por: Alejandro Laborie
Elías
El Foco (Foro de la
Comedia) se ha convertido en un espacio alternativo para el teatro independiente
de la Ciudad de México, como lo demuestra el éxito de respuesta a la
convocatoria del 2º. Rally de Teatro 2010, que se realizará durante
todo el mes de febrero, con las más diversas propuestas y géneros, tanto de
autores nacionales como extranjeros, contemporáneos y clásicos.
Un total de 28 grupos
atendieron al llamado a esta ventana a las artes escénicas que confirma el
hecho de que México es un país teatral, al menos el número de personas que
están interesadas en presentarlo son incontables, lástima que no así las que
están dispuestas a formar parte de los espectadores.
Procedentes de
diferentes puntos de la capital de la República Mexicana, a excepción de uno
que representa al Estado de México, el Rally es una excelente oportunidad para
conocer a esos grupos anónimos que se dedican a fortalecer la
creatividad y talento que tanto abunda, sólo que no se le da la
ocasión para que florezca.
Un hecho destacable
es la cantidad de jóvenes que están involucrados en el quehacer teatral urbano.
Hombres y mujeres que incursionan como actores, directores, escenógrafos y, lo
más importante, como autores.
En este último rubro,
llama la atención que los textos dramatúrgicos originales abordan temas
vigentes, como la violencia, la corrupción, los cuestionamientos existenciales,
la pareja y sus conflictos, la situación de los cavos de la calle y un largo
etcétera. De igual forma, las adaptaciones están hechas con relación a tópicos
contemporáneos, conservando lo valioso del pasado y refrescando el presente y,
por qué no, el futuro.
Wilfrido Momox,
director y responsable de la convocatoria, es un hombre de teatro, de esos que
se han quitado el pan de la boca para producir sus propios montajes, de esos
que no les importa el reconocimiento sino satisfacer los gustos del público, de
esos a quienes no por ser el director de un proyecto o puesta en escena se le
dificulta barrer, cortar el césped o cargar la escenografía.
Wilfrido sabe los
problemas por los que pasan los grupos independientes -los verdaderos no los
que se autonombran como tales pero quieren vivir del presupuesto gubernamental-
y el premio que ofrece la convocatoria es abrir el espacio a tres de los grupos
seleccionados por el jurado para realizar temporada en El Foco.
Si por algo sufren
los grupos independientes es por la falta de foros que les abran las puertas y
les brinden la oportunidad de mostrar sus trabajos. Por lo mismo, no se puede
más que reconocer la labor de Momox y su equipo para llevar a buen fin este
encuentro de los verdaderos amantes del teatro, que hasta el momento han
causado un grata impresión entre el público asistente que les ha correspondido
con llenos casi totales, inclusive en más de alguna ocasión parte de la gente se
ha quedado fuera, por agotarse las localidades.
Para el público es
una excelente ocasión para disfrutar de las diferentes propuestas, ya que el
costo de entrada es de tan sólo $30.00, lo que lo hace accesible a casi
cualquier bolsillo.
El 1º. De marzo
próximo, el jurado dará a conocer el resultado de los tres grupos ganadores,
además de un reconocimiento al mejor actor y actriz, director, texto original y
revelación.
Febrero 2010
FALLECIÓ LA ESCRITORA E INVESTIGADORA ESTHER SELIGSON
Por Eugenia Galeano
· El
lunes 8 de febrero en la ciudad de México, a los 69 años de edad, a
consecuencia de un infarto al miocardio
· Escribió
prosa poética, ensayo literario, traducción y crítica teatral.
El Conaculta y
el Instituto Nacional de Bellas Artes lamentan la muerte de la escritora e
investigadora mexicana Esther Seligson, nacida en la primera mitad del
siglo XX y descendiente de judíos ortodoxos inmigrantes, quien falleció el
lunes 8 de febrero en la ciudad de México, a los 69 años de edad, a consecuencia
de un infarto al miocardio.
Esther Seligson escribió
prosa poética, ensayo literario, traducción y crítica teatral. Le tocó vivir
una época en la que la prensa cultural de México se enriquecía de planas y
suplementos culturales del país. Empezó a publicar a los 24 años de edad, en
losCuadernos del viento de Huberto Batis.
Retrató la vida cultural a través de sus artículos, traducciones y ensayos en
revistas de la época como Revista mexicana de literatura, Revista de
Bellas Artes y suplementos como el del periódico El Heraldo de
México (dirigido por Luis Spota). Hace dos años acudimos a la
presentación de "Para vivir el teatro" en la UNAM, libro que prologó
Vicente Leñero. Se quitó los zapatos y condujo la charla por más de dos horas.
Una gran dama, carismática en todo lo que hacía. En él da el punto de vista
sorbe el ámbito teatral, principalmente universitario.
MARA, O DE LA NOCHE SIN SUEÑO
Eugenia Galeano
Inclán, 29 de enero de 2010
Antonio Zúñiga, hombre inquieto y talentoso no se conforma con dedicarse a
una o dos actividades, lo que él disfruta es explorar formas de expresión y lo
mismo se desempeña como actor que como director o dramaturgo. En esta
ocasión Zúñiga, junto con su grupo Alborde Teatro, nos presenta la obra Mara
– o de la noche sin sueño de su autoría.
Todos hemos oído hablar de la Mara Salvatrucha. Se les
liga con secuestros, drogas, actos vandálicos y otro tipo de delitos. Los
consideramos delincuentes ajenos a nosotros y no investigamos quiénes son o de
dónde provienen. La Mara Salvatrucha es la mayor
pandilla que existe en El Salvador, se calcula que el 70% de los pandilleros de
ese país son integrantes de la Mara. Su origen data de los años 80
en el estado de California, en los Estados Unidos. La formaron unos emigrantes
salvadoreños para estar en posibilidad de enfrentar a las pandillas
existentes. Etimológicamente el nombre proviene de tres palabras: “mara”
es apócope de marabunta que en su argot emplean para referirse a gente
alborotadora; “salva” es apócope de El Salvador, y “trucha”
lo entienden como sinónimo de listo. Tienen sus propios códigos de honor,
incluso, reglas de muerte y características exclusivas, por ejemplo,
acostumbran compartir el mismo tatuaje para distinguirse de las demás
pandillas. La zona de Los Angeles donde se originó es un área controlada
por la Mafia Mexicana a la que también se denomina como “13”, por lo
tanto, esa Mara comenzó por determinarse “la MS 13”.
Al finalizar la guerra civil salvadoreña, los jueces locales ordenaron la deportación
de pandilleros y es así como llega la MS 13 de regreso a su
país, donde se instalan con fuerza. Se autodeterminan como la pandilla
auténtica salvadoreña y a todas las demás pandillas (aún las de su propio país)
las consideran extranjeras y, más concretamente, mexicanas.
No existe un solo líder de la MS 13 para todo el país.
Cada célula tiene su propio líder, quien se gana esa asignación por sus propios
méritos de ser reconocido como el de mayor prestigio entre los demás.
Para ingresar a la MS 13 el pandillero novato tendrá que
enfrentarse a tres miembros de la mara y, si es de físico
corpulento, los contrincantes serán cinco. Los tatuajes no son
obligatorios, pero la inmensa mayoría de los pandilleros se tatúan porque están
orgullosos de su pertenencia a la pandilla, tanto así que, por lo general, los
tatuajes se los hacen en los lugares más visibles como puede ser el rostro o la
frente. A las diversas subdivisiones de la MS 13 les
llaman clicas (término que para ellos es sinónimo de pandilla y
lo utilizan igual que ganga que es un anglicismo – en
inglés gangsignifica pandilla). Cada clica tiene
su propio territorio, el cual queda delimitado mediante pintas en paredes, es
decir, graffities, a los que también llaman placazos.
Cada clica se preocupa por mantener sus placazos tal
y como ellos los hacen, impidiendo que vengan personas de otras pandillas a
ensuciarlos o borrarlos. Mientras más limpio se encuentre un placazo implicará
que la clica propietaria es la más fuerte. Debido a que su
origen fue en los Estados Unidos, los miembros de la clica hablan
en caló y mezclan el español con el inglés.
De acuerdo con el gobierno mexicano, el Centro de Investigación y Seguridad
Nacional (CISEN) tiene expedientes sobre la presencia de la Mara
Salvatrucha en nuestro país y, a través de las investigaciones
realizadas, tienen conocimiento de que la Mara se encuentra
activa en, por lo menos, nueve estados de la República Mexicana, que son
Baja California, Tamaulipas, San Luis Potosí, Estado de México, Distrito
Federal, Guerrero, Oaxaca, Veracruz y Chiapas.
Antonio Zúñiga (autor) y Rodolfo Guerrero (director) colaboraron
estrechamente para lograr una excelente puesta en escena de Mara – o de
la noche sin sueño, en donde se recrean situaciones que viven los miembros
de la Mara: los pleitos entre ellos, la persecución que
padecen por parte de las autoridades locales y del F.B.I. (Federal Bureau of
Investigation), el exaltado orgullo que sienten por la clica a
la que pertenecen, la poca importancia que dan a la muerte de los demás o
a la suya propia, sus excesos, sus amores y hasta el fanatismo
religioso.
Mara – o de la noche sin sueño nos da una visión de los
integrantes de la clica como seres humanos, en donde
explayarán su sentir, igual reirán haciendo bromas que confesarán que tienden a
sentirse protagonistas de las películas que les han dejado huella, o bien,
habrá una mujer que se sienta con mayor fortaleza que un hombre, olvidándose de
su condición femenina. Alborde Teatro logra un trabajo muy redondo.
El texto de Antonio Zúñiga tiene buena estructura y mucho realismo, la
labor de dirección de Rodolfo Guerrero imprime un ritmo ágil y constante a los
diversos cuadros perfectamente ligados unos a otros. Los actores,
perfectamente caracterizados, ofrecen interpretaciones de gran credibilidad,
ellos son: Yolanda Abud, Guadalupe Vega, Gilberto
Barraza, Sandra Rosales, Said Torres, Javier Sixtos, Alvaro
Candía, Christian Cortés y José Concepción Macías. De
los diseños de escenografía e iluminación se encargó Jesús Hernández y del
diseño de vestuario, Sergio Ruiz.
Zúñiga logra algo mucho muy interesante al hacer que el espectador se
sumerja en un mundo tan sórdido de la manera más grata posible. Su
montaje está plagado de escenas de gran plasticidad. Con muy buen tino utiliza
congelamientos (comunes en la industria cinematográfica) que proveen un
equilibrio entre la violencia y la apacibilidad.
Recomendamos ampliamente Mara – o de la noche sin sueño, un
reflejo de uno de los problemas que más afecta a los latinoamericanos en un
montaje realizado con mucha dignidad que denota la entrega y trabajo de todos y
cada uno de los miembros de Alborde Teatro. Todos aquellos que gusten del
buen teatro no deben perder la oportunidad de ver Mara – o de la noche
sin sueño.
Mara – o de la noche sin sueño, se presenta –dentro del
Ciclo “Los Estados en El Milagro”–
Lunes y Martes,
a las ocho y media de la noche, en el Teatro El Milagro
ubicado en Milán N° 24, colonia
Juárez. La temporada es del 25 de enero al 16 de febrero de
2010
El Festival del Centro Mexicano de Teatro, cifra récord: más de 22,000
aficionados ¡gratis!
Por BENJAMIN BERNAL
Cada mes de enero se lleva a cabo Amantes del Teatro, que este 2010 reunió
en el Jiménez Rueda a 46 grupos, entre ellos 4 extranjeros y 9 de varios
estados. No los vi todos, pero me gustaron los Ecuatorianos, Españoles, Luces
de Bohemia, Granma, Irapuato, Morelos, Ruso-México, entre otros. Las obras que
me dejaron profunda huella son El Elefante cambia 24 kilos, Volpone, Las
embarazadas, Urtusasteguisimo, Los monólogos de la vagina, Ensayando el
vestidor. Hubo más trabajos de calidad, pero, ver 46 grupos en tres semanas, es
difícil.
Un grupo de puro actor y actriz de la tercera edad, recibió aplauso de pie. Uf, fue emocionante.
Hagamos cuentas el teatro tiene 500 butacas, logró en más de la mitad lleno total y en algunas medio aforo. Llegó a 22,000 espectadores. La maestra Isabel Quintanar, directora del Centro Mexicano de Teatro, ITI UNESCO, modestamente sugiere haber rebasado 15,000. Teatro gratis de alta calidad. Así que ahora veremos quién de ellos se va a representar al Festival a los encuentros de provincia y también al extranjero.
El año anterior Althair Naholy se fue con La magia del amor razonado a
Colombia, ya les hemos comentado que regresaron triunfadores.
Algunos apuntes sobre Qué es la Pastorela, conferencia de Miguel
Sabido
Por Emil Blatsky
No se debe comparar el teatro occidental con las demás formas de teatro. Japón
y China son muy diferentes, algunos puristas las han acusado de que “Eso no es
teatro” Quieren comparar con la tradición europea, que llegó a México
durante la conquista. no es posible hacer analogías entre culturas lejanas en
muchos aspectos.
La definición básica de teatro menciona: representación a través de poesías o diálogo, hay quien asegura que su base es el diálogo, pero hay monólogos que se pueden calificar de muy teatrales, un recital poético raya por lo consiguiente. Se cree que tiene como origen el ritual mágico, relacionado con la caza, pinturas rupestres, recolección de productos agrícolas, para rendir culto a los dioses. Como en Grecia, se parece mucho el origen de nuestro teatro.
Quizá si usáramos la palabra espectáculo definiríamos mejor lo que es el teatro anterior a los españoles, ya que tiene la connotación de reunir al observador (theatron: lugar para observar) con grandes multitudes.
Con frecuencia ha iniciado el teatro como representación religiosa,
educativa, como el de Grecia, ditirambos para homenajear a Dionisos (Baco,
fiesta de recolección de la uva; ritos realizados en honor a Orfeo), fiestas
pagano religiosas anteriores al cristianismo.
Al detectar los personajes y formas artísticas que se conservaron en la
época colonial, resabios de lo prehispánico se puede adivinar que si existían
estas formas, pero fueron intencionalmente desaparecidas. Al dominar a una
nación es importante desaparecer su cultura.
El teatro prehispánico se parecía mucho, tenían representaciones como las Guerra floridas, festividades religiosas multitudinarias, con cantos, danza (forma de oración para ellos) poesía, vestuario, escenografías, directores de escena, guiones; veían seres humanos que luchaban y con eso se convierten en dioses, diezy ocho periodos del calendario se celebraban con ceremonias en las que intervenía todo el pueblo. Ese teatro sagrado se convirtió en 5 de mayo, Loa Machetes, Carlomagnos y claro, las pastorelas.
El eje de estas representaciones era el enfrentamiento de Quetzalcóatl y Tezcatlipoca Citaremos algunos parlamentos de El Dia del Juicio Final, Luzbel expresaba en esas representaciones sagradas “Al hombre que te ofende le das salvación, yo he de ir contra el hombre, le conduciré para que se condene y pene”
A partir de Sabido se reconocen las siguientes partes en la pastorela:
Saludo, anunciación (juramento), La serenata 1 (Tentación) Serenata dos
(Tentación) Serenata tres (tentación) Enfrentamientos, Adoración, Fiesta.
Con Luisa Josefina Hernández tuvimos una clase -dice Sabido- nos dejó una
tarea, analizar la estructura de ciertas obras o géneros, así que otros
eligieron a los clásicos, yo, humildemente elegí la
Pastorela. Eso no es Teatro, le dijeron. Pero, el siguió adelante. En el
saludo de la pastorela se rompe la cuarta pared, se reconoce la presencia del
público.Desde ahí se inició la producción de muchas. Recomendé que el diablo
(actor femenino) como en Náhuatl dijera imprecaciones, groserías, pues en
náhuatl se impreca. Es un tono grave, agresivo, suena mejor en voz de mujer.
Enseguida Itatí dió jinicio a su participación: "Tienen razón, tuve lujuria, derroté a Gabriel, con espada vidriante. Ese niño que me dicen nacerá hoy de Maria, no ha de llegar a Belén. Me sale desde el fondo de mis calzones (debía rimar con cojones)"
Interpretaron este rol Lucha Villa y Lucila Mariscal con el Mariachi Vargas
de Tecalitlán, María de Lourdes, Rosita Quintana, Eugenia León, Belinda
recientemente.
En Saltillo si tiene apoyos la muestra de teatro prehispánico, en tanto en
esta ciudad, no diré nombres, me recibió alguien en suntuosa oficina para
sugerirme: ¿Por qué montas teatro donde hay tantos indios?
La cultura mexicana se está perdiendo, se nos va de las manos, todos
podemos usar esta frase para defenderla: “Suave patria escúchame
loarte”
Fue el domingo 13 de diciembre en la sala Manuel M. Ponce del Palacio de
Bellas Artes, Porfirismo y la cultura preshispánica en un mano a mano.
Dr. House, su técnica dramática, la creación de un personaje
Por BENJAMIN BERNAL
Cayó en mis manos el libro La Filosofía de House, que llamó mi atención
porque algun dia en un restorán chino vi un capítulo de la serie, me hice
aficionado a sus capítulos porque rebasan la narrativa al estilo antiguo como
Dr. Kildare o Ben Casey, ¿por qué antiguo? Empezaba, continuaba y venía a
terminar con el éxito del médico, generalmente bien parecido.
Así que me di a la tarea de descubrir la técnica dramática. ¿Por qué
algunos personajes son interesantes? Para empezar, no son previsibles, Hamlet
se hace el loco, Fausto oscila entre maldad y arrepentimiento. Los seres
lineales son aburridos, ya sabemos qué va a pasar. William Irwin y Henry Jacoby
hacen el libro, invitaron a otros nueve profesores de filosofía para acercarse
a la psique del excéntrico galeno interpretado por Hugh Laurie.
El primer capítulo del libro es el mejor planteado, dice “si hablas con
Dios eres un creyente, si él es quien te habla entonces eres un psicótico”, se
dirige a una enfermera y le cuestiona "pones tu destino en manos de un
dios, pero cuando cruzas la calle, prefieres mirar a los lados" Aseguran
tiene influencia de Sherlock Holmes porque busca deducir al estilo del
londinense. Pero irreverente, además de hiriente, el inglés nunca lo hubiera
hecho.
Sócrates y Bertrand Russel son citados en el primer capítulo, Aristóteles
le sigue, a partir del segundo van dándole marco a través de otros pensadores
como Sartre que asegura “el infierno son los otros”, más tarde se refiere a
Heidegger, Nietzche y siguen las páginas buscando las negativas referencias que
usa el personaje. Que quede claro, es un personaje estructurado por un autor
que es David Shore, auxiliado por Paul Attanasio, Katy Jacobs y Bryan
Singer; un trabajo de equipo que puede dar giros sorpresivos para no almidonar
y dejar tieso al personaje que no da consultas privadas y le desagrada dar
clases, razón por la cual, prefiere ser ermitaño consumidor de un fármaco
adictivo. Esa es una característica de House, reúne a Holmes con Watson para
hacer un médico detective.
No por leer este libro va a aprender sobre la mente de este hombre que en
un hospital de los Angeles atiende casos fuera de serie. Acabo de ver el
capítulo de una homless (vive en la calle) que va a dar a este hospital; en
México una indigente va a dar a un lugar que en nada se le parece. Largas horas
dedican a investigar sobre los pacientes, su casa, familia y el evento
traumático. Es un ser de ficción que atrae por eso, la imposibilidad de
que sea cierta esa vivencia y los datos técnicos médicos puedan satisfacer
nuestra hipocondria (atribuirnos cuanta enfermedad vemos en la tele) Qué
frustración, ver la diferencia con los nosocomios públicos e incluso los de
tipo medio que son terriblemente impersonales, ¿en los de lujo habrá esa
calidad?
Ah, pero volviendo al tema, este libro de casi 250 páginas editado por
Selector, no nos mostrará al Dr House, más bien permitirá que recordemos
nuestras clases de filosofía, eso tiene un alto valor que en sí no tiene el
programa que es de simple entretenimiento; bien hecho, si, pero no se le puede
rascar más.
Teatro
LOS HERMANOS LOMNITZ Y JOSÉ CABALLERO
REDESCUBREN A “LOS CIENTÍFICOS”
Por: Alejandro Laborie Elías
Alberto y Claudio Lomnitz, en complicidad con el
director José Caballero, presentan una interesante lectura, un
redescubrimiento, del grupo político conocido como “Los Científicos”,
intelectuales que conformaron ideológicamente el equipo que gobernó, junto con
Porfirio Díaz, durante casi 30 años en la República Mexicana.
Los hermanos Lomnitz se hicieron
merecedores con El verdadero Bulnes al Premio Nacional
de Dramaturgia 2009, convocado por la Universidad Autónoma Metropolitana y la
Universidad de Guadalajara, dotado con 200 mil pesos, el más cuantioso en el
país en este rubro, además de la publicación de la obra.
Para esta primera edición del premio, el
rector de la UAM, José lema Labadie, propuso como tema obligado el Bicentenario
de la Independencia y el Centenario de la Revolución. Los Lomnitz se inclinaron
por la segunda opción, a partir de un trabajo de investigación de Claudio, que
pronto saldrá a la luz pública en un libro.
El verdadero Bulnes gira en torno a
tres personajes: Francisco Bulnes, Justo Sierra y José Limantour. Intelectuales
que a través del poder buscaron el progreso del país y su transición a la
democracia; a la postre –en diferentes formas- ellos son absorbidos por el
poder y justifican, una tras otra, las reelecciones de Porfirio Díaz.
Además de los personajes ya citados,
forman parte de la trama: Manuel Romero Rubio, Manuel Gutiérrez Nájera, Rafael
reyes Spíndola, Carmelita Romero Rubio (esposa de Porfirio Díaz) y María Teresa
Bulnes.
El texto es producto de un trabajo
minucioso de investigación y es novedoso con relación a los protagonistas de la
historia particular a la que se refiere. Sin embargo, es extraordinariamente
didáctico, abusa de la reproducción de los discursos de la época, aún cuando
hay momentos inmersos en el humor, en la sátira política que tanto nos agrada a
los mexicanos y, tal vez, un poco largo.
Los roles principales están a cargo de
Sergio Cataño, Carlos Corona y Miguel Cooper, quienes producen el interés, cada
uno con sus particulares cualidades, sobre la discusión de anteponer la
estabilidad económica sobre la democracia, a tal grado que el discurso parece
actual.
Caballero presenta una puesta sobria
aunque cuidada en sus detalles. Un sinnúmero de rompimientos y congelamientos
para que uno u otro personaje se dirija al público –así lo marca el texto-, y
alguno que otro recurso brechtiano. Además se vale de música en vivo –un
piano-tocado por Violeta Sarmiento.
La escenografía y la iluminación, están a
cargo de Luis Manuel Aguilar Mosco, son atractivas, en principio, sin embargo
se caracterizan por su sencillez, no hay mayores pretensiones que recrear un
espacio para que la historia se desarrolle. De igual forma acontece con el
diseño del vestuario de Georgina Stebanenko.
Una propuesta escénica que permite conocer
la ideología que impregnó al Porfiriato; profundiza sobre el peso que tuvieron
“Los Científicos”, de los que muchos hemos escuchado y pocos sabemos que era lo
que en realidad pregonaban. Ideal para quien disfruta el teatro histórico, de
lo contrario…
El verdadero Bulnes se representa en
el Teatro casa de la Paz, de la Ciudad de México, los jueves y viernes a las 20:00,
sábados y domingos a las 18:00 horas. La temporada concluirá el próximo 14 de
diciembre.
Octubre 2009
Entregaron sus premios anuales Reynaldo Corona Ontiveros y Luis Carlos
Cisneros denominados Arlequín
Por 49 ocasión en nuestro medio reunieron a sus amigos los conocidos
publirelacionistas, quienes se estan constituyendo en lo mejor para reconocer
empresarios, vedettes, cantantes, bailarines, grupos musicales y artistas de
cine, radio y televisión.
Lo más destacado de la noche del sábado fueron los homenajes a Polo Ortin
por 75 años, Beatriz Aguirre 65 años y Elsa Cárdenas por 55
años.
Fue una gran noche. No asistimos a la fiesta, pues andábamos de viaje, pero
les mandamos toda nuestra amistad y un aplauso.
“Mi vida son mis amigos”
BENJAMIN BERNAL
No había asistido a la presentación de un
libro de tales dimensiones, con tantas personalidades del mundo de la
comunicación, que en verdad justificaron el subtítulo de la publicación:
Una historia de los noticiarios en México.
El jueves 15 se paralizó el Distrito Federal, pues el Sindicato de
trabajadores de la compañía de Luz y Fuerza del Centro, convocó a los demás
gremios para reclamar e impugnar, el decreto que firmó el Presidente Calderón,
para desaparecer esa empresa Estatal. Se escuchaban versiones encontradas, ya
que calculaban desde 30,000 marchistas, hasta 200,000 los que caminaron sobre
Reforma, sin mayores incidentes, para concluir hasta el zócalo capitalino.
Milagrosamente rápido llegué hasta la colonia Juárez, para estacionarme y
subir al piso 51 de la Torre Mayor, elegante y funcional, abarrotado de
personalidades. Casi puntualmente declararon iniciado el evento, que en el
presídium tuvo a Félix Fuentes Medina que habló de la etapa relativa a
Informex, Eduardo Andrade, la de Telesistema y TIM, Amalia Frías Santillán, la
época de Radio Mil, Grupo Acir, RASA y Radiorama, Mónica Ramírez, instituto
Mexicano de la Radio, Roberto Piñón Olivas del Club Primera Plana, Fapermex y
Felap, Oscar Mario Beteta por Radio Fórmula y el mismo Teodoro Rentería
ArróyaveM; todos ellos hablaron después de la fase introductoria que
correspondió a Teodoro y Gustavo Rentería Villa, hijos del autor.
Escuchamos la gran noticia del mismo dia: En la 51 Comida de la
Radiodifusión, recibió Teodoro Rentería Arróyave el premio Antena, máximo
galardón de la industria, después de eso, se movilizó hacia Reforma para
encabezar el evento literario.
Empezamos por disfrutar un video con entrevistas a Miguel Alemán hijo,
Miguel de la Madrid, entre otras personalidades que fueron sus amigos, jefes o
compañeros, tanto en la vida cotidiana como dentro de la radio, televisión y
medios escritos. Escuchamos los testimonios de su trabajo fecundo y cordial, ha
enarboló los valores máximos del periodista: libertad y derechos sociales.
Asegura: Recibiré muchos ataques por lo
que revela este libro, pero no importa, porque sé que he publicado
exclusivamente la verdad
¿Cómo son las entrañas del cuarto poder? ¿Cómo se vive y trabaja en radio,
televisión, periódicos, revistas y todo tipo de actividades del
comunicador? De la misma forma se revela cómo los hombres del poder
lo ejercen para subordinar a los periodistas, se aclara en el libro que
“cualquier parecido con la realidad actual es mera coincidencia”
Son casi cuatrocientas páginas llenas de información verdadera, no hay
desperdicio, con fotografías aquí y allá: Azcárraga Milmo “El Tigre”, su paso
por el arte taurino, Gustavo Díaz Ordáz, Sobera de la Flor, Salvador Allende,
el Tigre de Tacubaya; salpimentada con fechas, lugares y hechos, para dar paso
a frases por demás famosas, como: “Amistad que no se ve reflejada en la nómina,
es pura demagogia”
Este libro es producto de charlas de cantina, mucho sudor y tinta, que
sirve para conocer el punto de vista de quienes hicieron este país, ya que los
comunicadores han exhibido unos, ocultado otros, las realidades del siglo XX y
ahora el XXI; es un instrumento básico, central, para los jóvenes
comunicadores, para que se queden en esta actividad o emigren a otras, porque
muchos son los convocados y… pocos los que permanecen.
Felicitamos a Teodoro Rentería por el éxito que vivió la tarde del 15 de
octubre del 2009, mientras en las avenidas que llevan hacia el Zócalo
capitalino se escribía una nueva página de la historia contemporánea, ¿hacia
dónde nos llevarán las decisiones que se toman en los Pinos? No lo sabemos, no
se les ve claridad de ideas; en tanto resuelven su crucigrama los Panistas,
nosotros ya tenemos ocupación, leer “Mi vida son mis amigos”
Por: Alejandro Laborie Elías
Música en vivo, coreografías vistosas, colorido de vestuario y escenografía, alegría desbordada en el escenario, son la mezcla en la que se desarrolla el clásico infantil Las ropas nuevas del rey, de Sara Joffré, bajo la dirección de Bruno Ruiz, quienes provocan el deleite, en momentos el delirio, en los infantes que gozan, participan y ríen al compás de la compañía Silencio... Teatro.
Como es del dominio público, la historia gira en torno a un Rey cuya principal preocupación, más allá de sus deberes de gobierno, es la cantidad de ropa con la que debe contar en su clóset. Sus necesidades no tienen límite y es capaz de sacrificar cualquier cosa con tal de saciar su ego.
Un par de pilluelos deciden tomarle el pelo y urden contestar la convocatoria para diseñar un traje cuya principal característica es que esta confeccionado con una tela que es invisible a los ojos de todos los “ignorantes”. El Rey cae en el juego y cuando sale a lucir su nueva vestimenta ante el pueblo ocurre que...
La puesta en escena se vale más de lo visual y la anécdota es un mero pretexto; el montaje se convierte en una fiesta donde los actores son los que más se divierten, gozan su trabajo y contagian a los pequeños. Lo raro es que en ningún momento los inviten a subir al escenario, aún cuando, como es tradicional, rompan la cuarta pared.
A pesar de los avances tecnológicos que inundan la vida de nuestros hijos, el teatro es un indiscutible ejemplo de que la imaginación, los sueños y la fantasía continúan siendo parte esencial de los seres humanos, sin importar la edad que se tenga, y esto lo explotan de maravilla Bruno Ruiz y sus cómplices de aventura.
Roberto Téllez, Bruno Ruiz –el propio director del montaje- y Eugenio Mier, son los responsables de la musicalización en vivo, desde lo que se podría ubicar como una obertura, hasta la motivación que provocan en grandes y chicos para mecerse al ritmo impuesto en las butacas.
Atractiva puesta en escena, sin mayores pretensiones que provocar la felicidad de los niños y niñas, a cargo del grupo Silencio... Teatro, que se presenta en el Teatro Helénico, de la Ciudad de México, los domingos a las 13:00 horas.
Marzo 2010
JUAN ANTONIO EDWARDS DECEPCIONA EN
DIARIO DE UN LOCO, DE V. GOGOL
Por: Alejandro Laborie Elías
El texto del ruso Nikolai Gogol, Diario de un Loco, durante 26 años fue un icono del teatro mexicano con la inolvidable interpretación de Carlos Ancira, quien, inclusive, llegó a impresionar a los propios coterráneos del dramaturgo y la crítica de esa nación lo consideró como uno de los mejores actores de monólogo.
Los versados en el tema creen que cuando un montaje se convierte en memorable, deben pasar al menos 40 años para que alguien se atreva a llevarlo nuevamente a escena a través de una nueva concepción.
Ancira tiene un poco más de 20 años de fallecido y si agregamos unos años más cuando dejó de caracteriza el célebre personaje, la cifra no se cumple. Sin embargo, varios han intentado retomar la obra y tratar de revivir los éxitos de la misma. La cuestión es que el texto es de un valor dramatúrgico y de contenido probados, pero no todos son Carlos Ancira, a quienes todos reconocen como el Maestro.
El más reciente intento corre a cargo de Juan Antonio Edwards, presente en la mente del público mexicano por sus múltiples intervenciones en televisión y en el teatro por sus participaciones al lado de Roberto Gómez Bolaños “Chespirito”.
Es inevitable mencionar que no todos los actores pueden incursionar en los diferentes géneros teatrales y por ello algunos destacan en la comedia, otros en la tragedia y así sucesivamente. En el caso de Edwards la comedia es lo que más se le ha dado, por ello ahora que desea hacer teatro de “carácter” el reto es enorme y, desgraciadamente para él, inalcanzable.
Empezando por lo primero, el actor tiene problemas de memorización y de dicción, además de que improvisa en demasía porque el escenario le queda grande. Juan Antonio es un buen comediante y al improvisar se vale de lo “chistoso”, lástima que el Diario de un Loco no sea a una comedia.
En este sentido, en complicidad con su directora, Cecilia Angulo, hay una confusión con el género que asumió Gogol, y en vez de ver a un loco en el escenario, directora y actor convierten al personaje en un payaso –con el respeto que nos merece esa profesión-.
Un transcurrir de la puesta monótono, plano, con una iluminación NEFASTA, así con mayúsculas, y otros tres actores (alucinaciones del protagonista) que ponen en riesgo el físico sin ninguna necesidad y menos como una propuesta estética que justifique hasta una danza aérea que, además pone en peligro la integridad corporal de algunos espectadores.
Reza el refrán: “zapatero a tus zapatos”. Juan Antonio Edwards... a la comedia, porque en el teatro serio no tiene nada, absolutamente nada, que hacer. Como persona es un hombre amable y grato, pero no se le puede engañar, no tiene futuro con textos como el de Gogol, porque una cosa es hacer reír a la gente y otra que la gente se ría de uno.
Diario de un loco se representa en el Teatro Libanés, de la Ciudad de México, los miércoles a las 20:30 horas.
Marzo 2010
Alejandro Laborie Elías
LA LUCHA POR EL PODER Y EL STATUS EN OLEANNA
Por: Alejandro Laborie Elías
La lucha por el poder y el status debe ser tan antigua como el mismo ser humano. Sin embargo cuando pensamos en el poder, lo hacemos en función, normalmente, de puestos de autoridad dentro de un gobierno o institución privada, pero éste también se da entre personas, con la sola idea de subyugar al otro y no sucumbir ante su posible dominio.
Es habitual que se parta de ideas preconcebidas y no por fuerza verdaderas, como es el caso de la trama de Oleanna, de David Mamet y dirección de Enrique Singer, quienes nos presentan a un catedrático y su discípula en una encarnizada confrontación, que conmueve lo más emotivo de aquellos que asisten al ring en el que se convierte la oficina del primero.
Texto de intercambio de conceptos e ideas, donde cada uno tiene la razón en su momento, de una estructura impecable y, por fortuna, no lineal, por tanto las sorpresas se van sucediendo una tras otra y el espectador no sabe cuál será la conclusión de la obra, por lo que el final es por demás inesperado. Cabe aclarar que el montaje termina, pero en realidad no concluye, el autor deja a la imaginación cuál podría ser el verdadero final.
Singer asume una puesta en escena realista, sin mayores pretensiones estéticas, todo el soporte en los diálogos y en las capacidades histriónicas de sus dos actores. Se debe reconocer que capta de principio a fin la atención y provoca una serie de conflictos en el ánimo del público, quien toma parte por uno o por otro indistintamente.
La escenografía, de Auda Caraza y Atenea Chávez, se “limita” a un escritorio y dos sillas sobre una tarima; la iluminación de Víctor Zapatero es mínima en espectacularidad pero logra la atmósfera para que esos dos iracundos personajes se hieran y tiren a matar en cuanta oportunidad dé el oponente.
La lucha es interesante porque representa varios status: el maestro vs la alumna, el hombre vs la mujer, el maduro contra la joven, quien aparentemente esta consolidando su posición social vs quien apenas inicia el camino por encontrar su lugar en el grupo...
Las caracterizaciones están a cargo de Irene Azuela y Manuel Bernal, quienes protagonizan otra lucha: la actoral. Ambos dan lo mejor de sí mismos y en el caso de Manuel es posible que sea de lo mejor que ha realizado en un escenario durante toda su carrera.
Irene, simplemente soberbia. A tal grado asume su personaje que cuando esta destrozando a su oponente, dan deseos de abandonar la butaca, subir al escenario y patear a esa alumna que con palabras y acciones disecciona, literalmente, la integridad moral de su maestro. Sin embargo, Irene logra la otra parte de la moneda en forma idónea, cuando ella es la víctima del poder de su instructor.
Es un hecho que el maestro Singer es un especialista en el teatro realista –claro que no exclusivamente- y en esta ocasión su propuesta alcanza los objetivos mínimos de un montaje: provocar la reflexión más allá de un mero espectáculo y que la gente abandone la sala más que satisfecha por lo visto y oído.
Oleanna, de David Mamet, se representa en el teatro El Granero “Xavier Rojas”, los jueves y viernes a las 20:00, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas.
MARZO 2010
EL SURREALISMO, LA
TECNOLOGÍA Y LA CREATIVIDAD EN HEY GIRL!
Por: Alejandro Laborie Elías
El surrealismo, la tecnología y la creatividad son conjugados en forma extraordinaria por el director italiano Romeo Castellucci, para dar paso a una puesta que visual y auditivamente son una delicia, más allá de una historia que no existe, sólo la mente de cada uno de los espectadores forja con su imaginación lo que sucede en el escenario.
Imágenes y sonidos que se desbordan y parten del nacimiento de una mujer, no en el sentido biológico, sino más bien social desde la psique de un pasar por toda una existencia, en síntesis, en palabras del propio director: “Alguien se despierta, se levanta y se prepara para salir. Sale. Fin de la historia”.
Más que un montaje teatral, estamos frente a un performance, en el que la expresión corporal se asume como un lenguaje propio con características específicas y donde los objetos adquieren diversos simbolismos, en conjunto una propuesta plástica que va más allá de los lenguajes convencionales.
Hey Girl! se presentó en el marco del Festival de México fmx, que se lleva a cabo en la capital de la República y que concluirá el 28 de marzo, antecedida del prestigio de Castellucci y como una propuesta que está conmocionando las artes escénicas en Europa, por lo innovador, tanto en fondo como en forma.
Claro que no está por demás comentar que la tecnología es parte fundamental, porque se recurre a diseños de iluminación y sonoros que requieren de aquella, además de rayos láser y una substancia viscosa que crea un efecto, de principio a fin, semejante –al menos es nuestra lectura- al equivalente a un reloj de arena.
Espejos –simbólicamente representados- que abren una serie de mundos, surrealistas, tantos como la imaginación pueda concebir y que transportan a... donde se quiera, pero que más que a lugares, a estados emocionales, al interior del alma femenina, a las inquietudes de enaltecen o destruyen.
Prácticamente no hay una dramaturgia, al menos por la vías tradicionales, sólo una serie de evocaciones a mujeres históricas –reales y creadas por la literatura- como Juana de Arco, María Antonieta, María Estuardo, Ana Bolena, Catalina II de Rusia y otras más. Nombres que se pronuncian en susurros, retando la capacidad auditiva del público.
Además un texto que es interpretado en el escenario por dos actrices –una típica italiana y una negra- Silvia Costa y Sonia Beltrán Nápoles, y un fragmento de Romeo y Julieta, de William Shakespeare, que el público puede seguir a través de su lectura en una pantalla.
El trabajo de Silvia y Sonia son igual de surrealistas que la propuesta en su conjunto. Ninguna de las dos pretende contar una historia en forma lineal, buscan provocar la emotividad de quienes las ven, de quienes tratan de traducir lo que con el lenguaje corporal comunican y, en algún momento, contando con el apoyo de unas 40 extras que irrumpen en el escenario para alcanzar uno de los momentos culminantes del “texto”.
Sonidos estridententes, efectos luminosos que oscilan en lo psicodélico, máscaras, sencillez en el vestuario y desnudos, substancias viscosas, pintura corporal, pantallas, simbolismo en los objetos, dan paso a un mundo onírico indescriptible con simples palabras.
Un teatro más allá de lo habitual; una propuesta que arriesga a no ser comprendida, pero que desborda la fantasía de quien se conecta con ella. En concreto: Hey Girl!... fascinante, una real odisea surrealista.
Marzo 2010
Alejandro Laborie Elías
Por: Alejandro Laborie Elías
El surrealismo, la tecnología y la creatividad son conjugados en forma extraordinaria por el director italiano Romeo Castellucci, para dar paso a una puesta que visual y auditivamente son una delicia, más allá de una historia que no existe, sólo la mente de cada uno de los espectadores forja con su imaginación lo que sucede en el escenario.
Imágenes y sonidos que se desbordan y parten del nacimiento de una mujer, no en el sentido biológico, sino más bien social desde la psique de un pasar por toda una existencia, en síntesis, en palabras del propio director: “Alguien se despierta, se levanta y se prepara para salir. Sale. Fin de la historia”.
Más que un montaje teatral, estamos frente a un performance, en el que la expresión corporal se asume como un lenguaje propio con características específicas y donde los objetos adquieren diversos simbolismos, en conjunto una propuesta plástica que va más allá de los lenguajes convencionales.
Hey Girl! se presentó en el marco del Festival de México fmx, que se lleva a cabo en la capital de la República y que concluirá el 28 de marzo, antecedida del prestigio de Castellucci y como una propuesta que está conmocionando las artes escénicas en Europa, por lo innovador, tanto en fondo como en forma.
Claro que no está por demás comentar que la tecnología es parte fundamental, porque se recurre a diseños de iluminación y sonoros que requieren de aquella, además de rayos láser y una substancia viscosa que crea un efecto, de principio a fin, semejante –al menos es nuestra lectura- al equivalente a un reloj de arena.
Espejos –simbólicamente representados- que abren una serie de mundos, surrealistas, tantos como la imaginación pueda concebir y que transportan a... donde se quiera, pero que más que a lugares, a estados emocionales, al interior del alma femenina, a las inquietudes de enaltecen o destruyen.
Prácticamente no hay una dramaturgia, al menos por la vías tradicionales, sólo una serie de evocaciones a mujeres históricas –reales y creadas por la literatura- como Juana de Arco, María Antonieta, María Estuardo, Ana Bolena, Catalina II de Rusia y otras más. Nombres que se pronuncian en susurros, retando la capacidad auditiva del público.
Además un texto que es interpretado en el escenario por dos actrices –una típica italiana y una negra- Silvia Costa y Sonia Beltrán Nápoles, y un fragmento de Romeo y Julieta, de William Shakespeare, que el público puede seguir a través de su lectura en una pantalla.
El trabajo de Silvia y Sonia son igual de surrealistas que la propuesta en su conjunto. Ninguna de las dos pretende contar una historia en forma lineal, buscan provocar la emotividad de quienes las ven, de quienes tratan de traducir lo que con el lenguaje corporal comunican y, en algún momento, contando con el apoyo de unas 40 extras que irrumpen en el escenario para alcanzar uno de los momentos culminantes del “texto”.
Sonidos estridententes, efectos luminosos que oscilan en lo psicodélico, máscaras, sencillez en el vestuario y desnudos, substancias viscosas, pintura corporal, pantallas, simbolismo en los objetos, dan paso a un mundo onírico indescriptible con simples palabras.
Un teatro más allá de lo habitual; una propuesta que arriesga a no ser comprendida, pero que desborda la fantasía de quien se conecta con ella. En concreto: Hey Girl!... fascinante, una real odisea surrealista.
Marzo 2010
Alejandro Laborie Elías
UNA BURLA A LA
PENA DE MUERTE EN LA SILLA
Por: Alejandro Laborie Elías
Las discusiones sobre la aplicación de la
pena de muerte son recurrentes en la sociedad contemporánea, tanto en países
industrializados como en los que están en vías de desarrollo, tema sobre el que
nunca se pondrán de acuerdo por las implicaciones morales, sociales, religiosas
y políticas que implica.
Más allá de la eterna polémica, la
pregunta es: ¿Se puede burlar la sentencia y la muerte en la misma silla
eléctrica? Y en caso de que la respuesta fuera afirmativa: ¿Se puede argumentar que fue por voluntad divina?
Estas y otras interrogantes más son las
que se plantean y desarrollan, sin llegar a una conclusión específica, en la
puesta en escena La silla, escrita y dirigida por Hugo Carrillo Brumbaugh,
quien parte de un caso real que tuvo lugar en los Estados Unidos de
Norteamérica en la década de los sesenta, sobre un sujeto que soportó tres
descargas en la silla –en la que nadie desea sentarse- y sobrevivió, al menos
por un año más antes de volver a ser ejecutado.
La ficción teatral se complementa con otro caso: un asesino serial que
privó de la vida alrededor de 145 personas. Un hombre culto, con una
licenciatura en letras y escribió un poema para cada una de sus víctimas.
Hugo Carrillo es un hombre emanado del cine, en donde ha desarrollado su
carrera creativa durante más de 20 años y ahora decide incursionar en el
teatro, tanto como dramaturgo como director de escena. ¿Osadía? En principio
sí.
El texto posee una buena estructura dramática, en la que el monólogo es
parte fundamental, aún cuando hay un cierto abuso de la narrativa, lo cual es complicado cuando se carece de actores que reúnan
un mínimo de cualidades para asumir esta forma tan exigente del escenario.
Más que una historia, Hugo plantea desde el principio la “crueldad” de la
vida que padeció el asesino: huérfano a los tres años de edad, un abuelo que a
la postre resulta ser un homicida y desea a la que será su esposa –aquel le enseña que “una pistola y un par de
huevos te llenan más que ir a misa los domingos”- y de quien le bastó una
mirada para descubrir su linaje asesino.
Como tratando de justificar, al menos
explicar, la conducta del condenado a muerta, su tragedia no acaba ahí: una
forzada separación de su esposa e hija, el alcoholismo, el delírium y… En
realidad, buen argumento para los que se oponen a la pena de muerte, porque
resulta que esta “angelito” es producto de las desgracias de su devenir y de la
incomprensión de la sociedad. ¿Será?
Lo cierto es que el autor se vale de un lenguaje con tonos poéticos,
profundiza sobre la naturaleza humana sin ser una disertación psicológica,
menos sociológica, pero atrae la atención y provoca una cierta reflexión, desde
el mismo inicio cuando el condenado, ya sentado en la silla, expresa: “Aquí me
tiene la justicia de los hombres… ojo por ojo…para que mi substancia termine
electrocutada…”
Ya como director Carrillo no niega su procedencia cinematográfica y conduce
a sus actores por esa forma de hablar que han copiado los cineastas mexicanos
de otras latitudes: esa lentitud
extraordinariamente pausada al decir los
monólogos, el susurro que complica escuchar con nitidez y un trazo a cámara
lenta.
En su favor se puede
decir que intenta que el espectador no pase por alto ningún detalle, sin
embargo de no ser porque dura alrededor de
una hora, podría llevar a la somnolencia, que quede claro que por la forma no
por el fondo.
Donde se vuelve un desastre la puesta es en la actuación: Eduardo
Mendizabal – en complicidad con su director- no tiene las dotes histriónicas que
requiere el texto, menos cuando la puesta es minimalista y toda la atención se
centra en el protagonista. Movimientos rebuscados, en ocasiones exagerados en otras limitados, su dicción
es pésima y la modulación de su voz inexistente. Dessire Rivera, Itzel Espinosa y Leobardo Dávila, simplemente sacan adelante el trabajo, sin pena ni gloria.
En la puesta en escena participa Ivonne Guevara –ex del grupo
Flans- quien interpreta una serie de letras, a capella, que hacen las veces de un coro al estilo del teatro
griego apoyada en su bella voz: “Cuerpo inerte… rancio…guardas mi esencia
todavía… ya no puedo más…”
El texto de Hugo Carrillo merece mejor suerte y uno de los requisitos
indispensables es el cambio de elenco. Por ahora, la ópera prima de este autor-director lo presenta como una posibilidad real del
teatro mexicano, un cineasta que espera trasponer su arte en el escenario.
La silla se estrenó en la Ciudad
de México, con tan sólo tres funciones, ahora –como
suele suceder cotidianamente en el teatro mexicano- a la búsqueda de un espacio
que albergue la obra en temporada.
Marzo 2001
EL ABUELO DICE QUE EL TIEMPO ES UN
NIÑO QUE JUEGA A LAS CANICAS
Eugenia Galeano Inclán
5 de marzo de 2010
Agustín Meza y su Compañía de Teatro El Ghetto siempre se han preocupado por presentar trabajos de calidad. Entre otros, resultan memorables: Esperando a Godot y Woyzeck. Agustín Meza ha recibido numerosas distinciones por su trabajo, entre las que destacan: el premio “Héctor Azar” que otorga la Asociación Mexicana de Críticos de Teatro, la beca Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del FONCA, la nominación de The Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative para ser discípulo de Julie Taymor en el 2006 y la selección como director invitado en Discusion Group del Vlaams Theatre Instituut (VTI) en el Kunstel Festival des Arts, en Bruselas, Bélgica. Una de sus características es hacer trabajos fuera de lo común. Podríamos decir que más que romper barreras, él ve el arte como sinónimo de libertad y rechaza el constreñirse a esquemas preestablecidos o limitaciones. Es tan abierto, que permite a sus actores formular propuestas, las cuales una vez puestas en práctica, dependerá de cómo funcionan para ser aceptadas o desechadas.
Hace poco más de medio año, El Ghetto y Agustín participaron en un ciclo de Teatro Alternativo organizado por la Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes, presentando, como trabajo en proceso, Fando y Lis, basado en el texto de Fernando Arrabal. Podríamos decir que ese fue el inicio del periplo del proyecto. En aquel entonces, Agustín planeaba presentar su versión libre y muy particular de Fando y Lis. Varias ideas se agolpaban en su mente y no tenía totalmente delineada la concepción de su obra. Aun cuando había elegido el texto de Fando y Lis, lo que realmente le atraía del mismo era el viaje a Tar. En su penosa cotidianeidad, Fando y Lis idealizan Tar como lugar utópico. Al llegar allá, los problemas habrán quedado atrás. Ilusionada, Lis le dice a Fando: “Dime que Tar es la tierra que pisas, el aire que respiras. Dime que el azul del cielo se une con el azul del mar en Tar, que tu sonrisa es más linda porque ya hemos tomado la ciudad y yo te creeré. Rendiré mis ojos a tus visiones…”.
Tiempo y esfuerzos fueron invertidos en el proceso de Fando y Lis. La logística no era sencilla –los integrantes residen en el Distrito Federal y Agustín en provincia–. Cuando ya existía un avance considerable, los intereses se distanciaron, surgieron diferencias de criterio, alguna que otra rencilla y, faltando a la ética profesional, la mayoría del equipo inicial desertó. Para Agustín fue inexplicable y le causó una fuerte decepción.
Agustín Meza tenía ante sí dos caminos: abortar el proyecto o sacarlo avante. No se arredró y siguió con paso firme. La luz de un amor que acababa de llegar a su vida le sirvió de estímulo y el recomenzar a partir de cero implicó para Agustín explorar nuevas vetas de creatividad. El proyecto dio un giro de 180 grados. Agustín evaluó lo que tenía a su alcance, hizo una relectura de su propuesta y reorganizó el trazo escénico, seleccionando como intérpretes a dos chicas de Querétaro con estudios en danza.
En el recién congregado equipo prevaleció la comunión de ideas, el compromiso y la dedicación. Los ensayos fueron extenuantes pero al mismo tiempo gratificantes. En el replanteado viaje a Tar los participantes se involucraron tanto que fueron compartiendo experiencias de búsquedas y descubrimientos. El proyecto cobró vida propia, tanto así que no sólo quedó impregnada la esencia de cada uno de los integrantes del equipo sino que en forma inesperada e inadvertida se infiltró una ausencia –poco tiempo atrás, la novia de Agustín había perdido a su abuelo– y fue así como el montaje cambió de nombre y culminó como ofrenda a los abuelos. Esto propició una catarsis del duelo personal, pero también privilegió al proyecto con una emotividad coadyuvante.
Con El Abuelo dice que el tiempo es un niño que juega a las canicas Agustín Meza mantiene su costumbre de jugar en forma acertada con elementos diversos que proveen de significancia cada contexto. Esta vez juega también con el lenguaje, incluso reinventándolo. Inspirándose en Pina Bausch –reconocida como la figura más destacada de la danza alemana– y en Theo Angelopulos –antropólogo y cineasta griego–, a quienes dedica el montaje, logra plasmar en escena ciertas simbologías de ritualidad, tiempos muertos, planos en secuencia, alteración del eje cronológico, evocación de belleza. Sin necesidad de palabras, los movimientos son incuestionables. En forma esporádica nos llegarán frases motivadoras, por ejemplo, ¿a quién no conmueve ver el amor reflejado en la mirada del ser amado?; el milagro de vida cuando dos seres pasan a ser tres; utilizar los sueños como vehículo para un logro. A través de cuatro cuadros, el espectador podrá recorrer en forma lúdica una serie de sensaciones, quizá amor, ira, sorpresa, inocencia. En resumen, un proyecto que sorteó vicisitudes para transmutarse en arte fresco y emotivo que llega a buen puerto convertido en trabajo de factura con imágenes de gran plasticidad escénica.
Buena proyección logran María Estela Díaz y Natalia Gómez, quienes con su excelente manejo corporal transmiten sentimientos y situaciones. Bien provista la iluminación por parte de Julia Reyes Retana, con la asistencia de Francisco Maldonado. En el programa de mano, hermosa la fotografía símbolo “And then there were three” de Jorge Rimblas y evocador el paisaje de árboles de Paulo Riqué que da entorno a Tar. Nuestra gratitud a los abuelos que han dejado tras de sí huella indeleble de amor y enseñanza.
Recomendamos ampliamente El Abuelo dice que el tiempo es un niño que juega a las canicas. Permítanse acompañar en su viaje a Tar a estas dos mujeres que se encuentran en medio de la nada. Contágiense con la dulce sonrisa de Natalia. Vayan con los ojos abiertos, pero también con el espíritu receptivo. Este poema teatral lo podrá disfrutar el espectador en la medida en que se deje llevar por las sensaciones que le provoquen las imágenes. Sólo si logran viajarse, podrán repasar sus propias inquietudes, recrear motivaciones, recordar alguna mascota o revisitar juegos infantiles.
El Abuelo dice que el tiempo es un niño que juega a las canicas
se presenta en el Teatro El Galeón ubicado dentro del Centro Cultural del Bosqueen Reforma y Campo Marte, atrás del Auditorio Nacional.
Jueves y viernes a las ocho de la noche, sábados a las siete de la noche y domingos a las seis de la tarde.
NIÑO QUE JUEGA A LAS CANICAS
Eugenia Galeano Inclán
5 de marzo de 2010
Agustín Meza y su Compañía de Teatro El Ghetto siempre se han preocupado por presentar trabajos de calidad. Entre otros, resultan memorables: Esperando a Godot y Woyzeck. Agustín Meza ha recibido numerosas distinciones por su trabajo, entre las que destacan: el premio “Héctor Azar” que otorga la Asociación Mexicana de Críticos de Teatro, la beca Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del FONCA, la nominación de The Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative para ser discípulo de Julie Taymor en el 2006 y la selección como director invitado en Discusion Group del Vlaams Theatre Instituut (VTI) en el Kunstel Festival des Arts, en Bruselas, Bélgica. Una de sus características es hacer trabajos fuera de lo común. Podríamos decir que más que romper barreras, él ve el arte como sinónimo de libertad y rechaza el constreñirse a esquemas preestablecidos o limitaciones. Es tan abierto, que permite a sus actores formular propuestas, las cuales una vez puestas en práctica, dependerá de cómo funcionan para ser aceptadas o desechadas.
Hace poco más de medio año, El Ghetto y Agustín participaron en un ciclo de Teatro Alternativo organizado por la Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes, presentando, como trabajo en proceso, Fando y Lis, basado en el texto de Fernando Arrabal. Podríamos decir que ese fue el inicio del periplo del proyecto. En aquel entonces, Agustín planeaba presentar su versión libre y muy particular de Fando y Lis. Varias ideas se agolpaban en su mente y no tenía totalmente delineada la concepción de su obra. Aun cuando había elegido el texto de Fando y Lis, lo que realmente le atraía del mismo era el viaje a Tar. En su penosa cotidianeidad, Fando y Lis idealizan Tar como lugar utópico. Al llegar allá, los problemas habrán quedado atrás. Ilusionada, Lis le dice a Fando: “Dime que Tar es la tierra que pisas, el aire que respiras. Dime que el azul del cielo se une con el azul del mar en Tar, que tu sonrisa es más linda porque ya hemos tomado la ciudad y yo te creeré. Rendiré mis ojos a tus visiones…”.
Tiempo y esfuerzos fueron invertidos en el proceso de Fando y Lis. La logística no era sencilla –los integrantes residen en el Distrito Federal y Agustín en provincia–. Cuando ya existía un avance considerable, los intereses se distanciaron, surgieron diferencias de criterio, alguna que otra rencilla y, faltando a la ética profesional, la mayoría del equipo inicial desertó. Para Agustín fue inexplicable y le causó una fuerte decepción.
Agustín Meza tenía ante sí dos caminos: abortar el proyecto o sacarlo avante. No se arredró y siguió con paso firme. La luz de un amor que acababa de llegar a su vida le sirvió de estímulo y el recomenzar a partir de cero implicó para Agustín explorar nuevas vetas de creatividad. El proyecto dio un giro de 180 grados. Agustín evaluó lo que tenía a su alcance, hizo una relectura de su propuesta y reorganizó el trazo escénico, seleccionando como intérpretes a dos chicas de Querétaro con estudios en danza.
En el recién congregado equipo prevaleció la comunión de ideas, el compromiso y la dedicación. Los ensayos fueron extenuantes pero al mismo tiempo gratificantes. En el replanteado viaje a Tar los participantes se involucraron tanto que fueron compartiendo experiencias de búsquedas y descubrimientos. El proyecto cobró vida propia, tanto así que no sólo quedó impregnada la esencia de cada uno de los integrantes del equipo sino que en forma inesperada e inadvertida se infiltró una ausencia –poco tiempo atrás, la novia de Agustín había perdido a su abuelo– y fue así como el montaje cambió de nombre y culminó como ofrenda a los abuelos. Esto propició una catarsis del duelo personal, pero también privilegió al proyecto con una emotividad coadyuvante.
Con El Abuelo dice que el tiempo es un niño que juega a las canicas Agustín Meza mantiene su costumbre de jugar en forma acertada con elementos diversos que proveen de significancia cada contexto. Esta vez juega también con el lenguaje, incluso reinventándolo. Inspirándose en Pina Bausch –reconocida como la figura más destacada de la danza alemana– y en Theo Angelopulos –antropólogo y cineasta griego–, a quienes dedica el montaje, logra plasmar en escena ciertas simbologías de ritualidad, tiempos muertos, planos en secuencia, alteración del eje cronológico, evocación de belleza. Sin necesidad de palabras, los movimientos son incuestionables. En forma esporádica nos llegarán frases motivadoras, por ejemplo, ¿a quién no conmueve ver el amor reflejado en la mirada del ser amado?; el milagro de vida cuando dos seres pasan a ser tres; utilizar los sueños como vehículo para un logro. A través de cuatro cuadros, el espectador podrá recorrer en forma lúdica una serie de sensaciones, quizá amor, ira, sorpresa, inocencia. En resumen, un proyecto que sorteó vicisitudes para transmutarse en arte fresco y emotivo que llega a buen puerto convertido en trabajo de factura con imágenes de gran plasticidad escénica.
Buena proyección logran María Estela Díaz y Natalia Gómez, quienes con su excelente manejo corporal transmiten sentimientos y situaciones. Bien provista la iluminación por parte de Julia Reyes Retana, con la asistencia de Francisco Maldonado. En el programa de mano, hermosa la fotografía símbolo “And then there were three” de Jorge Rimblas y evocador el paisaje de árboles de Paulo Riqué que da entorno a Tar. Nuestra gratitud a los abuelos que han dejado tras de sí huella indeleble de amor y enseñanza.
Recomendamos ampliamente El Abuelo dice que el tiempo es un niño que juega a las canicas. Permítanse acompañar en su viaje a Tar a estas dos mujeres que se encuentran en medio de la nada. Contágiense con la dulce sonrisa de Natalia. Vayan con los ojos abiertos, pero también con el espíritu receptivo. Este poema teatral lo podrá disfrutar el espectador en la medida en que se deje llevar por las sensaciones que le provoquen las imágenes. Sólo si logran viajarse, podrán repasar sus propias inquietudes, recrear motivaciones, recordar alguna mascota o revisitar juegos infantiles.
El Abuelo dice que el tiempo es un niño que juega a las canicas
se presenta en el Teatro El Galeón ubicado dentro del Centro Cultural del Bosqueen Reforma y Campo Marte, atrás del Auditorio Nacional.
Jueves y viernes a las ocho de la noche, sábados a las siete de la noche y domingos a las seis de la tarde.
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