LO MEJOR DEL TEATRO 2010.
LA
LARGA CENA DE NAVIDAD: EL INEVITABLE TRANSCURSO
DEL
TIEMPO
Por Perla Schwartz
Nueve décadas en la historia de la familia
Balderrama, quien cada
año se reúne para celebrar gozosa la cena de
Nochebuena, y el cómo
el transcurso del tiempo, por un lado la llena
de nuevos integrantes y
por el otro, la merma, esa convivencia a lo
largo de tres generaciones
con todo ese cúmulo de alegrías y tristezas
del cual se conforma
la vida, es la premisa central de “La larga
cena de navidad” del
talentoso escritor norteamericano Thornton
Wilder, en una adaptación
y dirección de Otto Minera, quien el año
pasado dirigiera “Eurídice” de
Sara Ruhl.
Un dejo de agridulce nostalgia recorre a esta
obra, donde se
deja constancia fiel de la continuidad de la
vida, los ausentes son
recobrados a partir del trazo de la memoria.
Minera apuesta por un
montaje que es sencillo y colorido-para ello
hace uso de algunas
pequeñas coreografías-, y permite el
lucimiento de cada uno de sus
actores, aunque algunos de ellos tengan breves
intervenciones.
El director sustenta su visión en un flash
back al pasado, que en
momentos se roza con el presente, evanescente
como una burbuja
de jabón. La familia Balderrama del norte de
México, es de una
moral conservadora, pero sumamente unida, a
pesar de algunas
desavenencias, pero prevalece entre todos
ellos, el respeto y el cariño.
Los pilares son Lucía (Lumi Cavazos) y Rodrigo
(Carlos Aragón),
ambos intérpretes demostrando sus capacidades
histriónicas;
acompañados en un principio por mamá Lola (la
joven Marissa
Saavedra, asumiendo el reto de interpretar a
una mujer casi senil y lo
saca avante.
A ellos se suman, el primo Bracamontes (con
una buena
caracterización de Emilio Guerrero), un hombre
solitario y un tanto
adusto, siempre cada cena de navidad, es en
medio de un paisaje
gélido y nevado.
Con el inexorable paso del tiempo, llegarán
dos hijos Ángel (Arturo
Barba) y Sonia Franco interpretando con varios
matices a Dolores,
la hija solterona. Y vendrán los cónyuges y
los nietos, en una casa
que a lo largo del tiempo, se mantiene de pie,
aunque cada vez más
deteriorada.
Pero la vida continúa y no hay vuelta de hoja.
Una funcional escenografía de Atenea Chávez y
Auda Caraza,
complementada con la iluminación de Marcela
Flores y un bello
vestuario diseñado por Cristina Sauza, hacen
de “La larga cena de
navidad”, un grato montaje, el cual terminará
temporada el próximo
domingo 16 de enero en el Teatro Wilberto
Cantón.
Otto Minera deja en claro su creatividad, para
un texto discursivo,
pero que sumerge al espectador en la
complejidad de la existencia
humana, en las posibilidades infinitas de la
solidaridad humana.
LOS
ANTINAVIDEÑOS 2010: HUMOR NEGRO Y PATETISMO
Por Perla Schwartz
Como ya es costumbre, cada diciembre, Los
Endebles en el
Teatro La Capilla presentan su breve temporada
de los Cuentos
Antinavideños, una paráfrasis de las
pastorelas, las cuales se
caracterizan por tener fuertes dosis de humor
negro.
En esta ocasión Ginés Cruz y Mariana Giménez
son los directores,
mientras que los dramaturgos, por estricto
orden de aparición en
esta nota son Hiram Tinajero, Mariana Giménez
y Daniel M. Olvera.
Los tres trabajos son monólogos, los tres
surgen de anécdotas
reelaboradas y con algún elemento propio de la
navidad.
Es así , como la función abre con “Estrella de
Navidad o la Guerra
de las Galaxias”, tal vez el texto más flojo
del conjunto, pero que se
salva gracias a la desenfadada interpretación
de Jorge Alejandro
Suárez, un joven hijo de un narcotraficante,
cuya imaginería se
sustenta en los personajes y elementos de “La
Guerra de las Galaxias”
de Lucas.
Poco importa que los años hallan transcurrido,
él continúa
guardando su niño adentro y sin ningún empacho
lo hace saber.
“Maldita Beba” es un monólogo peculiar, dos
mujeres están en
escena, pero tan sólo habla una amargada mujer
cuarentona
(estupenda Carmen Ramos), quien sigue soltera,
por hacerse cargo
de su hermana muda “La Beba” (Victoria Benet),
ésta última al ser
muda, sólo se expresa por la mirada y la
gestualidad de su lenguaje
corporal.
La mujer se siente atada a cadena perpetua con
su hermana y a
ella le achaca todos sus males. Es el trabajo
que escrito y dirigido por
Mariana Giménez, el más pensado para un
público femenino.
Y finalmente los Antinavideños 2010, cierran
con un texto construido
en una perspectiva escatológica, “Baltasar”,
el cual es interpretado por
Hiram Molina, con gran soltura.
El fetichismo y sus consecuencias son
trazados; la soledad llevada a
sus extremos en un texto con un buen trazo
dramático, y a pesar que
hace reír, conmueve de manera profunda.
La temporada de los ANtinavideños, inició el
pasado 18 y terminará
el jueves 30 de diciembre, a excepción del 24
y el 25, se lleva a cabo
en el Teatro La Capilla, bien vale la pena la
vuelta.
EL AMOR EN EL OTOÑO DE LA VIDA EN
UN LARGO INTERMEDIO, DE NORMA ROMÁNCALVO,
BAJO LA DIRECCIÓN DE GERMÁN CASTILLO
Por:
Alejandro Laborie Elías
Un
sinnúmero de ocasiones hemos escuchado que el amor no tiene edades. El tema lo
retoma la maestra Norma Román Calvo para llevar a escena este sentimiento, cuando
los protagonistas están en el otoño de sus vidas, cuando el propio interesado
piensa que no tiene derecho a disfrutar, menos a sentir lo que considera sólo
debe acontecer en la juventud, en la obra intitulada Un largo intermedio.
Bajo la dirección de Germán Castillo, el texto cobra vida. Una
dramaturgia sencilla, sin mayores complicaciones de estructura, lineal y por lo
mismo predecible; no hay un fondo interesante para profundizar en la reflexión;
hay sentido del humor y es una comedia ligera que llama la atención que el
montaje tenga lugar en el Centro Cultural del Bosque.
Cinco personas de la tercera edad –tres mujeres y dos hombres- se reúnen
para dar paso a un reencuentro de viejos compañeros de escuela, después de
muchos años de no verse. Todos y cada uno van contando sus vidas, recuerdan sus
primeros amores, las frustraciones de quienes esperaban se les declararan y no
aconteció o a quienes les hubiera gustado manifestar su amor sin hacerlo. Todos
se cuestionan si han sido felices. Una de las amigas feliz viuda, otra que le
ha dado vuelo a la hilacha, otra que... Ellos, uno separado después de un
matrimonio desastroso, el otro un solterón empedernido que no quiere saber nada
de uniones formales.
Cinco desilusionados que se reencuentran en una cena aburrida,
intrascendente. Sin embargo, dos de ellos recordarán sus años mozos y las
respectivas atracciones que sentían el uno por el otro y… como cuento de hadas
un final feliz ante la alegría, real o fingida, del resto del grupo.
La historia es protagonizada por Martha Aura, María de la Luz Cendejas,
Bárbara Eibenschutz, Humberto Yáñez y Felio Eliel. Las actuaciones son bastante
disímbolas, diversos estilos y técnicas para abordar la propuesta dramatúrgica
y de dirección, esta última de lo más elemental y sin asumir ningún riesgo.
Lo mejor, actoralmente hablando, es Marta Aura –quien está más guapa que
nunca y con una gran personalidad- ella se roba la puesta, apartándose en
ocasiones de la comedia para entrar de lleno en un teatro serio. La
participación de María de la Luz es interesante, ya que no es un género donde
se le vea frecuentemente y junto con Marta son el alma de la obra. Bárbara, por
increíble que parezca, desconcertante, en ocasiones metida de lleno y en otras
distraída, sobre todo cuando se desplaza por el escenario; no como
justificación pero si como explicación , tal vez se deba a que sufrió un
accidente que le afectó uno de sus pies, hecho que obligó a suspender algunas
funciones después del estreno.
Humberto y Felio para llorar, ambos se encuentran en las postrimerías
como actores. Planos, poco emotivos, en ocasiones más recitando que expresando
con emotividad sus diálogos y con cero gracia cuando se trata de provocar la
risa en los espectadores.
En concreto una puesta en escena muy pobre, sin ninguna pretensión
estética o artística. Es un lástima porque se esperaba más de Germán y su
equipo actoral, salvo Marta y María de la Luz por lo antes expresado.
Rescatable la escenografía más que realista del propio Castillo.
Un largo intermedio, título que hace alusión al tiempo que pasó para que
la pareja que concretiza su reencuentro sentimental, desde que eran estudiantes
en la preparatoria hasta llegar a la tercera edad y convertir en realidad el
sueño que duró varias décadas.
La obra de la maestra Norma Román Calvo es representada en el Teatro
Orientación, del Centro Cultural del Bosque, en la Ciudad de México, los jueves
y viernes a las 20:00, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas.
Diciembre 2010
Varias Pastorelas y un gran montaje en el
Galeón
Por BENJAMIN BERNAL
Pastorelas:
Exconvento de Churubusco y Helénico
Llegaron la tradicional lucha del bien contra
el mal, en el convento de Churubusco, ubicado en la calle de Xiconténcatl ,
cerca del Metro General Anaya, se puede ver a Lucia Guilmain, Carlos Pichardo,
Salvador Hurtado, Daniel Abundis, David Parrilla, Dante Cerone, Gerardo del
Valle, María Sánchez, Nancy Gama, Meztli Piña, Gigi Avilez, Ensamble Barroco,
Músicos Norma Villarreal (Ars Antiqua) Flautas, Miguel Amin, Violin. En este
hermoso jardín han estado El Loco Valdez, Carlos Rico, Pablo Cheng. Lo
diferente es que siempre hay piñata, tamales, atole, para que la familia viva
una experiencia singular. Es la huerta del museo del General Anaya, el que dijo
“si tuviérmos municiones no estarían ustedes aquí”
En el Claustro del Helénico estará la
tradicional pastorela Mexicana, con Rogelio Guerra, Enrique Chi, Raúl Greco,
Montserrat De León, actores que encabezan el elenco, el Director y Productor es
Rafael Pardo, lo diferente es que se ha construido con dichos y refranes
populares “La tortilla y la mujer se deben comer bien calientes, pues si la
dejan enfriar ni el diablo les mete el diente; vámonos muriendo todos que están
enterrando gratis; si el trabajo es salud, que trabajen los enfermos” También
recomendamos la Pastorela de El Círculo Teatral, en Veracruz 107, Condesa,
dirige Victor Carpinteiro,entrada libre.
Veintidos, veintidós, en el Galeón
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En el Teatro Ofelia, Thiers y Ejército
Nacional, se puede ver esta obra de Odin Dupeyron, que actúa con Mauricio
Ochmann. El tema es vigente y candente, Mauricio es un hombre de mediana edad,
con una trayectoria llena de éxitos y fracasos, cuando lo vemos ya ha decidido
pasar a mejor vida. Sin embargo, no acaba ahí la obra, empieza, entra en esa
habitación un enigmático personaje, que podría ser un ángel, duende, demonio,
médium o fantasma, ha recibido la encomienda de hacer un recuento, del pasado
del humano. Es un trámite que no esperaba pasar.¿Qué puede reflexionar en estas
circunstancias? Quizá se enfrente uno a revisar decisiones actuales y pasadas,
que tendrán repercusión en el futuro. No debo platicarle más, debo decir que al
tiempo que se ve la angustia del recién fallecido, cada quien tiene pensamientos acerca de su propia biografía,
logrando así una catarsis colectiva, que es la misión primordial del teatro.
Sábados 6 y 8 p.m. Impactante.
Por el gusto de morir bajo el volcán, El
Galeón
Rafael Sánchez Navarro tiene uno de los roles
más difíciles en su carrera, logra sacarlo con gran talento. David Hevia adapta
la novela de Malcolm Lowry y también dirige. Quizá recuerde el libro,
calificada una novela fundamental para México. Retrata a un diplomático,
dipsómano, que vive en el Casino de la Selva, legendario hotel que estuvo en
Cuernavaca. La trama tiene sabor a Tennesse Williams o Eugene Oneil, presenta
seres decadentes en un mundo de apariencias. Le acompañan Marina de
Tavira,Sergio Cataño, Miguel Cooper, Miguel Conde, Miguel Angel López, entre
otros roles para enmarcar esa extraña mezcla que logra Hevia. Hay caprichos
como meter un gallo de pelea, una ¿teibolera? y la feria pueblerina cercana al
dia de muertos, excelente obra para ver actuar a un señorón de las tablas, en
una obra demasiado larga, pues nos hizo estar tres horas en el Galeón.
Excelente.
Teatrikando
Fela Fábregas es la mujer del año
Por BENJAMIN BERNAL
Un grupo de talentosas damas organiza desde
hace cincuenta años, la entrega de éste reconocimiento: entregan una estatuilla
y anillo de Diamantes Tiffany a una mujer.
Gaby Vargas, Silvia Pinal, Lolita Ayala, Ma. de los Angeles Moreno,
Julieta Fierro, estuvieron en el presídium, entre otras, ceremonia que se
realizó en el señorial Alcázar de Chapultepec para celebrar a la dama que se ha
distinguido por una vida de talento, Fela Fábregas, a quien damos el más
cordial de los abrazos por este reconocimiento nacional que está dando la
vuelta al mundo, no necesita presentaciones, es eje de la dinastía Fábregas,
cuya anterior cabeza fue Manolo, es una mujer valiosa para México, dueña del
Centro Teatral Privado más importante de Latino América y quizá del mundo,
además de productora. Los socios de APT nos unimos al júbilo de la familia
Teatral.
Moby Dick
Texto singular en que todo se explica,
evitando dejar que las acciones muestren lo que estamos viendo. Para mi gusto
es mejor el teatro en tiempo presente (aquí y ahora) donde el guión vaya
marcando el paso del tiempo mediante multimedia (que si hay) voz en off, otro
tipo de ayudas (que también hay) para dar vida a la novela de Herman Melville
(1819-1891) en que hay dos líneas de acción el hombre contra el mar y también
contra un magnífico ejemplar de ballena. Se enfrentan Ahab con una ballena
blanca, que simboliza el mundo, así como el entorno que le rodea podría ser la
humanidad, cada uno es parte de los vicios y virtudes de la humanidad. El
primer acto estuvo apoyado en su micrófono, magnifica cada emisión (¿en un foro
pequeño?) en el segundo descubrimos al actor sólo frente al público, sin
electrónica. Victor Civeira desempeña múltiples personajes bajo la dirección de
Lorenzo González Letechipia y algunos personajes incidentales. Lo más destacado
es la evolución limpia de Victor, que seesfuerza por transmitir su mensaje. Su
calificación es alta, si fuera boleta del uno al diez; se puede ver en el
Wilberto Cantón los miércoles a las 20 horas.
Tonantzin en la Carpa Geodésica
Germán Gastelum nos invitó a ver el ensayo
general de Tonantzin, obra de Agustin Morales Carvahlo, tuvieron la presencia
de aficionados y familiares. Me llama la atención el vestuario, el uso de
espacios, las actuaciones de todos y cada uno de los numerosos integrantes de
esta compañía. Se planea estrenar al tiempo que festejamos el 12 de diciembre,
dia consagrado a rendir homenaje a esta figura mítica importante para los
mexicanos. Hace muchos años leí a García Icazbalceta acerca de la
historicidad de la Virgen de Guadalupe,
años más tarde supe que Tonantzin era la deidad prehispánica que veían en la
imagen que conocemos. Disfruté mucho la entrega de los actores y la disciplina
que aplica Gastelum, su director. La música es muy agradable así como las
letras, a través de las cuales se narra esta visión antagónica, de los
españoles, los nativos de América y las dos religiones; he escuchado disertar a
Miguel Sabido acerca de esta etapa, ambos no hablaban el idioma del otro y
tampoco querían aprenderlo. Cada quien tenía en mente distintas
interpretaciones para el ícono. Se podrá ver los domingos a las 19 hs, frente
al Monumento a Obregón.
FRAGMENTOS DE UN DISCURSO EXPRESS
Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro
El amor, sublime sentimiento que en principio
todo lo puede, todo lo soporta y todo lo perdona, puede ser, y es, la fuente de
la que emanan todas las desgracias existenciales que llevan a la persona a
sucumbir en el laberinto de la desgracia sentimental.
Este es el tema fundamental de la puesta en
escena Fragmentos de un discurso express, tratado sobre el amor, híbrido basado
en Fragmentos de un discurso amoroso, de Roland Barthes y en Chungking Express
, de Wong Kar Wai, adaptados para el teatro en una versión libre por Laura
Uribe.
La trama gira en torno a un policía, He-Quiwu,
y una aeromoza, May. El primero, después de un encuentro circunstancial, se
prende de la mujer de una forma fatal, amor que durará por siempre, con la
salvedad de que no será correspondido. El infeliz ve en todas las mujeres a su
amada y se va relacionando con otras que, curiosamente, llevan por nombre el
mismo que lo perturba.
El infeliz queda a la espera de un cambio de
actitud de su amada, mientras tanto se dedica a comprar latas de piñas en
almíbar con la fecha de caducidad 1º de mayo, que es el postre favorito de May,
además de que es el día en que festeja su cumpleaños: “Si May no ha cambiado su
decisión cuando haya comprado 30 latas, entonces su amor también habrá
caducado”. De la misma forma los actores-personajes se preguntaran si el
sentimiento ha caducado.
Una historia de amor volátil, sin bases
sólidas, un amor espontáneo que se aferra a lo que no es, a lo que se cree
debería ser, a la estupidez en la que se hunden y la lucha en la que se
enfrascan todos aquellos que viven para el ser amado, esperando una
correspondencia que nunca se dará. Un hombre que deambula por el mundo sin más
ilusión que la que su propio engaño alimenta, una historia fragmentada como la
vida de su protagonista.
Laura Uribe asume una adaptación peculiar, en
el fondo toma las ideas, las interpreta y reinterpreta para el escenario, para
un espectáculo alternativo donde lo parte plástica es esencial.
A partir de un espacio vacío, los dos actores
–la actriz caracteriza varios personajes- se regodean en una danza de cortejo
amoroso, las coreografías, al menos en principio, son el alma de la propuesta y
las palabras sólo sirven para expresar ideas vagas pero con el suficiente
contenido para ubicar el contexto, todo apoyado en una multiplicidad y
diversidad de géneros musicales (pareciera que los temas salen de una rocola de
cantina).
Marianella Villa y Rodolfo Guillén son los
responsables de dar vida escénica a la tormentosa relación. Ella, una mujer
bajita de estatura sin mayores atributos físicos, explota de manera
sorprendente su gracia y talento, enriquece el espectáculo alternativo con su
agilidad y dotes para el baile – las coreografías no siguen los cánones
estrictos de cada uno de los géneros que se interpretan-, lo que a la postre
redunda en que Marianella sea el alma de la propuesta de Laura. Rodolfo denota
deficiencias actorales, falta de condición física y regular expresividad,
sobretodo si se parte del desgarramiento emocional que padece su personaje.
Laura se inclina por una literatura del
movimiento, por la sensualidad corporal, por el soporte de quienes están en
escena no por lo que está en el escenario, por una pantomima descriptiva. Una
iluminación sencilla y provocar la imaginación del espectador.
Un detalle interesante es que la obra
concluye, al menos es lo que se pensaría. Los actores dan las gracias e invitan
a quienes deseen retirarse a hacerlo y a los que decidan quedarse unos minutos
más… hay otra historia, un epílogo que…
Una adaptación y una propuesta alternativa
para adentrarse en las penalidades del amor, misma que se representa en el
Centro Cultural de la Diversidad (Colima 267, Col. Roma), de la Ciudad de
México, los miércoles a las 20:30 horas.
¿QUIÉN ES MACBETH?
Eugenia Galeano Inclán
28 de noviembre de 2010
Con tanta opción que nos ofrece la cartelera
teatral citadina, cada vez es más difícil elegir qué obra debemos ir a ver. En
ocasiones, basamos nuestra preferencia en el autor, otras tantas en el grupo o
compañía, nos puede llamar la atención el director, o bien, el elenco. De
cualquier forma, lo que habremos de ver queda sujeto al talento empeñado en la
realización del montaje, a nuestro gusto personal e incluso al sentir
individual del momento, toda vez que, según nuestras propias vivencias o
percepciones, una obra nos puede llegar más que otra en un momento determinado.
Ahora bien, entre las propuestas de teatro alternativo, aun cuando no
conozcamos a fondo la obra de un autor y el elenco nos sea totalmente
desconocido, podríamos llevarnos una grata sorpresa, como es el caso de la obra
de la que comentaremos en este espacio. Se trata de ¿Quién es Macbeth?, una
adaptación de Medardo Treviño sobre la obra de William Shakespeare.
Medardo Treviño vio su primera luz en el
Rancho El Chapotito, ubicado en el municipio de Río
Bravo, en Tamaulipas. Inicialmente había
pensado dedicarse a la medicina, para cuyo estudio
viajó a Monterrey. Por cosas del destino, tras
conocer a Luis Martín y a Lola Bravo su vocación
se inclinó hacia el teatro. Lo más probable es
que la semilla de esta vocación haya sido sembrada por la abuela de Medardo
desde sus primeros años de vida, pues él la reconoce como una narradora
imaginativa y espontánea que inventaba cuentos e historias para entretener a
los nietos. Ya imbuido en el ámbito teatral, cursó talleres con Hugo Argüelles,
Enrique Mijares y Oscar Liera, entre otros. Desde ese entonces, el motor de su
vida es el teatro. A lo largo de su vida laboral se ha desempeñado como actor,
director, dramaturgo, promotor cultural y periodista.
En la actualidad tiene tras de sí una extensa
trayectoria llevando el teatro tamaulipeco más allá
de cualquier frontera. Entre los múltiples
premios que le han sido otorgados destacan, por su
importancia, el Premio Nacional de Dramaturgia
Emilio Carballido que obtuvo el año pasado, su designación como Creador Emérito
de Tamaulipas en este año y su reciente ingreso al Sistema Nacional de
Creadores.
Consciente de los problemas que actualmente
aquejan al país, respetuoso de quien quiera alzar la voz sea en contra o a
favor, ávido testigo de las fuerzas políticas, de la lucha de poderes, lector
incansable, y conocedor del sentir humano, Medardo Treviño apuesta a un teatro
experimental en donde utiliza todos estos elementos para traducir su teatro en
vehículo social. La obra ¿Quién es Macbeth? gira en torno a los momentos
previos al suicidio de Lady Macbeth cuando para tomar la decisión final se
enfrenta con todos sus miedos, temores y repulsiones. Tomando como base el
texto del atemporal y siempre vigente William Shakespeare, Medardo crea un
concepto propio de gran impacto. Un concepto integral que es respetado de
principio a fin no sólo por él sino por todo su elenco en un montaje
excepcionalmente logrado, en donde habrá de participar en forma activa el
espectador común. Desde la tercera llamada integran a los asistentes, uno a
uno, conforme van ingresando al teatro.
¿Quién es Macbeth? está plagada de afligidos
personajes que no logran serenidad alguna ni para dormir, teniendo que cargar a
cuestas equipajes repletos de pesadillas o sentencias, presas de la ambición y
del deseo, objeto de maldiciones, acechados por sus propias culpas en todo
trance, con la muerte pisándoles los talones, sólo logrando transmutar la
realidad en pasajes oníricos que quizá los atemorizarán más que sus verdaderos
contrincantes. Personajes que no tienen forma ni sexo, a veces, brujas, a veces
humanos. Para encarnar a estos seres, Medardo cuenta con la complicidad y
entrega absoluta de su elenco formado por Mónica Gómez (Lady Macbeth), Víctor
Arellano (Macbeth), Taydeé Hernández, Carlos A. López, Salev Setra, Armando
Garrido y Pepe Navarrete (Brujas). Actores que entregan cuerpo y alma en cada
función, totalmente comprometidos en el proyecto, ofreciendo un trabajo actoral
y corporal descomunal. Sin desmerecer en lo más mínimo al resto del elenco,
pudiéramos decir que sobresale en cierta medida la interpretación de Mónica
Gómez, quizá por ser la única mujer, de frágil figura que contrasta enormemente
con sus atléticos movimientos, con una presencia escénica de gran fuerza y
capacidades corporales ilimitadas.
Magnífica labor desempeña Medardo Treviño en
la multiplicidad de sus funciones, como autor, director, diseñador de
escenografía (junto con Norte Sur Teatro), diseñador de Vestuario (junto con
Taydeé Hernández y Norte Sur Teatro), Productor Ejecutivo (también junto a
Norte Sur Teatro) y como iluminador activo.
El resto del equipo creativo está conformado
por Mónica Gómez como Asistente de Dirección,
Taydeé Hernández en la Coreografía, Rudy de la
Fuente en Maquillaje y Peinado, Arturo Honorio en el Diseño de Iluminación,
Salev Setra y Taydeé Hernández en la Selección Musical y Salev Setra como
entrenador de animales.
La coproducción de CONACULTA, el Instituto
Nacional de Bellas Artes, la Coordinación Nacional de Teatro y Norte Sur Teatro
¿Quién es Macbeth? se presentó en el Teatro Jiménez Rueda del 25 al 28 de
noviembre de 2010. Durante su presentación en Tampico la obra obtuvo diez
premios y su derecho a presentarse en la Muestra Nacional de Teatro.
Una gratificante puesta en escena con pocos
recursos, grandes sorpresas y tremendo impacto. La recomendamos ampliamente,
sugiriéndole no pierda la oportunidad de ver una última función en el Distrito
Federal el MARTES 30 DE NOVIEMBRE en EL CÍRCULO TEATRAL a las OCHO DE LA NOCHE.
Procure llegar temprano, el cupo es limitado.
MEDARDO TREVIÑO RESPONSABLE DE UNA
IMPRESIONANTE REINTERPRETACIÓN DE MACBETH
Por: Alejandro Laborie Elías
William
Shakespeare, probablemente sea el dramaturgo que más es llevado a escena en el
mundo, tanto por la belleza de sus textos como por la profundidad de los temas
que trata. Ningún director se considera pleno si no ha montado alguna de sus
obras, sea en la forma tradicional o convencional, o por arriesgar hacia nuevas
propuestas, relecturas, adaptaciones, estilos, cambios de géneros o un largo
etcétera.
Medardo Treviño, director tamaulipeco no es la excepción. Tuve la
oportunidad de conocerlo alrededor de hace 20 años, en Ciudad Victoria y desde
ese entonces su ímpetu juvenil lo llevaba a asumir propuestas de vanguardia, en
una época donde las dificultades eran muchas, donde la moral provinciana no
aceptaba que los directores se salieran de los convencionalismos estéticos y
éticos, sin embargo a él eso no lo detuvo.
Al
frente de un grupo de entusiastas, retadores e irreverentes actores se
comprometió con sus ideales teatrales, lo que a la postre lo convirtió en uno
de los más destacados representantes del teatro del noreste de la República
Mexicana. El tiempo ha pasado y para fortuna de quienes lo conocemos y respetamos,
su necesidad de apartarse de lo fácil, de no agradar a quienes no ven más allá
de sus narices, Medardo continúa sorprendiendo, provocando, retando al
espectador para que amplíe su panorama teatral.
Su
teatro podrá o no gustar, lo cierto es que no pasa desapercibido, siempre
quedan en la memoria sus montajes. En el caso que nos concierne para efectos de
esta nota, la puesta lleva por título ¿Quién es Macbeth?, adaptación sobre la
obra de William Shakespeare.
Si bien
el “nuevo” texto conserva la esencia y las condiciones propias de los
personajes, Medardo le da un enfoque actual, contemporáneo, pero por ello no se
debe entender o creer que lo que hace es traer la trama y a los protagonistas a
nuestro México contemporáneo.
Lo que concretiza es extraer el fondo con otra
forma para penetrar, taladrar y ensangrentar el alma de aquellos cuya
indiferencia a la violencia, traiciones, impunidad y… reaccionen. Creo, a
título estrictamente personal, que al igual que Shakespeare -toda proporción
guardada- Medardo toma una historia que sucede en cualquier parte del mundo
para mostrar la realidad que acontece en el mundo real en el que vivimos los
mexicanos.
Un
escenario en penumbra, donde los personajes transitan como fantasmas de una
realidad que existe pero que no se quiere ver. Aquí cabe destacar que la mayor
parte de la iluminación se realiza con lámparas de mano -creo que se les conoce
comúnmente como sordas- manipuladas por los mismo actores y dos personas de
apoyo en el proscenio. Un efecto difícil de explicar con palabras, porque el
teatro es para verse no para contarse. Lo cierto es que a partir de una
concepción lumínica de los más sencillo, logra efectos de luz y sobras
impresionantes.
Otro
aspecto a destacar es la unidad del espectáculo. De principio a fin es
homogéneo con el planteamiento de Medardo no hay “locuras” u ocurrencias a
medio camino. Un montaje inmerso en la violencia, pero no descarada sino a
partir de simbolismo que adquieren, si se me permite la estupidez, un tono
poético; un modo de asumir la fealdad de la humanidad para crear una belleza
teatral. La sencillez llevada hasta sus últimas consecuencias para crear una
complejidad a partir de la nada, que en principio es injusto, porque la “nada”
es el talento para crear a partir de la imaginación, de lo onírico, de la
necesidad de ser y estar.
La
sangre corre por el escenario, dos estructuras se transforman en todo sin dejar
de ser nada. El vestuario desgarrado es
el alma misma de quienes se debaten en la lucha por el poder. La traición y el
asesinato en la que viven nuestros políticos queda a la luz en medio de la
penumbra que demuestra la vasca que es la política en todos los tiempos.
Medardo conjuga a la perfección reflexión y arte.
El
elenco, integrado por tan sólo siete actores, se compenetra de lleno en el
planteamiento del director; ninguno se antepone al resto, una unidad actoral
impecable, asumiendo riesgos físicos e histriónicos. Todo o nada.
¿Quién
es Macbeth? se presentó en la Ciudad de México, con tan sólo dos funciones en el
teatro Jiménez Rueda, provocando la admiración del respetable, que en más de
algún caso se conmocionó y sorprendió con el buen teatro que se hace en el
interior de la República Mexicana, en concreto en Tamaulipas. Se programo una
función más en el Círculo Teatral y sin haberla visto y prejuzgando no es el
espacio conveniente para la puesta, partiendo de sus limitadas dimensiones.
En fin,
para aquellos que tengan la oportunidad de ver esta puesta en escena no lo
duden ni un minuto, si no quedo a merced de sus reclamaciones aunque termine
como Macbeth.
Noviembre 2010
LUMI CABAZOS Y CARLOS ARAGÓN PROTAGONIZAN
LA LARGA CENA DE NAVIDAD
Por: Alejandro Laborie Elías
Una de las grandes fiestas que se celebran en
buena parte del mundo es con motivo del nacimiento de Jesús, ocasión que reúne
a las familias en torno a la mesa para compartir los alimentos e intercambiar
regalos, además de que es la oportunidad ideal para olvidar rencores y perdonar
ofensas. La Nochebuena también es motivo de tristeza para muchos, sobre todo
cuando por primera vez no estarán los seres queridos que se han adelantado al
más allá.
Este es el punto de partida de la puesta en escena La larga cena de
Navidad, de Thornton Wilder, bajo la dirección de Otto Minera, que tiene como
peculiaridad –en clara alusión al título- que el convivio tiene una duración de
noventa años, a pesar de que el montaje se desarrolla en tan sólo hora y media.
Se trata de una pieza, que como tal tiene poca acción, muestra aspectos
cotidianos que a pesar de ser poco complejos aunque si frecuentes, sirven al o
a los personajes –y al público- para extraer conclusiones importantes que
transforman sus vidas. Más que una acción externa hay una acción interna.
Cabe destacar la excelente dramaturgia del estadounidense, quien con
sólo una palabra o un diálogo logra que el espectador capte que han pasado uno
o varios años, aún cuando no hay cambios bruscos de escenas, apagones o
telonazos. Cuatro generaciones transitan frente al público y transmitirán su
sentir, su devenir y mostraran mucho de lo que hay en su interior.
El texto no es un tratado sobre la condición humana o sobre las
tradiciones sociales, de forma sencilla aborda la cotidianidad de la vida y de
la muerte; de cómo las familias ven llegar nuevos miembros y a la par otros
parten; generaciones que dan paso a las siguientes, porque el mundo continúa
girando y sólo los protagonistas se van sucediendo.
Sin embargo, una cosa es el texto donde el dramaturgo puede escribir y sugerir
todo lo que desee y otra, muy diferente, es que el director logre el cometido.
En este caso concreto, Otto Minera –también responsable de la traducción y
adaptación al ámbito de la sociedad mexicana- con algunas modificaciones en el
vestuario o aditamentos como anteojos o pelucas y algunos toques de maquillaje
que se hacen frente a los espectadores, concretiza en el escenario el
trascurrir del tiempo.
Otto, con el apoyo de Humberto Spíndola (arte), Atenea Chávez y Auda
Caraza (escenografía), Cristina Sauza (vestuario) y Marcela Flores
(iluminación), recrean un comedor sencillo, se puede decir que simple, que
consta de una mesa que se “abre” en tres partes, para dejar hacia el proscenio
una especie de altar tipo ofrenda. Además de dos “puertas”, por la que llegaran
los nuevos miembros de la familia y partirán los que han cumplido su ciclo
existencial.
El principio de la puesta da la impresión, tal vez por la época, que la
concepción escénica del director se aproxima más a una pastorela, inclusive el
“decorado” reafirma la impresión inicial, sin embargo a medida que transcurre
la misma, se olvida el espacio tan simplón donde de desarrolla la pieza, para
adentrarse en la esencia misma del texto.
El elenco lo encabezan Lumi Cabazos y Carlos Aragón. La primera retorna
a los escenarios después de una larga ausencia y a pesar de ello demuestra que
tiene la suficiente experiencia para subir al tablado y explotar su talento.
Con relación a Carlos no hay mucho que agregar, es un primer actor y en este
caso sólo lo vuelve a demostrar.
Otros
que destacan por su histrionismo y capacidad “camaleónica” son Sofía Padilla,
Emilio Guerrero y, en forma especial y callada (su personaje no tiene diálogos)
Victoria Santaella, a quien injustamente le dan un lugar de tercera en el
programa de mano, cuando su trabajo es muy superior (valga la redundancia) con
respecto a otros con más fama.
Una excelente obra que invita a la reflexión, no aquella que obliga a la
profundidad del pensamiento que trata de razonar todo, en este caso la
sencillez de la cotidianeidad es lo que queda en el centro de la temática.
Texto ideal para esta época, que como cada año
reunirá en torno a la mesa a la familia y -aunque sea en espíritu- a los que
nos han dejado aún cuando sobrevivan en el recuerdo de quienes los aman.
La larga cena de Navidad se representa en el teatro Wilberto Cantón, de
la Ciudad de México, los viernes alas 19:30 y 21:30, sábados 19:00 y 21:00 y
domingos 18:00 y 20:00 horas.
Noviembre 2010
Teatrikando
Hablemos de foros alternativos
A veces se encuentra uno
<verdaderas joyas>
Por BENJAMIN BERNAL
Hoy hablaremos de Los
fastidios minúsculos del matrimonio, texto de Alfonso Reyes, con actuación
de Marcia Romero. Nos cuenta que a partir de un texto de García Márquez
empezaron a trabajar este montaje, hasta que lograron su propio texto, son
totalmente distintos, hizo temporada los martes. Habla de una mujer que espera
a la pareja, narra lo que siente y desea expres ar, mi entusiasmo por este trabajo
es sincera actuación de la monologuista, resulta un reto convencer al
respetable con un tema muy visto como el de la soledad. Recuerdo La voz Humana,
No soy feliz pero tengo marido, que realiza actualmente Laura Zapata. Excelente
trabajo de este director y su actriz estuvo en el Foco ( Tlacotalpan 16
col.Roma)
Estocolmo, en el Wilberto Cantón
Germán Gastelum dirige a Fernanda
Cantón y Carlos Barroso, un texto por demás interesante de Luis Carlos
Pichardo, que hace mofa de los roles tradicionales de captor y raptada. Se
trata de mostrar la virilidad, empuje, conocimiento de un novelista para
desarrollar su labor cuando tiene a una linda chica capturada. Ella no le cree
nada, al contrario, cuando puede toma la iniciativa y le da órdenes, llega el
momento en que podría escapar y no lo hace, es más divertido quedarse a
trabajar con su amigo esa narración de crímenes que nunca cometerá, siempre
será más divertida la fantasía. Una farsa, un tanto cargada al terreno del
absurdo, momentos de lucha libre, flashes del subconsciente para que se luzcan
ese excelente par de actores jóvenes. Muy divertida, se puede ver los lunes en
el Wilberto Cantón de Guadalupe Inn.
Rebanadas de vida
El
texto es de Verónica Musalem y la dirección de Angélica Rogel, de la Muestra de
Artes Escénicas de la ciudad de México, estuvo en el Sergio Magaña, me tocó
verlos en una vecindad de la calle de Cuba, por el momento ahí terminan. Se
trata de convocar a los habitantes de una cierta zona para asistir al teatro.
Que vean momentos en la vida de una pareja singular, ya que Pilar Cerecero y
Mahalat Sánchez conducen un programa de televisión acerca de cocina. De manera
intermitente se plantean escenas de otra especie, amores, desamores, para que
vayamos divirtiéndonos con este ejercicio actoral que dura menos de hora y
media. Afortunadamente fue un viernes por la noche en que el frio nos respetó,
había público de todas las edades, custodiados por los muros descarapelados,
ideales para una acuarela, con una columna sosteniendo un puente que algún días
se caerá, permitió disfrutar de estas dos jovencitas con ganas de crear nuevo
público con este texto ingenioso. Este fin de semana acaba el Festival y tiene
múltiples sedes.
Las embarazadas
Ya regresaron de Chile y Colombia a
donde fueron a representar a México. Gaby Bermúdez y Marcela Morett, bajo la
dirección de Renato de la Riva logran una extraordinaria aventura en el estilo
de González Caballero, hijo directo de Ionesco, pero muy chilango. Demuestran
cada noche por qué los invitaron a estos festivales y divirtieron a los
sudamericanos estas dos señoronas con enormes vientres a punto de explotar,
reunidas para dialogar entre ellas, con los metiches de sus bebés en el
vientre, con precisión matemática de la cabina para meter sus voces y efectos
especiales, sábados, Foro Luces de Bohemia, Orizaba 193,col. Roma.ma.
Teatrikando
El Coleccionista
La mente de él es diferente a todas las que usted ha conocido, se ha
enamorado de Miranda, jovencita que piensa sólo en su escuela y en el arte, en
tanto que Frederick se ve favorecido con un golpe de suerte que le hace soñar
en tener lo que sabe será imposible. O quizá sea perfectamente realizable, todo
es cuestión del azar, esa es la labor del dramaturgo, mantenernos atentos a la
escena que viene, donde es apreciable la inteligencia del personaje femenino
que avanza, retrocede, para ir conociendo a un hombre que tiene sus manías, tics, desos, frustraciones, para mantener a cada aficionado al teatro
como un psiquiatra en activo.
Benjamin Cann es quien dirige, también la adaptación, el tiene una larga
trayectoria, entre las que recordamos Una vida en el Teatro, Enemigos de clase;
Máscara contra Cabellera, obra de Victor Hugo Rascón Banda, obra absolutamente
visual, que versa sobre el sindicalismo en el medio de las luchas, el pancracio
pues, recordamos la obra con cariño y admiración, ahora que ya se
esta olvidando al Chihuahuense, al morir todo mundo le rendía homenajes y ahora
sus obras están en los anaqueles, se montan obras extranjera y sólo se le
menciona en los discursos. Pero regresando a El Coleccionista, podemos asegurar
que vimos un trabajo equilibrado, en el que cada elemento está en su lugar. Ha
trabajado cada escena de una manera fina, con inmersiones en el alma humana
para divertirnos y aprender un poco más de esto que llaman el síndrome de
Estocolmo, empezar a tener simpatía por el captor y hasta complicidad, aunque
usted no lo crea.
Una obra que usted puede ver en el Helénico de Avenida Revolución 1,500, en
San Angel. Puede usted tener la seguridad de que verá una obra diferente al
filme, ya que al ser dos lenguajes, un director y dos actores distintos, cada
equilibrio y momento dramático cambia, es fino, pero es chilango.
Fue una de las alfombras rojas con mayor lucimiento del año: Pepe Solé,
Alejandro y Odiseo Bichir, Lilia Aragón, Paty Pascual, Ignacio López Tarso, Shanik
Berman, Laura Luz, para acompañar otra producción de Pedro y Jorge Ortiz de
Pinedo.
Teatrikando
Rain Man, del cine al teatro
Por BENJAMIN BERNAL
Uno de los más esperados estrenos del año, que reunió una amplia colección
de figuras del espectáculo, ya sabe usted, en la calle de Versalles,
el Teatro Diego Rivera. Como era de esperarse la función empezó tarde.
Platicamos con Alejandro Gou (que celebra el 29 cien funciones de Timbiriche) José
María Yazpik, Rafael Perrin y Manuel Landeta, entre muchos famosos que
acudieron a ver el éxito de esta obra que protagonizaron Tom Cruise y Dustin
Hoffman en cine, en 1998 ganó algunos premios Oscar. Me llama la atención que
crean que es interesante revivir los éxitos ochenteros, el público es quien
tiene la última palabra.
Nos recibe una escenografía un tanto rara, pues los principales momentos
suceden al fondo en vez de al frente (proscenio) madera y beige, la ropa
refleja esa era en que todavía se adoraba a los Beatles y anunciaba que vendría
el baile Disco con John Travolta. Podían haberlo ambientado con multimedia, en
vez de utilizar una escenografía de Sergio Villegas que seguramente no ganará
premio alguno. Nos enteran que Rain Man era un amigo imaginario de su infancia, del joven interpretado por
Alfonso Herrera, expresa que a su padre “nada de lo que el hiciera le parecía
suficiente”, quien interpreta a un Yuppie (Young urban profesional) que
tuvieron toda una legendaria época, por sus pocos escrúpulos para generar
dinero. El billete era como un dios.
La dirección es un tanto convencional, habían muchas formas de ir
resolviendo el avance de las escenas, la que escogió no resulta del todo bella
y ágil. Insistimos con un poco de multimedia y trasladar los momentos más
emocionantes a proscenio hubiera ganado fuerza narrativa. Pero, pues así está
dirigida. La novia de Alfonso es Paola Núñez, quien logra cumplir con una
actuación sincera, en tono medio, con la función de ser la conciencia del
ambicioso hermano. Su padre ha dejado un testamento que no le satisface ni
tantito. Pero no es mi estilo contarle la trama, sino las sensaciones que usted
podría tener con esta elenco de primer nivel.
El autismo es un tema de moda, en aquellos años apenas se empezaba a
difundir a nivel general. El autista es Plutarco Haza, el Yuppi es Alfonso
Herrera, quien lleva el enorme peso de ir viviendo distintas etapas y emociones
porque a nadie la gusta hacerse responsable de un hermano con una psicología
diferente. Probablemente usted ha visto el filme que ya pasa por tv abierta. Esta
forma de percibir la realidad deja que desarrolle ciertas percepciones, pero
niega el acceso a otras. En este caso el hermano tiene una gran capacidad
matemática que da lugar a momentos jocosos. La actuación de Plutarco ganan la
simpatía del público que le premia con aplausos durante el desarrollo de la
obra.
Por su parte Alfonso Herrera tiene el hueso duro de roer, un
tipo duro, con avaricia, que deberá sufrir transformaciones, o sea, lo que
juzgamos un personaje complejo sobre los escenarios. “Esta desmaplizado y
deslibrizado” Plutarco son de los momentos de especial humor de esta obra. Los
gestos del autista con frecuencia afectan el sonido del micrófono, hay que
cuidarlo.
Una obra que irá perfeccionándose con las funciones, pero que ya desde el
estreno para prensa se puede apreciar que es un gran trabajo, en que dos
actores se lucen y mandan a casa al público con una reflexión: respetar y amar
a nuestra familia si es “diferente”
Teatrikando
Hidalgo
¡Qué texto logró Miguel Sabido¡ y logró
deslumbrar en el Teatro Hidalgo este mes de noviembre, para recordar que se
cumplen cien años de la Guerra de Independencia. Como se dijo esa noche, es un
conjunto actoral de excelencia el que da vida a “El Juicio de Hidalgo”, denominado
humildemente “espectáculo”, cuando en realidad es un drama histórico con toda
la barba. Fue un lleno total para uno de los recintos con más butacas en
México, con todo y que deseaban demolerlo hace un par de años, en un acto
criminal al que todos los teatristas se unieron para evitarlo.
Roberto Sosa, Angélica Aragón, Eduardo
Santamarina, Juan Ignacio Aranda, Manuel Ojeda, Roberto Damico, acompañan al
padre de la patria, encarnado en Jorge Ortiz de Pinedo. Siempre se acerca el
aficionado a los teatros para ver a su figura televisiva ante un reto formal y
serio como el que reseñamos, así que podemos comunicar el resultado placentero
de ver un gran texto, interpretado con limpieza en cada uno de los detalles. La
materia prima de un montaje es la parte literaria, la selección de los actores
(Rafael Inclán, en El Avaro fue otro acierto de Sabido hace pocos meses) el
desempeño de cada uno, escenografía, multimedia, vestuario y cada detalle para
servir al mensaje del autor. Y cumple con amplitud.
Nos recibe un discurso fuerte de Roberto Sosa,
al fondo se ve una pirámide, momentos después estará el escenario vacío. Nos
informan sobre la discusión de la época “ser gente de razón o indio”, “había
prohibición para que montaran caballo, tener armas” ser como los demás y vivir
con leyes distintas. Hidalgo enseñaba todas las ideas nacidas en la Revolución
Francesa con Voltaire y Montesquieu. Falsamente se acusó a Hidalgo de Ateo, ¿no
vieron que usó a la Virgen de Guadalupe como baluarte? Hay parlamentos que
mueven a profunda reflexión a quienes estudiamos historia, era necesario ver
esos textos representados para una vivencia total. ¿Cómo debían llamarse?
¿Novohispanos? Estados Unidos de América nos ganó el nombre, que era el más
exacto. Además recriminan haber dado acceso al bautismo a los naturales de
América.
Califican a Miguel Hidalgo y Castillo de afrancesado organizador de obras teatrales de
Moliere, y que tuvo cuatro hijos con sus feligresas. Nos comunican que Nepantla
quiere decir “entre dos”, ¿un sacerdote o un libertino? Hay toda una lección
acerca de las castas que existían, saltapatrás, chirrión… también la diferencia
entre los Españoles de nobles intenciones y los gachupines que eran quienes
comerciaban con seres humanos, innobles que abusaban y explotaban a los indios.
¿Era una guerra santa? Los dioses antiguos contra los dioses recién conocidos
en América?
Hay aplausos a los textos que monologan la
Corregidora, protagonizado por Angélica Aragón, a Damico, Roberto Sosa, Manuel
Ojeda y por supuesto Ortíz de Pinedo. Tonantzin Guadalupe es mostrada en
múltiples ocasiones para dar sentido a los momentos de efervescencia, con uso
de la video proyección para completar la narración con close ups. Logra
emocionar ante 300 años de odio acumulado contra los gachupines. Dirige el
mismo Miguel Sabido
AZIZ GUAL: UN HURACÁN EN ESCENA
Por Perla Schwartz
La creatividad desbordante, un espléndido lenguaje corporal y un
manejo profundo de la mímica son los elementos que desarrolla, en un
equilibrio fusionado, Aziz Gual en su espectáculo “Huraclown”, que se
presenta sábados y domingos a las 13 horas en el teatro Casa de la
Paz.
Él es uno de los más destacados clowns mexicanos y ello lo deja
entrever, graduado del Ringling Bros and Barnus Circus en México,
Gual se impone en escena, a partir de su gran fuerza expresiva. En su
espectáculo unipersonal, él despliega talento y sensibilidad, por ello
mismo, atrae de manera igual a niños y adultos.
El espectador tan sólo debe permitir emprender una travesía a través
de la imaginación. “Huraclown” se conforma de alrededor de 15
cuadros, que a modo de un modelo para armar, se van enlazando el
uno con el otro, a pesar de ser independientes entre sí.
La mayoría de ellos, no obstante de tener un tinte lúdico, tienen un
dejo de nostalgia o de melancolía. Gual sabe equilibrar la fantasía,
con la espontaneidad y el dominio de la técnica clown. El becario
del FONCA 2009-2011, con trayectoria destacada como intérprete,
requiere tan sólo de los recursos mínimos para actuar.
Lo mismo se presenta un cuadro sobre gangsters, que a pesar de
sus caras de malvados son muy graciosos, o el hombre que envejece
por esperar y esperar la llegada al parque de la mujer amada quien
nunca se presente.
Alegre es la escena del clown que toca el acordeón, o cuando hace
equilibrios para no caerse de su monociclo. Pero de los momentos
más vibrantes de este espectáculo es la coreografía dedicada a los
resortes gigantescos, capaces de expeler varios globos blancos.
Aquí, como en algunos otros cuadros, Gual es apoyado por Valerio
Vázquez y Malcolm Méndez.
Pero uno de los cuadros más emotivos es cuando el clown va a
bordo de su barca- hecha con papel estraza, navega en un mar
de plástico azul y parte a la búsqueda de su amada y entona una
romanza.
En suma, Aziz Gual divierte y lleva a su espectador a una travesía
donde el timón es la imaginación.
EL AMOR FUENTE DE LA QUE EMANAN LAS
DESGRACIAS EXISTENCIALES ENFRAGMENTOS DE UN DISCURSO EXPRESS
Por: Alejandro Laborie Elías
El amor, sublime sentimiento que en principio todo lo
puede, todo lo soporta y todo lo perdona, puede ser, y es, la fuente de la que
emanan todas las desgracias existenciales que llevan a la persona a sucumbir en
el laberinto de la desgracia sentimental.
Este
es el tema fundamental de la puesta en escena Fragmentos de un discurso
express, tratado sobre el amor, híbrido basado en Fragmentos
de un discurso amoroso, de Roland Barthes y enChungking
Express, de Wong Kar Wai, adaptados para el teatro en una versión libre por
Laura Uribe.
La
trama gira en torno a un policía, He-Quiwu, y una aeromoza, May. El primero,
después de un encuentro circunstancial, se prende de la mujer de una forma
fatal, amor que durará por siempre, con la salvedad de que no será
correspondido. El infeliz ve en todas las mujeres a su amada y se va
relacionando con otras que, curiosamente, llevan por nombre el mismo que lo
perturba.
El
infeliz queda a la espera de un cambio de actitud de su amada, mientras tanto
se dedica a comprar latas de piñas en almíbar con la fecha de caducidad 1º de
mayo, que es el postre favorito de May, además de que es el día en que festeja
su cumpleaños: “Si May no ha cambiado su decisión cuando haya comprado 30
latas, entonces su amor también habrá caducado”. De la misma forma los
actores-personajes se preguntaran si el sentimiento ha caducado.
Una
historia de amor volátil, sin bases sólidas, un amor espontáneo que se aferra a
lo que no es, a lo que se cree debería ser, a la estupidez en la que se hunden
y la lucha en la que se enfrascan todos aquellos que viven para el ser amado,
esperando una correspondencia que nunca se dará. Un hombre que deambula por el
mundo sin más ilusión que la que su propio engaño alimenta, una historia
fragmentada como la vida de su protagonista.
Laura
Uribe asume una adaptación peculiar, en el fondo toma las ideas, las interpreta
y reinterpreta para el escenario, para un espectáculo alternativo donde lo
parte plástica es esencial.
A partir de un espacio vacío, los dos
actores –la actriz caracteriza varios personajes- se regodean en una danza de
cortejo amoroso, las coreografías, al menos en principio, son el alma de la
propuesta y las palabras sólo sirven para expresar ideas vagas pero con el
suficiente contenido para ubicar el contexto, todo apoyado en una multiplicidad
y diversidad de géneros musicales (pareciera que los temas salen de una rocola
de cantina).
Marianella
Villa y Rodolfo Guillén son los responsables de dar vida escénica a la
tormentosa relación. Ella, una mujer bajita de estatura sin mayores atributos
físicos, explota de manera sorprendente su gracia y talento, enriquece el
espectáculo alternativo con su agilidad y dotes para el baile – las
coreografías no siguen los cánones estrictos de cada uno de los géneros que se
interpretan-, lo que a la postre redunda en que Marianella sea el alma de la
propuesta de Laura. Rodolfo denota deficiencias actorales, falta de condición
física y regular expresividad, sobretodo si se parte del desgarramiento
emocional que padece su personaje.
Laura
se inclina por una literatura del movimiento, por la sensualidad corporal, por
el soporte de quienes están en escena no por lo que está en el escenario, por
una pantomima descriptiva. Una iluminación sencilla y provocar la imaginación
del espectador.
Un
detalle interesante es que la obra concluye, al menos es lo que se pensaría.
Los actores dan las gracias e invitan a quienes deseen retirarse a hacerlo y a
los que decidan quedarse unos minutos más… hay otra historia, un epílogo que…
Una
adaptación y una propuesta alternativa para adentrarse en las penalidades del
amor, misma que se representa en el Centro Cultural de la Diversidad (Colima
267, Col. Roma), de la Ciudad de México, los martes a las 20:30 horas.
Noviembre 2010
Teatrikando
¿Por qué gusta "A chorus line" La línea del coro
*¿Es un clásico?
* ¿Una vez que usted es primera figura, se iría al coro?
Por BENJAMIN BERNAL
¿Cuáles son las comedias musicales que se consideran “Clásicas”? Oklahoma,
West Side Story y A Chorus line, la primera porque usa las coreografía como
parta de la narración, si se eliminaran quedaría trunca la historia; la segunda
al introducir el jazz bailado, con una historia poco convencional, Hamlet en
los suburbios neoyorquinos; y la obra que nos ocupa A Chorus line, interesante
para quien se quiera asomar a la vida y alma de los bailarines de un arte que,
se dice en la obra, está languideciendo. Aunque en la realidad, México vive una
especial efervescencia de musicales, al grado de que asegura Alvaro
Cerviño hay más escuelas de esa materia que Oxxos.
Alguna vez se habló de Mary Poppins como proyecto de Ocesa, la que tendrá
que seguir esperando,pues estamos asistiendo a los últimos estrenos del año,
con Juegos Siniestros, de Anthony Shaffer, en el Insurgentes con Daniel Gimenez
Cacho y Jose Maria Yazpik.
Lograron en muy poco tiempo éste montaje cien por ciento profesional
y bien aterrizado, hace pocos meses dábamos cuenta de la presentación del
elenco, luego acudimos al ensayo para prensa, y por fin, estuvimos en el
estreno, que cumplió y quizá excedió expectativas. En una de estas reuniones
Morris Gilberto aseguró que si no hay suficiente dinero para un montajes, es
mejor no meterse, lo que constatamos, es una obra sin las grandes inversiones
de La Bella y la Bestia o Los Miserables, pero esta obra número 19 de Ocesa,
tiene todos los elementos de las grandes producciones, la promoción entre
ellos.
Logran close ups cerrando espacios de luz, para enfatizar algunos instantes,
cada uno de los integrantes desarrolla su momento especial para contar detalles
curriculares. El hispano Paco Morales es Zach el director que mantuvo una
relación con Cassie, realizado con gran calidad por Estibalitz Ruiz, Mauricio
Salas tiene un carismático rol que cumple fielmente, el relatar con desenfado
su incursión en el show busines. El elenco es numeroso, Gabriela Albo, Ana
Cecilia Anzaldúa, Cecilia de la Cueva, Alma Escudero, Roberto Hernández,
Humberto Ramos, entre otros. Hay varios roles destacables, por la personalidad
que adoptan, la historia que narran, los momentos especialmente diseñados para
emocionar.
La historia que contiene es atractiva para el público, conocerá las
peripecias de cada aspirante, un dia descubren que bailar es una forma
de fuga, el teatro es puerta abierta a la libertad, donde la edad marca una
frontera absoluta, los contratos dependen de pasar una sesión como esta, donde
hay una persona que nos analiza y juzga si debe aceptar a alguien. Una breve
sesión no permite ver las posibilidades futuras, un instante de nerviosismo y
habrá que esperar otra oportunidad. Cada uno tiene una personalidad, la
apreciamos, pero cuando visten el traje final, todos son iguales, escena
visualmente poderosa, que refleja el glamour, luminosidad, elegancia de las
grandes producciones; pero todos ellos son piezas intercambiables, con
substitutos y relevos, es esa quizá la nostalgia que nos dejan los diez y nueve
personajes y más de quince números musicales.
La prueba más grande de un musical es analizar al salir, ¿hay alguna tonada
que se me haya quedado?, una idea, momento, personaje, ¿me ha dejado huella
imborrable? Si, créame, al salir recordará múltiples imágenes y notas con
brillos dorados.
Teatrikando
Juegos siniestros
Por BENJAMIN BERNAL
Usted ha visto los anuncios de Juegos Siniestros,
Daniel Gimenez Cacho y Jose Maria Yazpik la estrenaron en el Insurgentes con dirección de Enrique
Singer y escenografía de Jorge Ballina,
excelentes todos los elementos de este manjar artístico. Evento que
convierte la semana en la más importante del año en la actividad Teatral. A
Chorus line y la que nos ocupa, uf, dos alfombras rojas memorables (bueno, ni
eran rojas, pero así se dice) Los productores más exitosos de los últimos años
estuvieron reunido, Morris Gilbert, Fela Fábregas, Federico González Compean,
Tina Galindo, Claudio Carrera, dando la bienvenida a Leonor Teatro, empresa
productora que tiene a la cabeza a Jose Maria Yazpik.
Lejos estamos de Gou, Varela, padres,
Palacios, Ramiro Jiménez, generaciones de empresarios que ya han cedido la
batuta a las que estamos viendo llegar, entre ellos esta Pedro, hijo de Jorge
Ortiz de Pinedo que el dia 12 estrena El Coleccionista en el Helénico, con
Bárbara Mori y Bruno Bichir, la dirección es de Benjamín Cann.
Me pareció asistir a El Sabueso, obra
estrenada en el Manolo Fábregas, con Adolfo Marsillac y Manolo Fábregas, obra
de Anthony Shaffer, en 1971. Se parece
un tanto al inicio, más adelante, demuestra el autor de Sleuth, Juegos
siniestros, por qué es un éxito su texto. Hay un poco de acento hispano en
Giménez Cacho me decía Fela, bueno, pues quizá sean los nervios. Evitaré contar
la trama, no es mi hábito, es mala idea decir que John es el asesino.
Una historia de suspenso, el personaje central
es el autor, hermano gemelo de Peter Shaffer (Eqqus) el secreto de ésta obra es
no transitar sobre lo aparente y siempre guardar otra prestidigitación
literaria. Vuelta de tuerca le dicen a estas apariciones, para decirlo con
retórica. Vayamos por partes: vemos una escenografía monumental, como la
apabullante fuente de Trevi en Elsa y Fred, para ubicarnos en una mansión con
cuatro vistas, una es la sala, otra es la parte donde hay un guarda ropa,
entrada principal con estanque y vista desde una ventana. También nos recibirá
un maniquí, para adentrarnos en la atmósfera de misterio.
Al inicio, sabemos que Daniel Giménez Cacho ha
descubierto que su mujer tiene un amante, por lo que desea confrontarse con él,
encuentro que guarda situaciones y giros inesperados. Estamos en Londres,
capital de las novelas detectivescas, Agatha Christie y Connann Doyle le
preceden. Hay una gran cantidad de
detalles que me gustaría destacar, momentos para hacer énfasis en un lugar o
detalle, que servirá para culminar otra idea macabra. Esa es la mente
prodigiosa de quien habrá de cometer un crimen. ¿Cuál o cuáles?
Los dos actores son frecuentemente vistos en
cine, televisión, también en Teatro, a Daniel le acabamos de ver “Trabajando un
dia particular” adaptación de un filme de Ettore Scola, donde no se necesita
nada más que una silla, libros y gises, para recrear la Italia en plena guerra.
A Yazpik le acabamos de ver en Estas ahí y Festen, así que ambos estaban
esperando una obra grande, para hacer ruido y posicionarse como la vanguardiamexicana,
ya que a los egresados de cine y televisión siempre se les espera para ver si
pasan el examen. Son gente de teatro y
aquí lo demuestran. Calificación diez
perfecto.
Teatrikando
Por BENJAMIN BERNAL
El Cuarteto de Eugenio Toussaint, mañana que dejó nostalgias
En el jardin de la ex hacienda de San Gabriel, nos reunimos alrededor de
doscientos aficionados al jazz para degustar una sesión matutina. “Oinos.
Música para beber vino” es el nombre del recital. Esa palabra griega que
traduce “Vino” llenó nuestra imaginación de colores y aromas esenciales para el
buen beber, compañía profética de que vendrá una buena comida. Así que
excitados los sentidos nos dominó el sol apabullante, las cabelleras coronadas
en rayos de sol, ¿estoy en la realidad?
Escuchar jazz es fácil, nada más nos dejamos llevar y ya. Aaron Cruz
(contrabajo),Gabriel Puentes ( batería),el mismo Toussaint (innecesario
mencionar que estaba al piano), forman el núcleo original, invitaron a Luca
Litera a dar vida a una armónica dulce y guanajuatense. Se dividió el programa
en Elementos del proceso y evolución del vino, zonas, y varietales. Hay sabor a
improvisado, también ataque a segmentos clásicos, la calidad interpretativa
relampaguea como el sol de las doce que nos devoraba.
Toussaint se levanta y sienta presa de las emociones, notas que le abanican
protectoras. –No hay cabernet a la mano- Descienden de la batería cascadas
impresionistas. El bajo es manejado con brio y juego, escobillando los metales.
Las manos también afinan los aplausos. Circulatorias las notas que se caen de
los pentagramas llenos de color, festividades sabatinas, atmósferas y
longitudes de todas las épocas. Octubre del 2010 se esta terminando, Estela
Leñero demostraba su emotivo acuerdo con la técnica amorosa que regalaba el
grupo.
Sabores a Gershwin, Corea, contrapunto del mediodía, el alma soplando en el
metal, asociación intimista de doscientas conscientes sensibilidades. Sutilezas
musicales que imitan los instantes posteriores al acto amoroso, en un jardín
soleado y públicamente, corre un vientecillo.
California, Toscana, Bordeaux, es un viaje estático para degustar en la
mente las intensidades del piano, armónica, dedos sobre cuerdas persiguiendo el
hálito vital de las percusiones. Pinot noir, Sauv blanc, celebración, rocían la
imaginaria fiesta dionisiaca, que ha de continuar hasta bien entrada la tarde,
cada uno en su refugio gastronómico. Por fin una nube envuelve el sol
descendente, alivia unos minutos, como no tiene reversa, retorna el calor
amable.
Imagino que un filme registra los momentos que vivimos, una por una las
caras reflejan los pensamientos, los aislamientos, encubrimientos para
revitalizar esa mañana, en la exhacienda de San Gabriel en Guanajuato.
Maravillosa aventura que nos tenía reservada el Festival
Internacional Cervantino, con Eugenio, que agradecía la presencia de sus esposa
e hija en las afiladas sillas de ese jardin señorial, para que lo guardáramos
para siempre en la memoria del jazz clásico-latino.
Si, la nostalgia fue por el vino, que llegaría más tarde.
Teatrikando
Colombia en el FIC, Fragmentos de un sueño
Por BENJAMIN BERNAL
- El grupo Malandro es colombiano,radica en Suiza
- Omar Porras dirige, desmitifica los Bicentenarios
Nos reciben a telón abierto con madera de desecho, puertas, baúles, huacales; cuarenta por ciento de butacas vacías. Es un espectáculo integrador, vamos a
escuchar hay música de la región bolivariana, mucha tierra
y lluvia sobre escena, para que no haya planicies se elevarán sobre unmontículo. Entran los actores a interpretar con arpa, guitarras y
percusiones, cantan homenajeando a su tierra, es una semblanza que se va
alejando de lo didáctico para penetrar en las metáforas teatralizadas.
El titulo de la obra es Fragmentos de un sueño, estrenada en Francia, se refiere fundamentalmente a Simón Bolívar,
confrontado con textos de quienes le
conocieron, les salió clara y contundente la narración. Bravo por
los colombianos. Nos platica breves momentos den la vida del héroe venezolano,
para dar una idea conjunta de la zona. Son diferentes ellos,
nosotros en México, nos sentimos dueños y señores de la tierra, en cambio allá se sienten próximos a los países vecinos,
realmente es una división artificial escudarnos en banderas, cuando nos unen el
idioma, orígenes y cultura. Si hay diferencias, pero somos muy
parecidos.
Libertad,Igualdad, Fraternidad, expresan ante los invasores que humillan a
la población, quienes les reciben sin malicia, Alexander Von Humboldt es de los primeros que visualizan una nueva tierra con libertad e identidad
propia, se ve en una de las escenas. Con regularidad nos
muestran y dicen párrafos detextos escritos por Bolivar (Delirio sobre
el Chimborazo) de una gran calidad literaria y sutiles
reflexiones de alguien que pudo ser soldado y visionario.
Este grupo con sede en Suiza, es dirigido por Omar Parras, el texto de deWilliam Ospina, en el elenco hay cantantes, músicos y actores; es una moda
mundial que sean interdisciplinarios, ya quien maneja solo una posibilidad se
ve limitado. Trabajan Omar Parras, Carlos Gutiérrez, Juanita Delgado, Zoraida
Rojas, Erick Bongcam, Elio Seliano, Yeison Carrillo, Luis Carlos Celis, Andrés
Rodríguez y Luis Eduardo Garzón. Logran todos un trabajo eminentemente teatral, se alejaron de hacer un texto basado en citas, alabanzas o
remembranzas míticas de la gesta que se vivió, con lo que se
aproximan a una denuncia dolida de las carencias y defectos comunes en Latinoamérica.
“Porque la servidumbre se vuelve costumbre” Excelentemente musicalizadas
las diferentes secciones de la vida colombiana, para
magnificar un escenario realmente pequeño como es el Cervantes de Guanajuato. Demostrando que una narración musicalizada si puede
darnos ideas, contradiciendo la maldición de que el género debe ser serio o banal. Sonidos fuertes, para
contrastar con la música, tierra que les llena la boca, baños de pintura colombiana, regresan rápidamente para continuar las escenas
poéticas. Baladitas inocentes para contrastar con la estatua y
pechera bolivariana. No es tan simple como unir canciones y darles una pseudo
trama. No. Hay una narración actoral-desplazamientos, atmósferas, que
involucran al espectador y salimos enamorados de forma y fondo.
Alegría, tambores, guitarras, acordeón, percusiones locales. Casi dos horas
para que entendamos a los hermanos del sur y veamos en un espejo que poco ha cambiado, tenemos mucho por recorrer. Estuvieron
en el Festival Internacional Cervantino, el fin de octubre de 2010.
Teatrikando
Los siete dedos de la mano, Les 7 doigts de lamain
Por BENJAMIN BERNAL
Circo, cabaret y teatro se puede unir, lo demuestran con dos horas de
diversión en el 38 Festival Internacional Cervantino -Auditorio del Estado- sus
integrantes son Sebastian Soldevila, quien dirige y habla español (además de
ser evidentemente el más fuerte para las audacias
acrobáticas) Evelyn Allard, Emile Bonnavaud, Isabelle Chasse, Krin
Haglund, Patrick Leonard, Samnuel Tetreault. Hay un DJ especial, muy
divertido, contundente al hacer mezclas y provocar todo tipo de ruidos con la
voz y el equipo.
Este año hay quizá menos visitantes, mucho orden, cientos de jóvenes por
las calles, pero el Festival Internacional Cervantino sigue adelante. Tocó su
turno a una extraña, pero bien realizada forma de hacer teatro. A partir de los
ochentas, hay una moda mundial, francesa, canadiense, brasileña, que no ha
tocado imitar o asimilar en México, la acrobacia, el circo, el humor
incorporado al teatro. Sin más objetivo que divertir, sin más ideal que trazar
un guion sencillo para contarnos sobre la vida, el humor, los miedos. En este
caso, nos esbozan otra trama fantástica: los artistas canadienses nos han
atrapado, todos los espectadores deberemos pasar lista y tomar consciencia de
que estamos en el dia del juicio final, habrá un examen para ir a
otro lugar, ellos están aplicándolo y aprobando. ¿Tendría miedo usted?
Nosotros con el elenco estamos en el pugatorio, ellos tratarán todo el
tiempo de escapar, cae un actor del cielo sobre unas cajas y no le pasa nada,
tememos que esa sea nuestra suerte, una chica tiene cara de egresada de una
clínica psiquiátrica y deambula como zombie, pero logra contorsiones insólitas.
Son ” Los siete dedos de la mano” un grupo que en el nombre lleva su fama, hay un aforismo
que se refiere a “trabajar conjuntamente, como los cinco dedos de la mano” Ellos dicen siete y basta. Su
coordinación es perfecta. Vimos secretarias acróbatas y que además cantan.
Una propuesta casi sin literatura, que permite involucrarnos con ellos,
manejan el acto consistente en bailar sobre telas que cuelgan de los telares,
el diábolo que usted y yo usamos de niños, ahora lo llevan a
terrenos espectaculares. Colgar sobre cadenas, rutinas dancísticas
solos lo mismo que en grupo son de lo más normal que hacen. Porque en todo son
extraordinarios, golpean por todas partes a un miembro de la compañía, el de
escasa estatura, parece de goma, otros se flexionan como si la anatomía fuera
caricatura continua.
En internet se puede ver varios trabajos de ellos, se parecen un poco al
espectáculo que vimos: llamado La vie, la vida. Que al final tiene como idea
cumbre mandarnos a disfrutar la vida, divertirnos, amar (en todos los sentidos,
si porque es claridoso en sus conceptos), aprovechar ahora que
estamos vivos, no dejar llegar ese purgatorio mítico -que un Papa ya derogó-
Si viajaran por otras ciudades con este show casi teatral, no se los
pierda.
Teatrikando
Meno Fortas en al Festival Internacional
Cervantino
POR BENJAMIN BERNAL
Estoy en las lejanas tierras de Vicente Fox
(bueno, ni tanto), poco después del concierto de Elthon John, años después de
que el Festival Internacional Cervantino estuviera a punto de morir, cuando
decían que era “la cantina mas grande del mundo”, sin haber obtenido la
personalidad jurídica plena, pero con partidas presupuestales perfectamente
colocadas sobre el cuello, patrocinios abundantes, para demostrar que si se
puede llevar a cabo un Festival de las Artes, sin permitir que se parezca a la
Feria Taurina de Aguascalientes y la de Texcoco, del Caballo. Son temas
distintos.
Pude ver en el Julio Castillo Montezuma,
controvertida ópera que Claudio Valdez Kuri llevò a escena para romper los
mitos relativos al Bicentenario, donde pudimos indignarnos al descubrir la
invasión, abusos y saqueo que se ocultan tras las palabras conquista y civilización.
Quizano haya personaje más importante que El Fausto
de Goethe, es extenso el drama original, como el montaje de Eimuntas Nekrosius,
se puede ver en cualquier país e idioma gracias a que se usa poco texto y
subtitulos proyectados sobre la boca del escenario. Nace en 1998 este grupo,
cuyo nombre quiere decir Fortaleza del Arte, para demostrar que hay nuevos caminos para las antiguas obras.
Ofrecen manejarse en el camino de lo artesanal
pero llegar a una superproducción, sin la estrechez financiera de un Peter
Brook, o manejarse con el desbordamiento económico de Broadway, podemos ver la
comunicación de estos lituanos. En un espacio convencional abre el telón para
que veamos escenografías fantásticas, algunas de ellas creadas con poco dinero,
el teatro no necesita de grandes equipos, o bien que los usen las propuestas
que lo impliquen. No así Fausto. Se dice en el texto que los hombres son más
brutales que las bestias, al tiempo que rompen platos rojos con una escopeta en
el firmamento.
Música sinfónica por momentos, “todo se
ensombrece, mi lámpara se amortigua, soy Fausto tu igual” Personajes que
deambulan en bicicleta, hombres equiparables a dioses, “las alas del hombre no
son corpóreas” Veo 20 o 30% de asientos vacios al finalizar el 1er acto, este
grupo tiene difusión y fama dirigido hacia quienes siguen de manera continua el
arte de Thalía, falta educación, promoción masiva hacia esta manifestación por
encima de los festivales comunes.
Manejan metáforas interesantísimas como las
cuerdas que indican el paso del tiempo, caos mental, por fin sonó un teléfono
en las butacas (que lo sacan, bravo)
aparece por fin Margarita, juguetona, sin un tono de voz “educado”, los
ademanes tampoco corresponden a una dama en el sentido tradicional. ¿De qué se
ha enamorado Fausto? Nada esa noche es convencional, es como Aldonza escrita
por Goethe. Sale de lo convencional,
conoceremos la historia verdadera de ella, segun Nekrosius, quien hace cambios, agregados, poderosas metáforas
visuales para ir permitiendo el avance de acciones dentro de grandes maderas,
conos metálicos, soledad de los bosques, pasos de baile intercalados con
momentos de humor lituano. Quiza otras bromas de ellos no sean perceptibles al
mantenernos atentos a las propuestas
visuales. La Aldonza de los lituanos es calificada de prostituta por su propio hermano, mismo que muere. Algo
parecido a jueces analizan si es hechicera, los desplazamientos, escenografía,
movimiento individual, música ambiental, va renovando la forma de contarnos
teatralmente una historia que creíamos conocer.
No son cuatro horas de lo mismo,
sino un constante renovar historias, para que la penumbra los cubra finalmente.
Es una forma de mantenernos atentos a las
características propias del ser humano, a quien creíamos conocer, pero Fausto
lo exploró y Nekrosius lo reinventó.
Estrelladas
La APT promueve la restauración de muchísimos
espacios para el teatro
Los nuevos cineastas en pro de crear una
auténtica industria fílmica
Manzanero es profeta en su tierra
Por Humberto Morales
Un grupo de actores se acercó a la fracción
perredista de la Cámara Baja para modificar la Ley 226-bis, a efecto de
conseguir 50 millones de pesos para apoyar la escenificación de 25obras de
teatro.
En contrapartida, Benjamín Bernal, presidente
de la Agrupación de Periodistas Teatrales afirmo que esa cantidad serviría
mucho mejor para la restauración de muchísimos espacios en todo el país para
que se ofrecieran una multitud de espectáculos.
Lo anterior, el pasado domingo en el Foro José
Martí, en donde se le dio un reconocimiento por su aporte al arte y la cultura
y como festejo por sus treinta años como periodista.
Bernal subrayó que, como siempre, existen en el medio muchos
actores y actrices que quisieran que el Gobierno apoyara más la actividad
escénica, con lo cual todos estamos de acuerdo, sólo que al entregar los ya
citados 50 millones de pesos, sólo se beneficiará a una porción muy pequeña de
la familia teatral, mientras que de apoyar su propuesta sería un respaldo muy
fuerte a esta excelente actividad
cultural.
Dio a conocer que el 57 por ciento de los
municipios de todo el país no cuentan con un local teatral, por lo que las
autoridades culturales deberían ver esta situación y apoyar no sólo llevar un
espectáculo una vez al año, como se hace en poquísimas poblaciones, sino
edificar auditorios en donde se trabaje el talento local.
Desde hace mucho tiempo nosotros en lo
particular hemos trabajado constantemente para que las autoridades den un mayor
apoyo a la actividad escénica. Incluso cuando estaban en el poder Vicente Fox y
Andrés Manuel Lopez Obrador, lanzamos la iniciativa de que fuera obligatoria la
materia de teatro como actividad artística desde la secundaria, que obviamente
no se apoyó.
Ahora como la familia fílmica logró un apoyo
del gobierno federal para la reactivación de planes y proyectos
cinematográficos, actores que realmente aman a al teatro han sugerido que por
ley se otorgue un subsidio, algo que nos parece bueno, pero que no resulta un
gran apoyo a esta actividad por lo que nos declaramos partidarios de la
propuesta de la APT porque así se aprovecharían muchísimos espacios en el
territorio nacional.
No es esta la primera vez que existe
conciencia entre la familia teatral para trabajar en pro de esta actividad,
pues en tiempos de José López Portillo se crearon cooperativas y el Gobierno
proporcionó carpas para que se ofrecieran diversos montajes en lugares en donde
el público no tiene la oportunidad de admirar este tipo de espectáculos.
Por desgracia este intento no continuó por los
problemas económicos que se suscitaron con la salida de Lopez Portillo, y esta
acción importante para el desarrollo teatral se canceló definitivamente.
También hay que destacar que como propuesta de
los teatreros para obtener recursos del Gobierno sólo beneficia a unos cuantos,
ya lo que se requiere es que las autoridades culturales gasten menos en la alta
burocracia y se apoye definitivamente el arte escénico pero en todo el país,
algo que ayudaría muchísimo a acerca al público en general a las salas para que
disfrute del arte de Talía y Melpémone,
solazándose, educándose y gozando de la actividad artística más
sobresaliente.
OJALA LO LOGREN
Dentro del importante Festival de cine de
Morelia, quien junto con sus otros compañeros han destacado la real situación
que priva en esta actividad, al señalar que hoy los directores viven de estar
saltando de un lugar a otro, por lo que es necesario una gestación de industria
en donde los cineastas logran sobrevivir.
Baste recordar que en la llamada época de oro
del cine mexicano se llegaron a realizar más de 2000 cintas al año, algo ahora
impensable.
Con toda sinceridad, también reconocieron que
más problemática que el renglón económico lo que realmente falta en las nuevas
generaciones es la creatividad.
¿Por qué tan es tan sustancial este renglón?
Simplemente porque al existir en las cintas esto que es vital, sería un
auténtico foco de atención para los cinéfilos, quienes están cansados de ver
las mismas escenas, la misma mediocridad y las mismas situaciones, cuando en
los caminos del arte se pueden explorar muchos asuntos y ofrecer otras
perspectivas de entretenimiento.
CARLOS ARAGÓN ENCARNA LA LUCHA DE PODER
ENTRE MAESTRO Y ALUMNOS
Por: Alejandro Laborie Elías.
Generaciones van y generaciones vienen, sin embargo un
aspecto que no ha variado en siglos es la lucha de poder que se da entre
alumnos y profesores, unos por demostrar que juntos son más fuertes que sus
mentores y los otros por controlar a sus pupilos sin importar el método, ni las
técnicas, en ocasiones ni las consecuencias.
Este
es el tema central del monólogo intitulado La guerra de Klamm, de
Rai Hensel, interpretado por el primer actor Carlos Aragón, bajo la dirección
de Aracelia Guerrero, montado en un espacio que no es precisamente un escenario
sino que se trata del Salón de Ensayos del
Centro Cultural del Bosque.
La
trama gira en torno a un profesor, Klamm, que es acusado por sus alumnos de
haber provocado el suicidio de un compañero, por no otorgarle un solo punto que
le faltaba para poderse graduar. Sus discípulos le declaran la guerra, lo que
se traduce en una total indiferencia hacia las clases de literatura que imparte
el primero.
El
muro de indiferencia ante el que se enfrenta el maestro lo van desesperando y
trata por todos los medios de reconciliarse con el grupo, a tal grado de
humillarse y perder la dignidad y, por lo mismo, la respetabilidad. Un
hombre perturbado que ve trastocada su reputación y su orgullo, que se vale de
las calumnias contra sus colegas y director, para llegar a una situación límite
que lo conduce a…
Un
texto que va captando la atención a medida que transcurre y que hace recordar a
los adultos cuando uno le hacia la vida de cuadritos a los profesores y una excelente
obra para los que hoy son adolescentes y viven esa lucha de poder.
Aracelia
se decidió por una escenografía, si así se le puede llamar, que no es otra cosa
que la recreación de un salón de clases, esto es un pizarrón, un escritorio,
una silla y los pupitres.
Los espectadores se incorporan a la
“escenografía” y se convierten en los alumnos que en forma silenciosa retan y
atacan con su indeferencia al maestro para tratar de descubrir a medida que
transcurre la obra si éste es culpable o no del delito que le imputan.
De hecho, cada uno de los asistentes es
invitado a guardar su pertenencias el la parte baja de los pupitres, recibe un
lápiz y en un momento dado sus hojas para un examen de interpretación
literaria. Como es de suponerse, la mayoría deja la hoja en blanco lo que apoya
el propósito de la obra: la indiferencia.
Una puesta en escena de corte realista,
excelentemente interpretada por Carlos, quien demuestra que sólo hace falta un
actor para mover las entrañas de quienes asisten al maravilloso hecho llamado
teatro.
Los estados anímicos que va desarrollando
son impresionantes, el manejo de su voz, sus expresiones faciales, inclusive
las sensaciones que transmite con su cuerpo son imposible de describir con
meras palabras, gracias en buena parte por la propuesta de su directora, que
deja todo el peso de la palabra para impactar a los alumnos-espectadores.
Una obra digna de ser apreciada por los
padres de hijos adolescentes y comprender como una situación meramente escolar
puede llevar a alguien a privarse de su vida; más recomendable aún para los
jóvenes y no menos valiosa para los que ejercen el magisterios, que debería ser
más una labor por vocación que una postura de poder.
La guerra de Klamm se representa en
el Centro Cultural del Bosque, de la Ciudad de México, los sábados y domingos
alas 13:00 horas.
Octubre 2010
EN LOS INSENSATOS, LA LIBERTAD Y LA REBELIÓN ES SINÓNIMO DE LOCURA
Por: Alejandro Laborie Elías
A través de una sui géneris combinación de realidad y
fantasía, elementos lúdicos y oníricos, David Olguín –uno de los más destacados
dramaturgos contemporáneos- se zambulle en el mundo de los locos, donde la
libertad y la rebelión sólo es concebida por los orates, mediante un texto
intitulado Los Insensatos.
El 2 de septiembre de 1910, el entonces presidente de la República
Mexicana, Don Porfirio Díaz, inauguró el Manicomio General de La Castañeda, con
motivo de los festejos del primer centenario de la Independencia de México. El
edificio fue el primero de una serie de obras arquitectónicas que
caracterizaron ese periodo.
Por curioso que parezca, Don Porfirio pretendía mostrar al mundo la
modernidad a la que el país deseaba incorporarse. En realidad, bajo el lema de Orden y Progreso, este edificio se
convirtió en el hogar de todos los pordioseros –hoy conocidos como teporochos-,
homosexuales y, por qué no, uno que otro disidente político. En concreto, la
arquitectura era la muestra plena del arte del poder.
El texto dramático de David es complicado, difícil de seguir, al menos en
su inicio ya que se eterniza el planteamiento integral porque, entre otras
cosas, aborda una multiplicidad de temas que tardan en asimilarse. De hecho el
primer acto se vuelve interminable y bien podría ser recortado sin detrimento
del fondo.
El segundo acto es lo más valioso de la dramaturgia, misma que se vale de
una serie de metáforas que al ser llevadas a escena enriquecen la propuesta;
metáforas a través de objetos que adquieren una simbología digna de un
semiótico, como una tina que se transforma, ante los ojos de los espectadores,
en La Nave de los Locos.
Nuevamente David nos muestra su pasión por los hechos históricos y su
profundo afán por llevarlos al escenario, con la ventaja de ser un excelente
escritor. Cabe aclarar que no es el típico que sólo retoma los acontecimientos
para recrearlos, no, su imaginación e interpretación de los hechos es lo que le
da fuerza y vigor a sus obras.
Sin ser un texto de corte psicológico –ni lo pretende- si hay todo un
contenido sobre las mentes de unos seres recluidos bajo las peores condiciones,
por qué son unos que se dicen cuerdos los que califican de orates a una minoría
indefensa y que sólo por ser diferentes son condenados peor que si fueran
criminales.
David asume la dirección de su propia obra –como en anteriores ocasiones- y
atinadamente reúne a un grupo de actores que en forma idónea caracterizan a
cada uno de los personajes. Los más importante es que la dirección los integra
a la perfección y ninguno se dispara, porque hay que recordar que los papeles
de borrachos y locos son de los más difíciles de interpretar en el teatro.
Gabriel Pascal diseñó más que una escenografía un espacio, que se reduce a
una habitación –el cuarto de enfermeros- que es tomada por los locos, quienes
en un acto de rebelión se asumen como los gobernantes que tiene el poder y la
capacidad de decisión para llevar adelante sus “locas” ideas políticas. A
medida que transcurren las escenas queda para la reflexión si los verdaderos
locos no son quienes han detentado y detentan la conducción de las naciones.
Gabriel comprendió que la fuerza del texto es fundamental, de ahí que además
del espacio ideal, se apoyó en una iluminación que enriquece el ambiente, no
hay pretensiones de lucimiento sino de eficacia dramática.
El cuerpo actoral está conformado por Rodrigo Espinoza, José Concepción
Macías, Humberto Solórzano, Ramón Barragán, Luis Mora, Rodolfo Guerrero,
Maricela Peñalosa y Raúl Espinosa Faessel. Sólo Rodrigo es quien está por
debajo del trabajo de conjunto y su personaje, por momentos, parece salir de
otra obra –su personaje es un actor y Olguín hace teatro dentro del teatro, lo
que podría darle una explicación, no una justificación- y algo le falta para
alcanzar la fuerza dramática requerida.
Ramón sencillamente espléndido, un
personaje que por si mismo hace reír, en el buen sentido del término, a pesar
de que tiene una palabra que el propio autor desgasta en forma inmediata de
tantas veces que se menciona. El resto como ya se mencionó, perfectamente
integrados realizando una buena labor de conjunto.
Una serie de locos que se preguntan qué le
pasó al país. Una Castañeda que si bien hoy ya no existe nos recuerda el
recinto de la Cámara de Diputados donde cualquier “loco” toma la tribuna y
defiende sus sinrazones, sin olvidar a aquellos locos contemporáneos que han
ingresado al recinto legislativo a caballo o que se han puesto máscaras de
cochinitos y un largo etcétera.
Los Insensatos se representa en el teatro El Milagro, de la Ciudad de México, los jueves y
viernes a las 20:00, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas. La
temporada se llevará a cabo hasta el 28 de noviembre.
Octubre 2010
Teatrikando
Por BENJAMIN BERNAL
La controversia deVallladolid
Con escenografía metálica, como se usa en los conciertos, vemos un
excelente trabajo retórico en varios
niveles, todo esto jueves a domingo, en
el Juan Ruiz de Alarcón. Me recordó
Pueblo rechazado, el texto pasa a primer plano para ir aclarando un tema
controvertido, en este caso la calidad de los indígenas, ¿tienen alma o no? A
30 pesos el boleto, no hay razón para perderse estos espectáculos
universitrios. Conviven ropa actual y trajes de época, entra alguno en una
Harley Davison. Las frases en latin son frecuentes para indicarnos que pocos lo
conocían y unos cuantos sabían leer y escribir, investigación acerca del
maltrato de que han sido objeto; realmente hoy sigue siendo materia de
controversia que tanto les ayudan, o perjudican sus “representantes” ¿Cómo
salvar el alma sin salvar el cuerpo? ¿Serán acaso descendientes de seres del
infierno? José Caballero dirige ésta obra de Jean Clude Carriere, con
traducción de José Caballero y Rosa Marta Fernández. Es curioso que autores
mexicanos hablen de Irak y un francés aborde temas importantes, este año
de Bicentenario.
Gran trabajo de Hernán Mendoza en el rol de
Fray Bartolomé de las Casas, Toumani Cámara Velázquez, Carlos Alberto Orozco,
entre otros. Obra que contiene una guerra argumentada, Hernán es de las Casas,
quien confronta al tribunal eclesiástico. Poco efectivo el bufón que debería
hacernos reir, pero la calificación global es alta para este montaje histórico.
Tanto soñé en ti
Una pieza delicada, poética, pero tambié
teatral, reúne textos de Apollinaire, Kafka, Poniatowska, bajo una línea
conductora, la mujer abandonada que vive recordando eso que es casi un
fantasma, Sandra Peña,boliviana, es la actriz que interpreta estos fragmentos,
el espectáculo tiene gran belleza y erotismo. Sobre ella cae la luz de un
retroproyector que maneja Olivier Dautairs para ir creando la escenografía,
sobre ella, sillón o sobre su ropa. Hay un ciclo contínuo los sábados a las
seis en La Alianza Francesa de San Angel, se la recomendamos porque disfrutamos
de bellas novedades en ambos idiomas, para que todos sigamos la trama.
Clowndestinos
Hace un año recibieron premio de APT, mejor ontaje humorístico, Los Huevo Cartoon. Originarios de Querétaro, ahora
regresan a la carga con Deshaciendo Cuentos, un grupo que recuerda a Les
Luthieres, pero tienen personalidad propia. Toman los cuentos clásicos, como
Caperucita Roja y logran otra historia, hilarante, irreverente y fresca.
Rodolfo Riva Palacio, Fernando Meza, Armando González, Polo Rojas y Jurgan
Bautista mantienen la atención acerca de sus cultas propuestas para que sepamos
pronunciar el nombre de un cuentista francés. Les acompaña dos bellas
jovencitas para además, echar relajo. Viernes 21 horas, texto y dirección de Rodolfo
Riva Palacio.
Conferencia sobre Periodismo de Espectáculos ,
Festival ENEAE
El dia 17 de octubre, a las 14 horas, dará una
conferencia el Presidente de APT, al celebrar 30 años de ejercicio profesional.
Será en la Casa de la Cultura José Martí, Dr. Mora 1, cerca de la Alameda
Central, el otorgante será el Festival Jade Evolucion Arte (Encuentro de Artes
Escénicas) dirigido por Donnovan Santos, todose octubre hay actividades
gratuitas, conferencias, películas, conciertos y exposiciones en varias sedes.
LAS MENINAS Y NEURASTENIA: DOS OBRAS DE DRAMAFEST BICENTENARIO
Por Perla Schwartz
Cuatro fueron las obras montadas en el marco de Dramafest Bicentenario
2010. Es así como tenemos “Las meninas”, un juguete escénico de gran
calidad escrito por Ernesto Anaya (autor también de “Croll” que se presentó
en Dramafest 2006).
Texto lúdico, que bordea en torno a la esterilidad creativa, experimentada
por el pintor Diego de Velázquez, los últimos 20 años de su vida, y en este
contexto, después de un chispazo de iluminación, pinta “Las meninas”, una
de sus obras maestras, la cual ha trascendido el tiempo y los espacios.
El dramaturgo intenta responder a las interrogantes de que se esconde tras
dicho cuadro, y lo hace con gran dominio de la dramaturgia, con
inteligente,
al tiempo que realiza una disección crítica de una sociedad permeada
por la hipocresía y las supuestas buenas costumbres, una doble moral,
perfectamente dibujada en el retrato de la Infanta Margarita (que cuenta
con una interpretación de Aurora Cano, quien es también la directora de
Dramafest).
Cordelia Dvorak es la encargada de diseñar una escenografía, a modo de un
cuadro que se despliega, y dentro de éste transcurren los diversos eventos
que narra la obra, asimismo conjuntó un bello vestuario vistoso y acorde a
la
época en que se desarrolla la acción.
El joven director español Ignacio García, especialista en ópera, es quien
es
el encargado de la puesta en escena y lo ha hecho de un modo sensitivo,
cuidando hasta el último detalle, creando sutiles atmósferas. Permite el
lucimiento de Diego de Velázquez, a cargo del experimentado actor Javier
Díaz Dueñas, así como el despliegue de eficacia actoral del resto del
elenco
conformado por Ichi Balmori y Violeta Sarmiento como las Meninas y de
Arturo Vences, como la Maribola, un enigmático personaje, de naturaleza
andrógina, del cual se vale el dramaturgo para llevar al espectador a una
serie de reflexiones de escritores contemporáneos como Borges o Lewis
Carroll.
“Las Meninas” es una obra muy gozosa, lástima de su corta temporada que
se llevó a cabo en el MUAC, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo
del Centro Cultural Universitario, ojalá se vuelva a reponer, deja muy en
claro
el cómo una sociedad prejuiciosa no avanza.
Otra de las obras presentadas en Dramafest Bicentenario, y que aún
continúa en temporada, los lunes a las 20.30 horas en el Teatro Helénico
es “Neurastenia” de Ximena Escalante, la premisa es buena, se está
representando una obra en torno a Leona Vicario, y en los camerinos se
suscitan una serie de enredos, a partir de que un ladrón se introduce, de
este
modo quedan de manifiesto, las bajas pasiones que esconden los intérpretes
de la misma.
Desafortunadamente el desarrollo dramatúrgico de la obra deja mucho que
desear, los parlamentos se dispersan, caen en muchos clisés, y la figura de
Vicario se desdibuja y nunca alcanza altos vuelos.
El director Carlos Corona hace su mejor esfuerzo para sacar avante la
puesta
en escena, pero se torna larga y aburrida, a pesar de contar en su reparto,
con buenos actores como Karina Gidi y Carlos Aragón.
El único toque lúdico rescatable, y sobre todo por la gracia y desenvoltura
que los interpreta es la participación de la talentosa Carmen Ramos en dos
papeles como cocinera y sirvienta.
Columna Teatrikando
GORDA, se va de cartelera
Buen texto, eficiente dirección del argentino Daniel Veronese, a quien ya
conocemos los amantes del teatro, pues desde 2009 está en escena “Mujeres
soñaron caballos” en otro género, otro estilo, que también gustó mucho. Gorda
es una comedia romántica, sirve para hablar de la segregación y señalamiento
-dice Veronesse- que reciben los que son diferentes, aunque se centra en una
joven que establece una relación amorosa, de la que él duda por momentos. No
por inseguridad personal como en el caso de Sweet Charity, sino por el medio
ambiente social. Somos discriminados los mexicanos en otras latitudes, pero
internamente hacemos menos a obesos, flacos, morenos, por mencionar sólo
algunas diferencias.
Usan una escenografía diseñada por Alberto Negrín más o menos útil que
obliga a largas caminatas para las escenas de la oficina, luego están en un bar
y van a la recámara, adecuada a secas, con vestuario convencional de nuestra
épocade Emilio Rebollar. Este año he visto algunos temas nuevos e inquietantes,
este es uno de ellos, la obesidad no era prevenida por las autoridades y ahora
que les resulta muy costosa lanzan campañas de alarma. Así que ningún productor
podía desaprovechar el tema, aunque de ahí a decir “que aborda la
discriminación en general” es verle demasiadas cualidades. Cristina
Pastor es la nueva actriz que lleva el rol central, con buen desempeño, como
era de esperarse en una producción de esta naturaleza.
Se puede ver en el Fernando Soler del Centro Teatral Manolo Fábregas
de la Colonia San Rafael, ahora, a esperar un "Dios Salvaje"
con Ludwika Paleta, Rodrigo Murray, Mónica Dionne y Flavio Medina, luego A Chorus line...
Teatrikando
Por BENJAMIN BERNAL
La crítica teatral, teoría y práctica
Este lunes hubo un panel en el teatro El Granero, se reunieron los
principales representantes del periodismo especializado en Artes
Escénicas,dio una conferencia Rodolfo Obregon, profesor universitario acerca de
la crítica ensayística y explicó sus requisitos. Más tarde se realizó un panel
para profundizar en el tema: Tomás Urtuástegui, presidente de la AMCT
(Asociación de Críticos de teatro), Rosa Margot Ochoa, periodista y
escritora; Jaime Chabaud, director de la revista Paso de Gato y quien esto escribe.
Como siempre se propuso: Es necesario elevar el nivel de los periodistas,
recuperar los espacios en los medios; adaptarse a las herramientas modernas,
blogs, facebook, twitter, radio y televisión; unirse gremialmente siempre será
una buena idea.
Leí a los asistentes la crónica que tengo publicada en un libro: Nacimiento
y evolución del periodismo especializado, desde que en 1937 Xavier Villaurrutia
y Francisco Monterde inician esta labor a través de la Asociación de Cronistas
de Espectáculos y Musicales. Se describe el nacimiento de la AMCT, que
aproximadamente tiene 65años; la Agrupación de Periodistas Teatrales por
su parte cuenta 28 años; ambas especializadas en teatro y han ganado
el respeto del medio artístico. Más tarde han aparecido otras que simplemente entregan
reconocimientos a cantantes, empresarios y médicos. La época ha cambiado la
manera de hacer periodismo escrito, radiofónico, televisivo, internet,
determina otro lenguaje y extensión. Quedando el ensayo para las
revista especializadas y público restiringido. La APT por su parte se define
como integrada por comunicadores, sin implicar la palabra crítica, que parece
confrontar innecesariamente.
Los insensatos, teatro El Milagro
Rodrigo Espinoza, JoséConcepción Macías, Humberto Solórzano, Ramón
Barragán, Luis Mora, Rodolfo Guerrero, Maricela Peñaloza y Raul Espinosa dan
vida a un hospital que abre sus puertas, lo inaugura Porfirio Diaz. Dirige y
escribe el guion David Olguin. ¿Qué país es este? Desde su banco ven como nos
llevaron al baile, estableciendo la posibilidad perpetua de la sinrazón. La
arquitecutra es poder, dicen porque esel año en que se inaugura el Palacio de
Bellas Artes y también el Manicomio de Mixcoac, la famosa Castañeda, donde
ahora esta la Preparatoria número 8. Levántate y anda, le aclaran que no
pertenece al texto. Septiembre se llama el afeminado loco que
deambula provocando controversias. Somos doctores, concéntrense, somos orden y
progreso, ¡qué ves atrás de esta mediocridad¡
Un montaje que hacen coincidir con el Centenario y Bicentenario sin ánimo
de quemar incienso a los héroes que nos dieron patria, ¿festejamos
algo?Ejercicio actoral interesante para que nos pongamos frente al espejo y
preguntemos: los políticos están en la Castañeda, nosotros, ¿cuando entramos?
Es un manicomio el de afuera y los cuerdos están dentro. Pero festejemos,
señores. Milan 18 col. Juárez.
Señorita Julia
En la Gruta de El Helénico, vimos esta obra de August Strindberg, con
adaptación de Sergio López Vigueras, trabajo que me dejó satisfecho al
mostrarla esencia del poder femenino, encarnado en una bella actriz, enmarcado
por el abuso de un padre narcotraficante al que nunca vemos. Esta modificación
al texto sirve para que imaginemos las entrañas de una familia mafiosa, que
seguramente existe, con una aspiración de independencia, salir huyendo con unos
kilitos para empezar una nueva vida. Quizá les falte un pcoo más de fuerza,
violencia, erotismo, para que impacten más las escenas finales, ya que tenemos
momentos románticos que se deben romper. Maricela Peñaloza, Rodolfo Blanco y
Maria del Carmen Félix. Buen trabajo.
Teatrikando
Teatro Ofelia: Casa de Muñecas
Por BENJAMIN BERNAL
Fui a ver Casa de Muñecas, de Henrik Ibsen (1828-196), en el
Teatro Ofelia, ya saben en la calle de Thiers. Esta clásica obra cuestiona la estructura denominada familia,
que da lugar a los roles hombre-mujer, misma que tantos problemas ha creado.
¿Es inamovible?Algun día la mujer no quiso jugar ese papel y creó el feminismo.
Me interesó verla aunque la conozco bien para saber si el aficionado muestra
interés, ya que el foro de la Anzures ha tenido altibajos, A vivir tiene largas temporadas y
otras obras para nada.
Veamos cada detalle: como texto es interesante, bajo la
adaptación deAntonio Algarra, en tres actos, pero
breves. Escenografía mínima deJorge Ramírez, con uso de poco presupuesto, y vestuario sin mayor relevancia, apoyo de un patrocinador, montaje “bonito” a
secas. Ya sabe usted, están enfocados al aficionado que quiere ver clásicos,
fundamentales para una cultura general bien nutrida.
Recordamos de Ibsen, Espectros y
Peer Gynt, frecuentemente llevadas a escena en el ambiente
universitario, por eso es digno de aplauso este esfuerzo en al ámbito comercial que se centra en otro
tipo deespectáculos de mayor frivolidad. Pasemos al elenco: Erika Rendón interpreta a Nora,
el clásico personaje, con desempeño limpio y preciso, al mismo nivel Gilda
Valderrábano, actriz que da vida a su Cristina; amiga de la mujer que usaron de arquetipo para el feminismo. Tal vez
esta fuera de época, ya que el acto inmoral
cometido, es inocente en nuestra época, cuando políticos y banqueros corruptos
son ejemplo a seguir de la juventud mundial. No le contaré la historia, que probablemente
conozca. Pasaré a Ivan Romo, Torvaldo, quien apenas cumple con su rol. A menor
nivel Ricardo Nájera y Nathan Witenberg. Un detalle fuera de lugar es la forma de cojear del Médico, balanceo deambos lados es falso, ojalá lo cambiara. Y
no les vendrá mal un poco demaquillaje para verse viejos, son demasiado jóvenes para darnos a
personajes de venerable edad.
Hay momentos álgidos que se vieron sobreactuados, algo lenta por momentos,
el clásico portazo final está ausente, detalles que podrían ir afinando
conforme sientan la respuesta en taquilla. Para hacer una evaluación
global, la obra me gusta, hay que verla para disfrutar una propuesta
fundamental para la dramaturgia, con algunas actuaciones interesantes y una
dirección que requiere mejorarse.
TARTUFO
Felipe Oliva, Alejandro La Madrid, Marco Vinicio Estrello, Cinthya Quintana
y Bárbara Méndez dan vida al texto de Moliere. Adaptado por Felipe, quien también dirige, para que nos
divirtamos un buen rato. Han centrado la atención en los detalles
que cambiaron, Tartufo es tremendista, levanta las faldas de la dama de la casa, la sirvienta y la
hija, abre escotes, vaya, tiene elementos para ser XXXX, aunque se detienen
para que sea familiar. Se divierten ellos y nos entretienen todo el tiempo.
Usan escenografía mínima y vestuario adecuado. Pienso que si la llevara a ser
más atrevida, quizá funcionara de maravilla en un teatro bar. Muy recomendable, puede verla en el
Teatro Coyoacan, Héroes del 47 cerca de división del Norte. Viernes a domingo. La hija del
dramaturgo Wilebaldo López, Mariana Brito es una mujer muy emprendedora,
acaba de cumplir 10 años como promotora
teatral y sigue adelante.
TREN 05
En el mismo teatro Coyoacán vi Tren 05, trabajo interesante con
dirección de José Roberto Puente. El texto ha
sido creado por ellos mismos, con la idea de mostrar la soledad que invade esta época, la soledad y el desencanto.
Los objetivos que establecen nuestros padres, maestros, los medios, empresas,
filmes, que nos hacen sentir vacios. Kary Carmona, Paola Estrada, Roberto
Garza, Thalìa Meléndez, Gabriel Martínez, son buenos actores todos y
la dirección logra mantener el interés durante 80 o 90 minutos que
dura la acción. Interesante, atractivo montaje que todavía puede recibir
algunos ajustes para hacerla demayor impacto. Pero, como está es un excelente trabajo colectivo. Jueves,
20 hs.
EL FILOSOFO DECLARA
En el Teatro Santa Catarina vi el estreno de Juan Villoro, su arribo al terreno de la dramaturgia. Es un caso excepcional, pues hace un año lo vi en
Teatro el Milagro, el mismo leía su obra ¡y ya fue estrenada¡ Después le
cuento.
A CHORUS LINE, segundo musical del año (Qué fea tropicalización del nombre
*)
Un año de escasas propuestas en materia
musical, sólo Hair Spray y esta, por eso nos dió gusto que presentaran al
elenco de A chorus line, 2010, con el feo
nombre de La linea del coro. Antes llamada
Audición y el Gran Final, tropicalizar el nombre nos parece poco afortunado,
porque los conocedores la identifican como A chorus line (que nadie pronuncia
mal si eso creen los directivos) En realidad le podrían llamar Audición o
Casting, vocablos generalizados y entendibles. Salvo que haya problemas con los
derechos de autor.
Olivia Bucio estuvo en aquella ocasión estelarizando, recuerdo que no había
grandes figuras, fue en el teatro Silvia Pinal.
Ahora estan María Filippini, Paco Morales, Estebalitz Ruiz, Ana Cecilia
Anzaldúa, Mauricio Salas, Rogelio Suárez, Jacobo Toledo, entre otros.Por
cierto, se habla del 3 de noviembre para estrenar.
Algo es significativo, sin duda, será una de las obras musicales con menos presupuesto en materia de escenografía, ya que debe mostrar el
foro desnudo para una Audición o casting.
Se dice que se trata de sesiones agobiantes, audiciones pesadas, castings que exigen mucho,
para que finalmente logren ser contratados. A la pregunta de ¿son humillantes? Asegura Mauricio
que no, pero depende de la persona que dirige la sesión. El filme y la obra son ampliamente
conocidos por los que andamos arriba de 50, ya que vimos el filme, obra o escuchamos a los mayores, ahora vienen
las campañas masivas para interesar a los realmente jóvenes. No dudamos que
será un "trancazo"
* sobre el nombre: such is a tropic
EL FILÓSOFO DECLARA: TEATRO DE LA PALABRA
Por Perla Schwartz
La egolatría, la vanidad, las neurosis incontenibles que prevalecen endeterminados pensadores e intelectuales son abordadas de una manera lúdica e incisiva por Juan Villoro en “El filósofo declara”, obra montada con precisión y un gran trazo escénico por Antonio Castro.
Teatro que se fundamenta en la palabra, pero que el responsable de la puesta en escena, supo darle un desenvolvimiento ágil, para que destaquen las frases dichas por los diferentes personajes, sin que su discurso resulte tedioso o cansado.
La acción gira en torno al Profesor (un estupendo Arturo Ríos), un hombre un tanto frustrado, en vista de que no logró destacar al igual que otros colegas filósofos, él guarda resabios de lo que pudo haber sido y a final de cuentas no fue.
En el ocaso de su vida es acompañado por su fiel esposa y compañera Clara, interpretada por Pilar Ixquic Mata desplegando varios matices en su personaje, una Clara que debió dejar a un lado, su promisoria carrera como pensadora, para dedicarse a un marido difícil, pero del que decidió ser una cómplice total.
“El filósofo declara” se desarrolla en una noche un tanto accidentada, que será festín de los egos, al tiempo que desenmascaramiento de las pasiones
más ocultas, con la llegada azarosa de la sobrina Pilar (Fabiana Perzabal) quien impondrá cierto toque de sutileza a las bizarras discusiones.
Y los “convidados de piedra” también serán Jacinto, el chofer (Edgar Parra), así como el Pato Bermúdez (Emilio chavarría), presidente de la Academia de Filosofía. El texto de Villoro es hilarante y da un retrato de los ámbitos intelectuales, de las ostentaciones de la inteligencia, del festín desbordado de los egos.
Tal vez el tono de la obra sea un tanto intelectual, pero ello no obsta para que sea sumamente hilarante, al tiempo que invite al espectador a una reflexión profunda, en cuanto que “no todo lo que reluce es oro”.
El diseño de la escenografía y vestuario a cargo de Mónica Raya, es un firme soporte para el desarrollo de una puesta en escena, que conjuga a un buen elenco, a un director sensible y ante todo un texto dramático de primer nivel que deja de manifiesto esas miserias humanas, que no son tan fáciles de disfrazar.
“El filósofo declara” de Juan Villoro se presenta los jueves y viernes a las 19.30 horas, los sábados a las 19 y los domingos a las 18 horas en el Teatro Santa Catarina, con temporada hasta el próximo 21 de noviembre.
Panel la Crítica Teatral en México, Conferencia Magistral, septiembre 2010
Voy a incluir unos
párrafos acerca del nacimiento de la Agrupación de Periodistas Teatrales... Dijo Benjamín Bernal al iniciar su intervención
Reseña de la mesa redonda La critica de Teatro en México
Realizada en el teatro El Granero 13/sept/2010
Convocada por la maestra Isabel
Quintanar, directora del Centro Mexicano de Teatro ITI UNESCO, abrió el evento Rodolfo Obregón, con una conferencia
magistral quien
aseguro que no hay crítica en México y que el nivel del teatro es deficiente
“estamos muy lejos, "tan lejos de Alemania, como en el Mundial estuvimos
de España o de Brasil". Su propuesta es revalorar la crítica ensayística,
ya que se han perdido los espacios, es el Director del Citru.
El panel que vino enseguida integrado
por periodistas y teatristas expresaron sus puntos de vista sobre ese tema:
Jaime Chabaud,
Director de la Revista Paso de Gato: Hay que salvar los espacios que se han
perdido, hay diferentes niveles, uno que han llamado “crítica de consumo” Hacen
un flaco favor en llamar crítico a todo el que escribe, en el siglo XIX era más
ensayística, ojalá volviéramos a la crítica de entonces. Me gustan cuando son
verdaderas joyitas, por ser ensayísiticas o hasta ingenuas, pero que den
elementos al lector para juzgar si asistir o no.
Mario Saavedra,
Jefe de Cultura de una Delegación Política, dice que es un espacio dedicado a
laliteratura, claro que el espacio siempre será insuficiente, mostró acuerdo
con los demás conceptos vertidos.
Tomás Urtusástegui,
presidente de la Asociación Mexicana de Críticos Teatrales centró su ponencia
en los elementos esenciales que debe contener, claridad, fuerza, de ser posible
expresarlo con belleza, conocimiento de los géneros, además de estar inmersos
en el mundo del teatro, en el caso de una obra, de sus actores, director,
vestuarista. Resaltar lo mejor y lo peor. Los artistas las ven como alimento
para su ego, para solicitar becas Fonca. Hay que reconocer, agrego, que hay
algunas que sólo entienden los especialistas. Actualmente en las asociaciones
hay gente de edad, hacen falta jóvenes.
Gustavo Suárez Ojeda, presidente de un reciente grupo de Periodistas, en
general expresó su armonía con las ideas que venía escuchando.
Rosa Margot Ochoa,
socia de AMCT, escritora y dramaturga leyó un texto que será publicado en la
Revista Teatro del ITI UNESCO:
El Arquitecto Francisco Peredo, presidente de la Asociación Internacional de Teatro
Amateur, mostró su afinidad con los conceptos que habían sido vertidos.
A continuación las palabras de Benjamín Bernal, Presidente de la
APT, Agrupación de Periodistas Teatrales, quien cumple ocho años en ese puesto.
La APT, fundada por Emmanuel Haro
Villa (ya fallecido), tiene más de28 años de vida: “Es muy difícil en un tiempo
tan acotado dar un panorama de la Crítica Teatral en México, voy a incluir unos
párrafos acerca del nacimiento de la Agrupación de Periodistas Teatrales.
Publiqué en el año 2003 un breve
ensayo histórico, donde hago una reseña del nacimiento y evolución del
Periodismo de espectáculos, pequeño libro que fue regalado en la XXIV
Premiación de APT. Hago referencia a la reunión que hubo en mayo de 1938, en el
Café Paris formado por un grupo de Periodistas de Espectáculos, quienes
tuvieron la idea de entregar premios a lo mejor del año 1937. Le llamaron
Asociación de Cronistas de Espectáculos Teatrales y Musicales, con la presencia
de Francisco Monterde, Alfonso de Icaza, Manuel Horta, Armando de Maria y
Campls, Xavier Villaurrutia, José F. Elizondo, Guillermo Castillo, Antonio
Esquivel y Jerónimo Baqueiro Foster.
En él mismo recuerdo que la Crítica
Teatral nace con enfoque en el Teatro Comercial fundamentalmente. Continuó
diciendo Bernal, esos periodistas se reunieron para redactar un comunicado que
publicarían dando a conocer lo mejor del año en sus respectivos medios. Quizá
sin pensar que años después fuera convirtiéndose en entrega de premios formal,
con cena o sin ella, que da lugar a diversos tipos de ceremonia que gusta mucho
al artista y a los medios informativos. Se habla y dicen muchas cosas acerca de
estas reuniones, pero la verdad es que el 90% de los aficionados, así como los
teatristas asisten con gusto . Cuando menos en el lobby tendrán múltiples
entrevistas, APT logra una afluencia importante de las personas que invita, los
famosos y figuras en embrión.
Estuvieron Jaime Chabaud,
Rosa Margot Ochoa, Tomás Urtusástegui, Mario Saavedra, Paco Peredo, Benjamín
Bernal
Cuando empecé a escribir de esta
materia en Novedades, la Asociación que debía cubrir año con año era la
Asociación de Críticos de Teatro que presidía Don Rafael Solana. Era más
especializada en el teatro comercial que en el ambiente del teatro
Institucional, aunque si lo incluyeM; Fui parte de ella algunos años. Vi entrar
y salir a muchos socios. Los últimos Presidentes son Jorge Ramos Zepeda
(fallecido director y dramaturgo) y Tomás Urtusástegui(dramaturgo), con quienes
he llevado una sólida amistad.
Más tarde una separación amistosa dio
lugar al nacimiento de la Unión de Críticos y Cronistas de Periodistas de
Teatro, presidida por Ana Ofelia Bello, con fuerte influencia y apoyo de
Sebastián Verti. A la muerte de Ana Ofelia nadie retomó las premiaciones.
Actualmente se encuentra en suspenso.
APT, cumple 28 años de servicio
Su definición básica es que está integrada por comunicadores,
haremos el próximo febrero la XXVIII entrega de premios a lo mejor del Teatro.Colaboramos estrechamente en el Primer Seminario de
Crítica de Teatro en México, organizado por el CEMEX, muchos años antes de que
yo fuera Presidente, era nada más socio de APT y Secretario General de AICT.
Participé en un congreso sobre crítica
teatral organizado por Emmanuel Haro Villa y Fernando de Ita en Querétaro.
Alrededor del año 1998 colaboré con la maestra Quintanar en el Primer Seminario
para Críticos de Teatro, patrocinado por el ITI UNESCO. Hemos realizado
actividades en el Instituto Andrés Soler, en CECS Universidad de Comunicación,
diversas conferencias aprovechando la experiencia de Mario de la Reguera y
Humberto Morales. Entre otros homenajes: Dirijo desde hace varios años El
Diario de un Loco (n. 1929, fallecido el 10 octubre de 1987) Estrenado en su 15
aniversario luctuoso, porque la memoria del teatrista y del espectador es
débil. Nuestra labor es no dejar que se olviden. Otro ha sido a Sergio Corona,
Lya Engel, connotada periodista de Proceso.
Colaboramos estrechamente con el
Centro Mexicano de Teatro ITI UNESCO en los Festivales del tipo Amantes del
Teatro, las mesas redondas, El Humor en México. Ahora apoyé éste Panel que sin
duda será piedra fundamental para que evolucione y se fortalezca, el Periodismo
de las Artes Escénicas.
APT tiene en sus objetivos institucionalizar algunos de sus
elementos, por ejemplo: no cambiar de socios frecuentemente; fecha fija para
las ceremonias, generalmente el tercer lunes de febrero y aplicar criterios
aceptados por toda la comunidad teatral para señalar categorías.
En mi caso, me ha tocado no cambiar la sede gracias a la
generosidad de la señora Fela Fábregas, lo que ayuda mucho a que sientan que
hay continuidad, llevamos diez años de estar ahí, en su Teatro. Ser siempre los
primeros en señalar ternas y premiados nos obliga a ser más cuidadosos en
nuestra aplicación de criterios, aunque también es un orgullo la posibilidad de
marcar la pauta.
Otras Agrupaciones y Asociaciones de
periodistas: nace la ACPT, producto de un roce que da lugar a una escisión. Tiene
quince años de realizar su entrega de premios, la ceremonia de premiación
normalmente es un mes después de la que realizamos. Asegura el también abogado,
Bernal.
La Academia Mexicana de Teatro se
inició como una alternativa para fomentar la comunicación de los creadores con
el público, recuerdo a Claudio Obregón como su Presidente, generalmente se
dedica a realizar actividades de carácter académico
No existe Crítica Teatral en
México. El nivel del teatro local esta lejos de las grandes capitales del mundo:
Rodolfo Obregon
La Academia Mexicana del Humor, tiene
relación con el CEMEX (primer presidente Raúl Vale, actual Jorge Ortiz de
Pinedo) ha realizado mesas redondas, reuniones, homenajes y funciones de
beneficencia como alguna reciente para el Teatro Aldama por un incendio que
vivieron. Tiene muy buena relación con el CEMEX (Centro Mexicano de Teatro ITI
UNESCO) recordamos que apoyó el ciclo La Risa en México con personalidades como
Sergio Corona, Nicolás Alvarado, José Solé, David Ramos, Rodolfo Obregón, Polo
Ortín y Edgar Cevallos, de los que recuerdo.
Hay grupos de periodistas y amigos del
arte que hacen entregas, sin hacerla en cierto mes o saltándose algunos años;
otras de más reciente creación son muy abiertas a dar reconocimientos a otros
personajes, Empresarios, Médicos, Familiares de gente famosa o quizá hijos de
cantantes distinguidos. El Paseo de las Estrellas, ustedes lo conocen, dedica
sus reconocimientos al mundo del espectáculo en general, también incluye
teatro.
A nivel anecdótico es mucho lo que se
puede decir, como la participación de algunos aficionados al Teatro que hacen
crónica, artículo o nota y pomposamente le llaman crítica, lo que desorienta un
poco a los lectores, aunque no duran mucho en la fuente. Cuando son periodistas
adentro de la nómina de los medios, están sujetos a los criterios de su
empresa; si es necesario especializarlo o mandarlo a otra sección, se pierde
toda esa experiencia y conocimiento.
Nosotros (APT) admitimos nuevos socios
con frecuencia, aunque tenemos algunos criterios de selección, una de ellas
consiste en establecer requisitos de acceso y plazos para adquirir todos los
derechos, para apreciar su permanencia y deseos de convivir en un ambiente de
cordialidad, ya que se han visto experiencias desagradables en otras
asociaciones. Hay periodistas que se dicen independientes, algunos porque así
lo han decidido, otros porque no les aceptarían en ninguna parte y todos pueden
recordar sus nombres.
También hay etapas en que algunas
Asociaciones de críticos no han realizado la ceremonia tradicional, supliéndola
por una entrega virtual y luego enviando los diplomas a cada artista. Por eso
menciono que así nacieron las asociaciones, informan a través de sus diarios o
programas de radio, método sencillo, sin costos, ni el enorme trabajo
organizativo que implica.
Grupos que organizan entregas de
reconocimientos o fiestas, en Salones donde hay Cena incluida, en diversas
especialidades que también atienden teatro. Les agradan a los artistas, quienes
acuden a dejarse ver por las cámaras fotográficas o televisivas, en general son
reuniones agradables, con mayor o menor glamour. A los medios informativos les
simpatizan, porque tendrán entrevistas sobre los chismes, divorcios y juicios
penales de moda. No nacen con un criterio académico, sin duda.
El Premio Arlequín empieza como baile
de disfraces, se parece a una premiación teatral, aunque no se focaliza en
ello. Mencionaremos Los Globos de Oro y alguna revista de espectáculos, con
criterio abierto a otras materias. En fin, considero que lo importante es el
trabajo que todos ellos hacen para el lucimiento de los artistas; conviven los
famosos con los que apenas empiezan, con los compañeros que no ve hace años,
los aficionados para ver a la gente del cine y la pantalla chica. El modelo
Broadway impera en estas reuniones, con ciertas novedades como la alfombra
roja, que a veces es un tapetito, una pared con logotipos que saben evitar los
fotógrafos y camarógrafos.
Hay diferentes niveles de reuniones
que convocan las Asociaciones de Periodistas Especializados, todas son buenas
porque ayudan a la promoción del Arte y el Entretenimiento. Es más parafrasearé
a Voltaire, si no existieran este tipo de uniones gremiales habría que
inventarlas”
Fué una reunión Maratónica, en que el
público asistente aguantó con estoicismo las frases y palabras propias de los
teatristas, sin entenderlas del todo, pero ahí estuvieron. No así varios de los
ponentes, quienes aduciendo citas y compromisos, previos (fueron convocados
hace un mes) salieron huyendo ante la cascada de conceptos que motivan e
interesan sólo al gremio. Destacan varias ideas recurrentes esa noche: que no
pagan a los críticos en sus respectivos medios, no hay escuelas donde estudiar
ese tema, que le dan poco espacio por lo que escriben lo que se puede, los
espacios de crítica teatral en los diarios son inexistentes o breves, los
lectores prefieren la nota clara, breve, que los conceptos rebuscados. Se
repitió varias veces esa noche Bruquiano, Bentley, dudamos que se hayan
entendido en su contexto, salvo los que escriben en medios especializados, que
desaparecen con demasiada frecuencia, salvo la que dirige uno de esos
panelistas, que se salva de esta tradición. Los editores prefieren chismes, sin
la menor duda.
En cuanto a revivir la crítica del
siglo XIX se ve difícil, con la competencia del cine, radio, televisión, la
preferencia por la nota roja, twitter, facebook, los blogs, donde el código
comunicacional se reduce peligrosamente, confinando a los críticos que añoran
los espacios especializados, a escribir en revistas de circulación limitada con
lectores que se consideran arquetipos de la ortodoxia. Sobre el teatro alemán,
diré que acabo de ver un montaje que devino en carnicería con estruendosa
música. Hay de gustos a gustos.
Lo malo del teatro extranjero es que
lo imitan los grupos nacionales, esperando que nadie haya visto el original y
les sorprenda la "novedosa propuesta"
Acerca de la crítica teatral, Rafael
Solana aseguraba que no daba talleres especializados, porque al rato
"todos van a imitar ese modelo"
Hay de opiniones a opiniones.
Teatrikando
El Filósofo declara
Por BENJAMIN BERNAL
Asistí hace cosa de un año a la lectura de este guión teatral,
que con un poco de trabajo sería una comedia perfecta, debo aclarar que es un
texto disfrutable en el ambiente universitario, donde fue estrenado hace poco.
Pero en un lugar con público heterogéneo, que mezclara todas las capas
sociales, difícilmente lograría hacer reir. Quizá haciéndolo algo más cercano
a comedia ligera, o llevándola más hacia el teatro del absurdo, que
tuviera cercanía con Harold Pinter.
Me gustó mucho desde que la leyó Juan Villoro en El Milagro, se veían las
posibilidades sobre escena, con la dirección adecuada de algún cerebro creativo
y transgresor; propuesta que se queda en algo de menos poder. Antonio Castro
dirige y es eficiente para contar esta historia que nos lleva del
texto muy elevado (Hegeliano no ortodoxo) hasta la banalidad de no consumir
Fanta. No es porque yo prefiera otra marca. Hay algo en la parálisis fingida
que no me checa, quizá sea la falta de sorpresa cuando se levanta El Profesor,
en excelente nivel actoral junto con "El Chivo " de Amores Perros,
Emilio Echevarría (el filósofo Pato Bermúdez) Pilar Ixquic Mata tiene hace un
gran trabajo al mostrarse esposa amorosa del filósofo con neurosis borboteante.
Fabiana Perzabal y Egar Parra, completan el elenco para hacer el
contrapunto con seres normales que dan pie a las furibundas frases del
académico. Ropa y Maquillaje sin nada digno de contarles. “Cielo de perfección
epistemológica, disfunción eréctil de la mayor parte de los miembros de la
Academia” Su chofer es apodado el presocrático, porque es anterior a la razón…
Los libros son vendidos por kilos para ser usados como pesas para ejercitarse.
Seremos como Simone de Beauvoir y Jean Paul Sartre, expresa el paralítico. ¡Ese
filósofo hace todo para apantallar¡ y para usar cuello de tortuga. Filósofo que
se trivializa en hoteles de paso. Es una diosa a la que sobran brazos (se
refiere a Kali)
Sin duda todos sabemos que haya un gargajo ontológico. ¿Cómo haces para
decir tantos lugares comunes? Pregunta a su esposa. “Pienso como tu nada más
quito todas las mamadas” También hay un Hegeliano incómodo. O bien,
especializamos nuestra ignorancia. Gusta mucho la frase “universidades,
catedrales de la vanidad” o al ofrecer sopa de nóumeno. Hay sorpresas que no
lanza el autor para molestar y ofender a el Profesor. Hablan de los académicos
que escriben extensos artículos sobre profundos temas y que nadie lee.
Interesante trabajo con escenografía sencilla, algunas tares que se podrían
aprovechar para inquietar el hambre del público, pues prepara comida
vegetariana. En fin es una obra que funcionará muy bien en el campus
universitario, aunque deberían adaptarla para salir a foros dedicados a la mass
media. Son dos profesores de filosofía que han luchado
toda su vida, uno es Presidente de la Academia y ha de invitar al otro, todo lo
demás es circunstancial, por lo que se iran complicando las discusiones al
punto de que surja el delito.
Realmente me gustó desde que la escuché directamente de Villoro, ahora
deberá tener éxito en un foro acostumbrado a recibir montajes interesantes y
vanguardistas. Ojalá piensen en adaptarla para hacerla más digerible a todos.
He dado cases de filosofía y sé que a muchos jóvenes se les atraganta. Pero,
claro, Woody Alllen o Ionesco están dirigidos a ciertos espectadores, sin duda.
Excelente estreno que puede usted ver en Santa Catarina, Coyoacán, de viernes a
domingo.
Teatrikando
Teatro Ofelia: Casa de Muñecas
Por BENJAMIN BERNAL
Fui a ver Casa de Muñecas, de Henrik Ibsen (1828-196), en el Teatro Ofelia,
ya saben en la calle de Thiers. Esta clásica obra cuestiona la estructura
denominada familia, que da lugar a los roles hombre-mujer, misma que tantos
problemas ha creado. ¿Es inamovible?Algun día la mujer no quiso jugar ese papel
y creó el feminismo. Me interesó verla aunque la conozco bien para saber si el
aficionado muestra interés, ya que el foro de la Anzures ha tenido altibajos, Avivir
tiene largas temporadas y otras obras para nada.
Veamos cada detalle: como texto es interesante, bajo la
adaptación de Antonio Algarra, en tres actos, pero breves. Escenografía mínima
de Jorge Ramírez, con uso de poco presupuesto, y vestuario sin mayor
relevancia, apoyo de un patrocinador, montaje “bonito” a secas. Ya sabe usted,
están enfocados al aficionado que quiere ver clásicos, fundamentales para una
cultura general bien nutrida.
Recordamos de Ibsen, Espectros y Peer Gynt, frecuentemente llevadas
a escena en el ambiente universitario, por eso es digno de aplauso
este esfuerzo en al ámbito comercial que se centra en otro tipo de espectáculos
de mayor frivolidad. Pasemos al elenco: Erika Rendón interpreta a Nora, el
clásico personaje, con desempeño limpio y preciso, al mismo nivel Gilda
Valderrábano, actriz que da vida a su Cristina; amiga de la mujer que usaron de
arquetipo para el feminismo. Tal vez esta fuera de época, ya que el acto
inmoral cometido, es inocente en nuestra época, cuando políticos y banqueros
corruptos son ejemplo a seguir de la juventud mundial. No le contaré la
historia, que probablemente conozca. Pasaré a Ivan Romo, Torvaldo, quien apenas
cumple con su rol. A menor nivel Ricardo Nájera y Nathan Witenberg. Un detalle
fuera de lugar es la forma de cojear del Médico, balanceo de ambos lados es
falso, ojalá lo cambiara. Y no les vendrá mal un poco de maquillaje para verse
viejos, son demasiado jóvenes para darnos a personajes de venerable edad.
Hay momentos álgidos que se vieron sobreactuados, algo lenta por momentos,
el clásico portazo final está ausente, detalles que podrían ir afinando
conforme sientan la respuesta en taquilla. Para hacer una evaluación
global, la obra me gusta, hay que verla para disfrutar una propuesta fundamental
para la dramaturgia, con algunas actuaciones interesantes y una dirección que
requiere mejorarse.
Tartufo
Felipe Oliva, Alejandro La Madrid, Marco Vinicio Estrello, Cinthya Quintana
y Bárbara Méndez dan vida al texto de Moliere. Adaptado por Felipe, quien
también dirige, para que nos divirtamos un buen rato. Han centrado
la atención en los detalles que cambiaron, Tartufo es tremendista, levanta las
faldas de la dama de la casa, la sirvienta y la hija, abre escotes, vaya, tiene
elementos para ser XXXX, aunque se detienen para que sea familiar. Se divierten
ellos y nos entretienen todo el tiempo. Usan escenografía mínima y vestuario
adecuado. Pienso que si la llevara a ser más atrevida, quizá funcionara de
maravilla en un teatro bar. Muy recomendable, puede verla en el Teatro
Coyoacan, Héroes del 47 cerca de división del Norte. Viernes a
domingo. La hija del dramaturgo Wilebaldo López, Mariana Brito es
una mujer muy emprendedora, acaba de cumplir 10 años como promotora teatral y
sigue adelante.
Tren 05
En el mismo teatro Coyoacán vi Tren 05, trabajo interesante con
dirección de José Roberto Puente. El texto ha sido creado por ellos mismos, con
la idea de mostrar la soledad que invade esta época, la soledad y el
desencanto. Los objetivos que establecen nuestros padres, maestros, los medios,
empresas, filmes, que nos hacen sentir vacios. Kary Carmona, Paola Estrada,
Roberto Garza, Thalìa Meléndez, Gabriel Martínez, son buenos actores todos y
la dirección logra mantener el interés durante 80 o 90 minutos que
dura la acción. Interesante, atractivo montaje que todavía puede recibir
algunos ajustes para hacerla de mayor impacto. Pero, como está es un excelente
trabajo colectivo. Jueves, 20 hs.
El Filósofo declara
En el Teatro Santa Catarina vi el estreno de Juan Villoro, su arribo al
terreno de la dramaturgia. Es un caso excepcional, pues hace un año lo vi en
Teatro el Milagro, el mismo leía su obra ¡y ya fue estrenada¡ Después le
cuento.
A Chorus Line, segundo musical del año (Qué fea tropicalización del nombre)
Un año de escasas propuestas en materia musical, sólo Hair Spray y esta,
por eso nos dió gusto que presentaran al elenco de A chorus line, 2010,
con el feo nombre de La linea del coro. Antes llamada Audición y el Gran Final,
tropicalizar el nombre nos parece poco afortunado, porque los conocedores la
identifican como A chorus line (que nadie pronuncia mal si eso creen los
directivos) En realidad le podrían llamar Audición o Casting, vocablos
generalizados y entendibles. Salvo que haya problemas con los derechos de
autor.
Olivia Bucio estuvo en aquella ocasión estelarizando, recuerdo que no había
grandes figuras, fue en el teatro Silvia Pinal.
Ahora estan María Filippini, Paco Morales, Estebalitz Ruiz,Ana Cecilia Anzaldúa, Mauricio Salas, Rogelio Suárez, Jacobo Toledo, entre otros.Por cierto, se habla del 3 de noviembre para estrenar.
Algo es significativo, sin duda, será una de las obras musicales con menos
presupuesto en materia de escenografía, ya que debe mostrar el foro desnudo
para una Audición o casting.
Se dice que se trata de sesiones agobiantes, audiciones pesadas, castings que exigen mucho, para que finalmente logren ser contratados. A la pregunta de ¿son humillantes? Asegura Mauricio que no, pero depende de la persona que dirige la sesión. El filme y la obra son ampliamente conocidos por los que andamos arriba de 50, ya que vimos el filme, obra o escuchamos a los mayores, ahora vienen las campañas masivas para interesar a los realmente jóvenes. No dudamos que será un "trancazo"
* sobre el nombre: such is a tropic
BATRACIO Y DON QUIJOTE
Por Perla Schwartz
Por más que uno lo intente, es más que imposible agotar toda la oferta de
la amplia cartelera teatral, que día con día
se ofrece en el Distrito Federal,
teatro comercial, del circuito cultural y
underground. Lo afortunado, es que
hay varios montajes que bien vale la pena
verse.
En esta ocasión me referiré a dos, que vi en
fecha reciente.
“Batracio” escrita y dirigida por Mauricio
Eugenio Galaz, es un espectáculo
con las características del teatro
físico-acrobático, que comenzó a poner en
boga hace poco más de cinco años Richard
Viqueira. Galaz participó con él,
como uno de sus actores en “El evangelio según
Clark” y ahora se lanza a la
aventura de crear su propio espectáculo que
toma como punto de partida
una lección falsa de biología, donde los
protagonistas son los anfibios.
Tres actores en escena, Ricardo de los Cobos,
Enrique Alguibay y el propio
Galaz, de quiénes hay que destacar ante todo,
su lenguaje corporal, su
resistencia física, y el poder comunicar con
soltura sus parlamentos, en
una obra que a final de cuenta, es una
metáfora del ser humano y su
circunstancia.
Una obra a toda larva, como expresa el lema
publicitario, por ahí desfilan
ranas, ajolotes, sapos y salamandras, con las
mismas cualidades y debilidades
de cualquiera de nosotros, con sus amores y
odios, con su necesidad de
partir a nuevas aventuras, amando y desdeñando
al líder político en turno.
Teatro lúdico, bien resuelto en poco más de
una hora. Una reflexión
concienzuda de la metamorfosis y sus
variantes. Este montaje se presenta los
martes a las 20.30 horas en el Foro
Shakespeare, su principal atractivo reside
en que se trata de una aventura teatral
diferente y atractiva.
DON QUIJOTE.- Hace poco más de mes y medio, el
incansable actor Carlos
Bracho presenta los viernes en el Teatro Julio
Prieto, un unipersonal, un
espectáculo de atril, donde presenta a Don
Quijote, partiendo de una
selección que él mismo hizo de textos y
diálogos de la obra magna de Miguel
de Cervantes Saavedra.
Prescindiendo de efectismo, el actor da vida
al Caballero Andante
enajenado tras la lectura de muchísimas
novelas de caballería, así como a su
fiel escudero Sancho de la Panza y algunos
personajes de soporte como son
el cura confesor y el carretero.
Selección de textos eficaz a lo largo de poco más de una hora, donde Bracho
sabe imprimir emoción a cada uno de los
diálogos que nos remiten a la
inmortalidad de una obra sabia que supo
presagiar la corrupción de políticos,
así como el inevitable estallido de violencia.
Una experiencia gozosa que cuenta con una
selección musical y algunos
efectos especiales de la autoría de Antonio
Calvo y una bien trazada
iluminación de Javier Ramírez.
Carlos Bracho, vuelve a poner al día uno de
los personajes más entrañables
y ricos de la literatura de todos los tiempos,
eludiendo el riesgo de caer en
una didáctica facilista.
ANTES DEL DESAYUNO: DEL DESENCUENTRO AMOROSO Y
LA ASFIXIA
Por Perla Schwartz
Eugene O Neill es uno de los dramaturgos
norteamericanos más destacados
del siglo XX, él sabe diseccionar las diversas
aristas del alma humana, una de sus
Juan Carlos Cuellar nos ofrece una adaptación
de uno de sus primeros textos,el
monólogo “Antes del desayuno” que data de
1916, y que desde hace poco más de
dos meses se viene presentando en el Espacio
Urgente del Foro Shakespeare.
En esta ocasión no es Mrs. Rowland la que
lanzará su panegírico de ardor y
profundo sufrimiento ante el desencuentro
amoroso de su marido, ahora es la
Señora Quiñones, porque importa su nombre, lo
que destaca es la dureza con
que O Neill hace una radiografía de la pareja
que se trunca, en el momento más
inesperado.
Con toda parsimonia, ella prepara el café
matinal, se sienta en la mesa y cavila,
su esposo que tan sólo se expresará con
lenguaje corporal permanece en el baño,
cabizbajo, ausente, encerrado en su propio
mundo, tal vez oiga lo que ella dice
pero no escucha.
La señora Quiñones se queja que su marido es
un bueno para nada, de que no le
sirve ser poeta, si no es un buen proveedor,
de su supuesta infidelidad amorosa,
de ese tener que compartir un mismo techo tan
sólo por la costumbre, y no
porque exista entre ambos una complicidad
cotidiana.
Al ser monólogo, el peso de la puesta en
escena recae en Itari Marta quien
logra una interpretación convincente de su
atribulado personaje, sabe matizar,
compartir el dolor de esta mujer, tal vez
hacia el final de la obra sobre actúe un
poco, pero el balance de su actuación es
positivo.
Por su parte Ammel Rodrigo, es el silente
Alfredo, el esposo, quien tomará una
decisión radical. Ambos son dirigidos desde un
trazo minimalista, que apuesta por
generar una angustia creciente en el
espectador por el joven director Juan Carlos
Cuellar, apoyado en una sencilla escenografía
y una buena iluminación de Roberto
López Rodríguez.
“Antes del desayuno” es el rescate de un
valioso texto de la dramaturgia
contemporánea, además de una propuesta bien
fundamentada. SE presenta
viernes a las 19.30, sábados a las 20 y
domingos a las 18 hrs en el Espacio Urgente
del Foro Shakespeare.
LA RETIRADA: EL RECUENTO DE LOS DAÑOS
Por Perla Schwartz
Teatro que se fundamenta en el peso y el calibre de las palabras, teatro
recorrido por una gran carga de violencia
emocional a punto de estallar,
ésta es la mejor manera de describir “La
retirada”, escrita por el dramaturgo
inglés William Nicholson (guionista de
“Gladiador”, argumentista televisivo),
obra que tras su éxito en Londres, en
Broadway, llega a cartelera nacional.
Tres personas en pugna: padre, madre e hijo,
un trío que gravita en una
especie de Torre de Babel. Él, Eduardo es
maestro de historia (Rogelio
Guerra), ella, Alicia (Nuria Bagés) le toma
tiempo terminar una antología
poética, se auto sabotea una y otra vez.
Y en medio de ellos, Jaime, el hijo (vimos
función con Rolf Petersen), los
quiere entrañablemente a ambos, pero le cuesta
mucho trabajo asumir el
resquebrajamiento de la relación amorosa de
sus padres, tras 33 años de
unión matrimonial.
Y como gran metáfora de este desmoronamiento,
la retirada de Napoleón
de Moscú en medio de un agreste paisaje
nevado, en donde cualquier ser
humano puede llegar a hundirse de manera
irreversible.
Una cuidada puesta en escena de Jorge Arturo Vargas, quien sabe dar peso
a cada uno de sus personajes, y que a través
de un multimedia que aparece
en una ventana, va dibujando los altibajos de
estos seres, que Nicholson ha
trazado con pleno conocimiento de las
contradicciones que conforman a la
condición humana.
Un lenguaje en apariencia trivial es la base
de un discurso ficcional, que
contiene carga metafórica, así como
filosófica, así tenemos que la madre dice
en algún momento: “Las mujeres de cierta edad
nos volvemos invisibles”,
o cuando el hijo afirma: “Mamá tu infelicidad
me devastaba, pero no podía
ayudarte.”
“La retirada” es una obra intensa, salpicada
de fragmentos de poesía, de
autores como: Pedro Salinas, Jorge Luis
Borges, y Rosario Castellanos, entre
otros, de seguro esa fue la adaptación para México,
puesto que NIcholson es
inglés.
Retrato de la conspiración de los fuertes
contra los débiles, recuento de
los daños de seres humanos en una situación
límite. Obra que concientiza
que el mundo es un lugar aterrador, y que no
todo lo que se piensa dura por
siempre.
Obra muy bien montada por Vargas, que tiene
como gran acierto, manejar
dos actores en el proscenio, es decir en un
primer plano y el tercero como
espectador o testigo de la acción, además del
intermitente sonido del tren.
En “La retirada”, subyace la siguiente
reflexión borgiana: “Tengo que alabar
a quien me hiere”.
Se presenta, viernes, sábados y domingos en el
Teatro del Centro Libanés.
CÁNCER DE
OLVIDO: DE LA CONFUSIÓN DEL ESPÍRITU
Por Perla
Schwartz
A partir de los
festejos en torno al Bicentenario de la Independencia y
del centenario
de la Revolución Mexicana, han surgido un sinnúmero de
propuestas
teatrales, algunas basadas en episodios de dichos períodos o
en algunos de
sus personajes más destacados, y otras como la que hoy nos
ocupa, cuestionando
la idiosincrasia del mexicano, o criticando ciertos viejos
vicios que aun
no se han logrado superar, y que por el contrario, conforme
pasa el tiempo,
parecen agravarse.
Es así como el
monólogo “Cáncer de olvido” escrito y dirigido por Víctor
Salcido, a
través de una escritura nerviosa. Un tanto confusa, retrata a
Martín Serrano,
un literato afamado, que por hablar de más, es secuestrado,
encerrado y
torturado, al dejarlo aislado, sin alimento.
Es el momento,
en que este escritor experimenta una especie de
esquizofrenia,
pues asume los roles de sus diversas personalidades, buscando
resguardar esa
mínima libertad para expresarse que aun tiene.
Si algo sostiene
la puesta en escena de “Cáncer de olvido” es la
interpretación
de ese gran actor que es Roberto Sosa, polifacético,
convincente y
con un gran carisma, solo él saca a flote un texto si bien
interesante, que
es inconexo y que en muchas ocasiones recurre a un humor
forzado para
intentar hacer que el espectador se ría.
Sosa, le da
varios matices al contradictorio Serrano y lo hace con pleno
dominio
interpretativo. Intelectual con ideas progresistas que se desdobla
en su carcelero,
en el terrorista o en el dictador que recién asumió el poder.
Sosa da cuenta
que es un gran actor, lástima que el texto de “Cáncer de
olvido” no tenga
ese vuelo, a pesar que parta de la premisa de rompecabezas
para armar, si
bien tiene algunas frases y reflexiones agudas e incisivas, tiene
otras que rozan
el humor televisivo.
En cuestión de
puesta en escena, Salcido comete algunos errores, como el
largo preámbulo
musical del principio, el exceso de oscuros para marcar las
transiciones, el
poner a una “chica sexy” a bailar junto a un televisor para
representar a la
Patria.
Hay algunos
momentos chispeantes como cuando se alude a la asociación
de un México
Positivo, y para ser miembro baste con adquirir una pulsera de
a peso.
En fin,
confiemos que Víctor Salcido, con el tiempo crezca como director y
dramaturgo.
“Cáncer de
olvido” se presenta los miércoles a las 20.30 en el Teatro
Helénico.
26 de Agosto de 2010
Mentiras
Georgina Martínez Porras
“MENTIRAS” es una divertitrágica comedia musical, que
José Manuel López Velarde, trae para que el público experimente momentos
agradables recordando los maravillosos años 80’s, una década tan colorida y
apasionada que marcó a varias generaciones y ahora a los
espectadores.
“Recordar es volver a vivir”, es por esto que la
puesta en escena “MENTIRAS” invita al público a retroceder, emocionarse, cantar
y reír al identificarse con el ambiente que se genera en el escenario.
“El Me Mintió”, “Mentiras”, “De Mí Enamórate”, “¿Cómo
Te Va Mi Amor?”, “Pobre Secretaria”, “Noche de Copas”, Lo Siento Mi Amor”,
“Quiero Dormir Cansado”, “Detrás de Mi Ventana”, Toda la Vida”, “Mudanzas”, son
algunos de los temas cantados en dicha obra musical, melodías tan famosas que
es imposible dejar de transportarse a esa época.
“Daniela”, “Yuri”, “Lupita”, “Dulce” y “Emmanuel”, son
los personajes interpretados por: Pía Aun, Crisanta Gómez, Mariana Treviño,
María Fernanda, Leticia López, Paola Gómez, Georgina Levin, Ana Cecilia
Anzaldúa, Sandra Lan, Lorena Barquet, Jimena Parés, Lolita Cortés, Hiromi,
Patricio Borguetti, Mauricio Martínez, Mauricio Salas, Rykardo Hernández y
Mariano Palacios, alternando funciones.
La trama da inicio cuando una persona misteriosa llama
por teléfono a Daniela, Yuri, Lupita y Dulce para avisarles que Emmanuel ha
fallecido; es entonces que estas mujeres se encuentran en la funeraria, donde
les dan a conocer una dramática carta acusando a una de haberlo asesinado. Se
arma un alboroto y cada una de ellas va recordando las vivencias que tuvo con
Emmanuel, para así poder descubrir a la culpable del homicidio.
Esta puesta en escena hace que el espectador obtenga
una experiencia única e irrepetible. La entrega, pasión y profesionalismo del
elenco, provoca carcajadas y momentos agradables.
Un libreto fuera de lo común, con varias historias
enlazadas y una ambientación espectacular.
Pocos elementos, mucha creatividad. Es impresionante
la forma en que los actores interactúan con la escenografía, ya que ellos
mismos se encargan de transformar el escenario trasladando los diferentes
elementos, maniobrándolos para que a su vez se conviertan en un segundo objeto.
Las sillas se convierten en mesas, las mesas en sillones y todos los elementos
forman una enorme cama. Es impactante la rapidez con la que logran crear
distintos ambientes.
La escenografía está montada sobre un círculo
giratorio que ocupa la mayor parte del escenario, sobre él se encuentra el
mobiliario que al momento girar, permite la aparición de distintos espacios.
Con este sistema se logra la peculiaridad de que el bajar el telón se vuelve
innecesario. Esto se ha logrado gracias a la asignación de enseres de distintos
colores a cada personaje, en color amarillo se encuentran los elementos de
Yuri, en rosa los de Daniela, en verde los de Dulce y en naranja los de Lupita,
y así el público percibe a simple vista el entorno de cada personaje.
Todo tiene congruencia y se encuentra perfectamente
definido, es la magia que logra cada pequeño detalle y cuyo objetivo es
entretener, divertir, transportar, transmitir y hacer que el público termine
bailando y cantando las famosas canciones de la época que hizo vibrar en su
momento.
ENTREGAN
A GERMÁN DEHESA
MEDALLA
DE CIUDADANO DISTINGUIDO
Eugenia Galeano Inclán
20 de agosto de 2010
El martes 11 de agosto, el Gobierno del
Distrito Federal, a través de su titular, Marcelo
Ebrard Casaubón entregó a Germán Dehesa la
Medalla de Ciudadano Distinguido su labor
de difusión de esta nuestra ciudad a lo largo
de todo el mundo y porque se le atribuye que
es uno de los mayores conocedores de rincones,
recovecos y resquicios de la gran ciudad, a
través de los incansables recorridos que ha
hecho, aparte de escucha de la múltiples voces
que afloran.
Con la mirada limpia que sólo tienen las
personas de bien se presentó puntualmente
Germán Dehesa a recibir su medalla. Su amplia
sonrisa contagiaba el buen humor a todos
los asistentes, su enorme agradecimiento
conmovía. Con el físico un poco menguado a
consecuencia de los infartos que ha sufrido,
se adivina que hoy en día ama más la vida
al haber librado exitosamente esas batallas.
Quizá en esos avatares ha hecho análisis
de conciencia que lo han llevado a apreciar
más sus haberes. Se mostraba satisfecho de
su trayectoria y de su quehacer cotidiano.
Amoroso con todos sus seres cercanos, con
orgullo enorme por la manera de ser y por los
logros de sus hijos –de quienes habló muy
cariñosamente–, coqueto con sus
entrevistadoras, ocurrente y perspicaz, como siempre.
Al escritor, maestro y columnista mexicano se
le reconoce que ha marcado la vida
intelectual del país con su singular estilo de
usar la palabra para establecer el diálogo; ya
sea como conferenciante, columnista, actor y
director de teatro, coordinador de talleres
literarios, autor de más de cincuenta
espectáculos, guionista, conductor y anfitrión de
programas de radio y televisión.
En la ceremonia de entrega de la medalla,
estuvieron presentes, además del homenajeado y
del Jefe del Gobierno del Distrito Federal, la
Secretaria de Cultura Elena Cepeda de León,
el actor Héctor Bonilla, las periodistas y
conductoras de programas de radio y televisión
Carmen Aristegui y Fernanda Familiar, la
cantante Tania Libertad y el primogénito de
Germán, Angel Dehesa. En un acto muy emotivo,
pasaron uno a uno al estrado a expresar
su sentir a Germán Dehesa, era tanto lo que
querían expresar que los minutos corrían y
al final tuvieron que apresurarse un poco.
Tania Libertad fue quien dio inicio y, en lugar
de hablar, optó por cantar a capela. Marcelo
Ebrard Casaubón y Elena Cepeda de León
impartieron la solemnidad que se requería en
un evento tan importante, si bien el señor
Ebrard adhiriéndose al humor de Germán, reveló
que entre bambalinas Germán le había
preguntado si la medalla era de metal o en
metálico, arrancando las risas al auditorio.
Héctor Bonilla pronunció la gran admiración
que siente por Germán. Carmen Aristegui
elogio al maestro y habló de la entrañable
amistad que los une. Fernanda Familiar no quiso
pasar al estrado y simplemente se sentó junto
a Germán para hacerle algunas preguntas,
durante las cuales hizo una confesión propia
–mucho tiempo atrás fue novia de Germán,
pero por un solo día. Angel Dehesa en un breve
discurso destacó el profundo amor y
respeto que él y sus hermanos sienten por su
progenitor.
Uno de los elementos indispensables en el
trabajo de Germán Dehesa ha sido el humor,
que ha decir de él es herencia paterna,
mientras que la mesura, la rebeldía y el ojo crítico,
le llegaron de su madre. Su legado al mundo
son sus libros, en donde se encuentran
recopilados diálogos, soliloquios y
ocurrencias de todo género. Algunos de sus títulos
son: Fallaste corazón, La Música de los Años o
La vida y sus dibujos, que realizó con la
colaboración del artista plástico Juan
Sebastián Barberá.
Acostumbra utilizar sus recuerdos personales
como recursos narrativos. Su amplio
conocimiento sobre escritores, periodistas,
cronistas, políticos y ciudadanos de a pie, así
como su privilegiada memoria le permiten hacer
referencias literarias en forma puntual
y oportuna. Sus años de experiencia como
lector titulado en la escuela de la vida y en la
Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM
aunado a su ojo observador con sentido crítico
integrado, hacen que el trabajo del maestro
Dehesa sea un deleite, un divertimento. Quién
no ha leído sus notas en la Gaceta del Ángel.
Reído a rabiar en alguno de sus espectáculos,
o gozado de uno de sus libros o de sus obras
teatrales. Relatos disfrutables en donde se
combinan la vida y la palabra.
Actualmente Germán es considerado uno de los
líderes de opinión más importantes
de México, incluso sus aportaciones
intelectuales han cruzado fronteras y su voz se ha
escuchado en otras latitudes. Recientemente
fue galardonado en España con el Premio Don
Quijote de periodismo por la síntesis
brillante entre el idioma español y el habla popular en
su trabajo periodístico.
Al finalizar la ceremonia, Germán Dehesa, a
manera de celebración de sus 66 años de vida
y tras un año de no dar funciones –desde que
se cerró la Planta de Luz en Plaza Loreto–
regresó encantado a la escena para estrenar
Permiso para Vivir, un espectáculo totalmente
inédito.
Permiso para vivir fue escrito especialmente
para aplaudir a la vida y para estrenarse en el
Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.
Acompañando al maestro Germán Dehesa participaron
sus “compinches” –como cariñosamente él los
llama–. En la voz, Adriana Landeros, en
música y voz los guitarristas Jaime Guarneros,
Ernesto Anaya y Antonio López, además del
actor Eligio Meléndez. Un paseo por anécdotas,
recuerdos, críticas y diálogos en torno al
acto casi mágico de existir, a través de
poesía, reflexiones y canciones, en un espectáculo
como aquellos que solía presentar en La Planta
de Luz y que se extrañan tanto en el
esparcimiento nocturno de nuestra ciudad.
Honor a quien honor merece. Un aplauso y
nuestras felicitaciones a Germán Dehesa, por su
merecidísimo nombramiento como Ciudadano
Distinguido.
LA
FORMA QUE SE DESPLIEGA
Eugenia Galeano Inclán
Fotografías tomadas por: Roberto Blenda
19 de agosto de 2010
El dramaturgo, director, actor y titiritero
Daniel Veronese, originario de Argentina, adquirió fama al lograr innovar el
entorno teatral. Primero, con su grupo El Periférico de Objetos basó su trabajo
en la integración de actores y objetos, más adelante concedió a los objetos un
lugar protagónico en sus montajes. Lo que se observa en toda su obra es un
profundo conocimiento del sentir humano. Gusta de relatar historias que
recorran diversos estados de ánimo para hacer aflorar distintos emociones.
Para este tipo de trabajos es imprescindible
contar con experimentados intérpretes que puedan dar vida a sus personajes.
Claro ejemplo de esto es Mujeres soñaron caballos que recientemente estuvo en
cartelera en nuestro país. Ahí nos muestra una reunión aparentemente normal de
tres parejas, pero pronto van surgiendo dificultades de convivencia, amores
irracionales, histerias particulares (o colectivas) y hasta dónde puede llegar
un ser humano bajo presión o ante una tragedia. La principal virtud de Veronese
es atrapar al espectador de principio a fin, en forma tan contundente que
podría decirse que durante el tiempo que se permanece dentro de la sala teatral
el mundo exterior deja de tener importancia y sólo existe la perfecta comunión
entre escenificación y público. En la escena mexicana alguien que logra el
mismo efecto es Jorge Arturo Vargas, quien recientemente, con Amarillo hizo
vibrar al espectador al tenderle un puente directo hasta los sentimientos más íntimos
de los migrantes, a través de un montaje pleno de color y movimiento, con una
enorme pantalla en la que se proyectaban múltiples imágenes dando realce a
momentos específicos de la historia.
Ahora, con apoyo del Fondo Iberoamericano de
Ayuda Iberescena y del programa para grupos artísticos profesionales México en
Escena, Jorge Arturo Vargas monta una versión libre de La Forma que se
Despliega, de la autoría de Daniel Veronese.
Jorge Arturo Vargas, reconocido director,
actor físico y docente, tanto en actuación como en dirección teatral, tuvo sus
inicios en la Universidad de Durango de donde salió con la idea clara
de lo que quería hacer en la vida. Tomó clases
con Sigfrido Aguilar y luego comenzó a recorrer el mundo acrecentando su bagaje
personal y cultural. Fue alumno de Steve Wasson, Courine Soum y Dan Stein en la
Ecole du Mime Corporel. Etienne Decroux también fue su maestro. Cursó diversos
talleres en la Mime Omnibus de Canadá y en el Odin Teatret, así como en la
Escuela Internacional de Teatro para
América Latina y del Caribe. Fue fundador e integrante del grupo Mimus-Teatro.
Fungió como director del Grupo La Percha.
Teatro de Movimiento. Pocos saben que durante su
estancia en Europa formó un dueto de teatro de
calle que se presenta en forma regular en París, Zurich, Bruselas, Stuttgart y
Barcelona. En la actualidad lo identificamos como el Fundador y Director
Artístico de Teatro Línea de Sombra. Su amplia experiencia, aunada a su talento
y a su sensible visión, lo ha llevado a crear una poética teatral distintiva
aun cuando abarca una gama muy variada de montajes, en donde se ha
especializado en presentar espectáculos transdisciplinarios y de teatro del
cuerpo. Sólo por mencionar unos cuantos de sus montajes más representativos,
recordamos: El Censor, Galería de Moribundos, La Mujer de Antes, Amarillo.
Con los apoyos antes mencionados, Teatro Línea
de Sombra A.C. procedió al montaje de La Forma que se Despliega,
desarrollándolo a través de un laboratorio, para el cual Jorge Arturo Vargas
convocó al dramaturgo Noé Morales Muñoz. Noé es aún joven pero sus ideas sobre
el teatro que quiere exponer son claras e innovadoras –afirma que “el teatro es
una forma de dar rienda suelta a su necesidad de expresarse”. Ha logrado
reconocimiento con algunas de sus puestas en escena, como son Día Cero, Los
Prohombres y Disforia (que se refiere al desarreglo de emociones).
También fueron invitados al proyecto dos
actores de sobrada solvencia: Roberto Ríos, conocido en el medio con el apodo
de Raki, y Rosa María Bianchi, ambos polifacéticos y con experiencia en
diversos campos. Por último, también llamó a tres nóveles actores Zuadd Atala,
Ismena Romero y Raúl Mendoza.
Después de analizar el texto original,
buscaron espacios susceptibles de ser fracturados y ahí fue donde insertaron
nuevas expresiones que fueran más compatibles con el montaje que proyectaban,
quedándose con aproximadamente un 60% de lo escrito por Veronese. En una
especie de homenaje al autor, utilizaron una escenografía muy a su estilo: Una
caja simple con algunas ventanitas donde se vislumbra lo que no está en escena,
pero Jorge Arturo Vargas fue más lejos aún y para tal efecto diseñó todo un set
de los que se estilan en cinematografía, a base de pequeñas maquetas con
elementos ligados a la narración: un conejo, juguetes, fotografías, etcétera,
aparte de cierta maquinaria. Si bien lo que ahí se conjunta no es mostrado al
público en su totalidad, todo ello debe haber contribuido bastante al trabajo
interno para la caracterización de los actores. Además, queda aquí de
manifiesto la forma tan minuciosa en que se cuidaron todos los detalles y
elementos de apoyo. Por cierto, la imagen de la obra es una fotografía
fusionada con dibujo a tinta. Al salir de la sala los asistentes podrán
apreciar mejor los pormenores de las maquetas referidas, dado que éstas se
encuentran en la parte posterior al escenario.
El tema central de La Forma que se Despliega
es el sufrimiento que produce la muerte de un hijo y su cuestionamiento es la
imposibilidad de sentir el dolor ajeno. Para iniciar nos indican que la
catástrofe es lo que sigue al desastre. El desastre ya ha ocurrido: murió un
hijo. En un entorno de teatro de cámara, con ausencia absoluta de la cuarta
pared, aparecen Raki y Rosa María –bella como siempre, casi sin maquillaje. Sus
rostros reflejan consternación. Los dolientes padres expresan lo que sienten,
de cara al público, fijando su mirada en los ojos de algún espectador.
Podríamos decir que es una especie de autoconfesión porque revelarán
pensamientos íntimos que difícilmente harían del conocimiento de terceros en
cualquier otra situación. Están devastados, tratando de hallar explicación a lo
inexplicable. Ni siquiera entienden cómo es que subsisten, les parecería mejor
que no resistiera el cuerpo y sobreviniera una muerte súbita que evitara ese
incisivo dolor. La mujer se lamenta de no haber tomado fotografías recientes a
su hijo. Ambos evocan el momento en que se conocieron. La belleza de la
jovencita lo impresiona a tal grado que en ese mismo momento sabe que quiere casarse
con ella y le propone matrimonio. Tras la inesperada propuesta, ella se deja
llevar por la ilusión. La incompatibilidad se hace patente desde el principio,
pero por costumbre o inercia continúan. Al nacer el hijo, ya no hay vuelta
atrás, los dos vuelcan todo su amor en él.
Con su partida, todo se derrumba, todo se
desintegra, ya nada encuentra su lugar. El dolor lejos de unirlos los hace
ajenos. Alternadamente la realidad y la ficción se entremezclan –alguna edecán
irrumpirá, alguna trabajadora intentará hacer arreglos.
Las interpretaciones por parte de Rosa María
Bianchi y de Roberto Ríos “Raki” son memorables, transmiten el dolor y se
produce la magia teatral al conmover al espectador. Cumplen con sus roles Zuadd
Atala, Ismena Romero en el escenario y Raúl Mendoza fuera de éste. Buena labor
de Noé Morales en la dramaturgia con frescura y sensibilidad. Perfectamente
bien integrados los trabajos de iluminación, sonido, movimiento actoral y
gestual dosificados con precisión por Jorge Arturo Vargas, a quien consideramos
en uno de los mejores momentos de su carrera, colocándose en un lugar
preponderante entre los hacedores de teatro de nuestro país.
Recomendamos ampliamente La Forma que se
Despliega por ser teatro de vanguardia, innovador, con excelente estética
visual y convincentes actuaciones. Deje que el dolor le llegue, pero no se
preocupe, de pronto le darán una fórmula teatral para liberarlo del mismo.
Apresúrese a verla, la temporada es corta sólo estarán hasta este fin de
semana. Sin embargo, dado que es un proyecto apoyado por Iberescena se
presentará en Argentina y consideramos que existe la posibilidad de que la obra
sea repuesta en el Distrito Federal en un futuro cercano.
La Forma que se Despliega se presenta -Teatro
el Milagro-
Viernes 20 de agosto a las ocho y media de la
noche
Sábado 21 de agosto a las siete de la noche
Domingo 22 de agosto a las seis de la tarde
Teatrikando
Chantal Andere, espléndida; Rodrigo Murray de
antología
- La guerra de los pasteles: por apachurrar el biscocho
- ¿Una lección de historia? ¡Una farsa antihistórica¡
- La Güera Rodríguez de Federico S. Inclán
Por BENJAMIN BERNAL
Los estrenos de Jorge Ortiz de Pinedo tienen
un poderoso impacto en los medios, aficionados y teatristas de todas las
especialidades acudimos a su invitación. Así que arribamos al Helénico el
jueves; había una valla para contener la nube de reporteros e impedir que
empujaran, atropellaran a los famosos (si, porque los demás no corremos peligro
de usar como botana una grabadora)
llegamos una hora antes para ver lo que parecía una lección de historia de
México. Hay quien no gusta de las vallas, se aleja lo más posible, otros son
felices de dejarse entrevistar acerca de los pleitos de moda (Yuri vs Lucia
Mendez, el Pirru, las prótesis más famosas del orbe)
Jacqueline Andere, Zaide Silvia Gutiérrez,
Macedo de la Concha, la gobernadora de Yucatatan Ortega Pacheco, Norma
Lazareno, Pedro Ortiz, Andrea Torre, Guillermo Wiechers, Carmen Salinas, el
Chato Cejudo, Miguel Sabido, Ignacio López Tarso, José Elías Moreno, Bety
Moreno, entre otras decenas de personalidades repartían codazos para poder
tener un lugar en la planta baja del Helénico, que cuenta con un segundo piso
pero nos dijeron que no dan telescopio. Así que desde mi excelente lugar de
planta baja me dispuse a ver una obra de Federico Schroeder Inclán, muerto en
1981 a los 70 años.
Quise mencionar esto, porque se forma cuando
el Porfirismo todavía está fresco en los ciudadanos y el autor es testigo de
los vuelcos que da nuestro país con el Vasconcelismo y el fortalecimiento del
partipolítica eso de “legitimista
contra oportunista” parece escrita para ser representada ahora mismo. Llegamos
a conocer los antecedentes de la guerra de los pasteles, con un amanerado
Rodrigo Murray que es de antología, yo no daba crédito ¡se adapte a todo! En
algun momento Chantal asegura que le apachurran el biscocho, eso es motivo de
guerra sin duda. Si usted quiere ser culto tome un libro de historia sobre el
Centenario y Bicentenario; si quiere reírse: vaya al Helénico.
EL AMOR CONTRA LA INDIFERENCIA
Por: Alejandro Laborie Elías
El amor, el sentimiento más sublime del ser humano, nos puede llevar a las mejores
acciones o las peores. Secuestrar a una persona, humillarla,
violarla y llevarla a situaciones límite, es una muestra de los mejores
sentimientos, al menos en la mente de quien lo
hace. Claro que no debería ser así, pero cuando el amornos mueve, somos
capaces de todo.
Inventar
una historia a partir de una mentira, tan increíble que sólo el afectado la puede creer, es lo
interesante deDespués del fin, de Dennis Kelly, bajo la dirección de Nora Manneck, que nos presenta una trama de amor e indiferencia.
Dos
hombres –aún en cuando el texto original son un
hombre y una mujer- se debaten entre la pasión y…, reiterando,
van a una situación límite, en que las pasiones, el amor, el dar todo por el otro y ninguna
correspondencia, es lo interesante.
Lo
importante del texto es cómo se comporta la mente humana, no se trata de un planteamiento psicológico, sólo de una
trama que nos hace reflexionar sobre la condición de la persona, de las circunstancias que nos conmueven cuando enfrentamos ala angustia, el miedo y la incertidumbre de cómo
reaccionara el otro ante las muestras de amor.
Dos
hombres encerrados en un refugio antinuclear; dos hombres que padecen la desesperanza ante la falta de comida, de
agua, de gas, de…, sin embargo uno sabe que todo es mentira, lo hace por amor… el otro cree todo y por amor sufre lamayor vejación de su vida y…
Un
autor inglés –parece ser que es la primera vez que una de
sus obras se monta en México- que reta al respetable a confrontar las
diferencias de todo tipo, las relaciones de poder, no de gobierno, sino de
quien domina a otro por el sólo hecho de amarlo,
de sobrevivir a la tentación de todo por el todo.
Nora
Manneck, en calidad de directora escénica, hace un excelente trabajo, su
lectura es correcta, género, ritmo y tono los adecuados, la historia la comprende y penetra en la mente de los espectadores para cuestionarlos, los obliga a reflexionar, a
pensar de qué es lo bueno cuando los sentimientos dominan elalma del apasionado y en quien la indiferencia es su única motivación. ¿El amor es lo mejor o lo peor?
Con
una escenografía realista y por momentos naturalista, de Cristóbal
García-Naranjo, una iluminación y musicalización que realzan la puesta en escena, Nora logra captar la atención, sobre un tema tan delicado como intrascendente a primera vista:el hombre es capaz de
amar a pesar de que el resentimiento lo lleve
a las peores traiciones contra sí mismo y a las
peores canalladas contra el prójimo.
Dos
actores, uno maravilloso, el otro… mejorará a
medida que corra la función, al menos es la esperanza. Adrián Alarcón desde el inicio se compenetra
con el personaje, con la situación, con el ritmo o tono que marca la dirección; Cristóbal García un desastre, tarda media función en hacer lo
que su compañero hace desde el principio. Actuaciones
disímbolas, resultado parcial desde este rubro.
Después
del fin, obra de uno de los más destacados dramaturgos ingleses contemporáneos,
se representa en el foroLa Gruta, los jueves a
las 20:20 horas, hasta el 4 de noviembre.
Agosto 2010
Columna Teatrikando
Renato de la Riva y sus grupos se van a Chile y Colombia
Por BENJAMIN BERNAL
Las embarazadas así como La señora y sus amibas, dirigidas por Renato de la
Riva ganaron la participación en dos Festivales: Chile y Colombia. Usted sabe,
son especialistas en Teatro del Absurdo, especialmente Antonio González
Caballero, el tema siempre es hablar de las lacras que aquejan la sociedad
actual, desde la pareja, las relaciones sociales, los tabúes, la religión y mil
situaciones que vivimos sin percibir lo doloroso que son, siempre será mejor
reír. En el foro Luces de Bohemia de la colonia Roma, cada semana llegan grupos
de todos los estados y de otros países para dar funciones que llenan sus cien
butacas. El teatro de pequeño formato siempre es mejor que ir donde tienen que
usar micrófonos, como es el caso de recintos con 200 butacas y ¡los
usan¡
Así que los esperamos para que nos cuenten cómo les fue en esta aventura,
fueron con escaso apoyo oficial, al grado de que dio funciones sin sueldo “Ni
princesas ni esclavas” para donar la taquilla a sus amigos. Se van Gabriela
Bermúdez, Marcela Moret, Mario Mandujano, Ruben Elizalde, Alberto Noriega,
Nacho Rodríguez y Renato de la Riva. Felicidades.
Elsa y Fred develó placa, Como envejecer con gracia la apadrinó
Realmente fue una función emotiva que concluyó con super figuras sobre la
escena. Ignacio López Tarso fue declarado hace pocos años “El mejor actor del
siglo XX” por la APT. Y con razón, le hemos visto recientemente Macario y 12
Hombres en pugna, para ahora deleitarnos en Elsa y Fred. En donde Beatriz
Aguirre muestra un carisma singular, la calidad ni se menciona pues esta dama
ha dejado una estela de éxitos en su vida. Las madrinas para la develación
de placa la hicieron Susana Alexander y Norma Lazareno, bellas y
graciosas al momento de tomar el micrófono. No faltó el comercial “En lo que
están de gira, vayan a vernos” dijo Susana. Javier López Chabelo fue el padrino
que aseguró “es la primera vez que agarro un micrófono”. Nos congratulamos de
que triunfen dos obras en las que se habla de la tercera edad, la amistad y el
amor.
Nunca es tarde para amar
Roxana Chávez, ya sabe usted que dirige una Fundación que atiende a niños
especiales, da una funcion el 26 de agosto de “Nunca es tarde para amar” en el
Colegio de Contadores Públicos, habla del mismo tema, los romances en la edad
madura, lo hace con buen humor y la taquilla es para la fundación Giordana
Nahoul.
Donnovan Santos prepara Comala.com, convoca a Casting.
Informa el director de Jadevolucion-Arte, que ya terminó Cristian Morales
la versión teatral de Comala.com, para que sea estrenada en breve, con un
elenco juvenil. Se habla del teatro José Marti , del Foco o del Rodolfo Usigli.
En internet se localiza muy fácilmente.
Se estrenó La Guera Rodriguez, en el Helénico
En breve estaremos informando de esta obra de Federico S.
Inclán, en la que se habla de la era romántica de los “respetables”
centros de reunión; la guera era culta y simpática. Participan Chantal Andere,
Carlos Benavides, Carlos Ignacio, Martha Ofelia Galindo, Gonzalo Correa, Julio
Vega, Arturo Lorca, Cecilia Romo, entre otros. En breve acudo.
EL BIEN SÓLO SE APRECIA CUANDO SE CONFRONTA CON EL MAL: MARQUÉS DE SADE
Por: Alejandro Laborie Elías
El Marqués de Sade, uno de esos personajes que siempre
están presentes en la mente de la mayoría de la gente, es famoso por su
crueldad, por su maldad y por sus ideas sobre el libertinaje, condiciones que
han provocado la admiración y envidia de mucho y la condena de otros tantos.
Sin embargo, frases como “el bien sólo se
aprecia cuando se confronta con el mal”, sirven de base para reflexionar sobre
diversos comportamientos del ser humano, que para los religiosos son pecados o
virtudes, para los legalistas delitos y para los sicólogos depravaciones.
Lo anterior viene a colación porque es el tema central de la puesta en
escena Justine y Juliette, basada en la narrativa del Marqués de Sade, adaptada y dirigida por Rodrigo Carrillo Tripp, actuaciones de
Alejandra Rodrigo, Marymar Ozuna y el propio Rodrigo Tripp, música en vivo con
Paulo Piña.
La trama gira en torno a dos hermanas que quedan huérfanas de padre y
madre, pasar de las bondades de la riqueza a la pobreza total. Una virtuosa, la
otra encaminada al libertinaje, diferencias de caracteres que las llevan a
tomar diversos caminos. Al paso de los años hay un reencuentro, cuando una está
a punto de ser ejecutada –la buena- y la otra –la mala- le salva la vida por la
posición social de su esposo.
En retrospectiva, cada una recuerda por lo que han pasado y en la eterna lucha
del bien y el mal, resulta que la que se ha apartado de lo honroso y ha llevado
su dignidad como persona y como mujer al inframundo ha tenido mejores
recompensas que la pía a quien sólo el dolor a acompañado permanentemente.
Esto invita a reflexionar –para bien o para mal, valga la paradoja- si los
infelices son aquellos que reprimen sus deseos y los que gozan la vida son los
sodomitas, los que disfrutan violando las normas morales, sociales y legales
que los llevan a creer que el asesinato no debería ser un delito siempre que
haya un motivo que los “justifique”.
Se cuestiona la bondad, el amor y la misericordia de Dios; se pone en
entredicho la autoridad moral de la Iglesia y sus ministros; sostener que el
“ideal” de los libertinos no es el amor sino el odio.
Se arremete contra todos los valores y
todo aquello que los represente. En las cofradías de los libertinos no se puede
demostrar compasión porque es sinónimo de debilidad y eso conlleva a ser
degradado – ¿más?- aún a costo de la propia vida.
La depravación sexual para unos o el disfrute carnal sin límites para
otros, la traición, el asesinato, convivir con el asesino de los familiares, el
incesto, los pederastas, el alcohol y todo lo que una mente trastornada pueda
concebir, se encuentra en este texto que es ejemplo químicamente puro de lo
escatológico en todo su esplendor.
El montaje de Rodrigo Carrillo Tripp es impecable, no en vano tardó dos
años desde que concibió la idea, adaptó y llevó a escena el texto. Un acierto
indiscutible es que, como un gran equilibrista, transita por la cuerda floja
que delimita lo artístico de lo vulgar. Las escenas son fuertes, violentas
física y psicológicamente, desnudos sin ningún tapujo, besos entre mujeres,
contacto real y directo de ellas con el pene del personaje masculino y, a pesar
de todo esto y reiterando, nunca cae en lo prosaico u ofensivo; todo es
abordado desde la estética más sutil que se pueda imaginar, de ahí su gran
acierto y la aceptación por parte del respetable.
Alejandra Rodrigo, Marymar Ozuna y Rodrigo Tripp, se compenetran con la
dirección, que opta por un trazo, ritmo y tono que da la impresión de una
propuesta que conjuga el teatro clásico español, la comedia del arte y lo
contemporáneo, para producir una escenificación sui géneris, atractiva, con
humor álgido y que captura al espectador durante dos horas a través de la
confusión de valores, la reflexión, el cuestionamiento y conclusiones que cada
uno pueda deducir de lo que más le llegue, perturbe o conmocione su ética y
escala de valores.
El equipo actoral destaca por muchas razones, entre otras por su lenguaje
corporal, manipulación de títeres, manejo de la voz, pantomima, desplazamiento
escénico y, sobre todo, por anteponer todo para alcanzar el resultado.
Justine y Juliette, texto que nos puede o no llevar a pensar que la filosofía ideal es la que
conduce a la felicidad, claro que depende lo que cada quien entienda por esto,
se presentó en el Foro Shakesperare de la Ciudad de México –sólo dos
funciones-, sin embargo ante la aceptación que tuvo –como sucedió en las
diferentes plazas de la República Mexicana donde ha sido representada- en el
mes de octubre llevará a cabo una temporada en el foro arriba mencionado.
Agosto 2010
LA TRISTE Y MORTAL REALIDAD DE NUESTRAS
INDOCUMENTADAS EN ARIZONA
Por: Alejandro Laborie Elías
La triste realidad de los indocumentados, la búsqueda
del sueño americano, de un trabajo y un salario dignos, es el tema que aborda
la obra Arizona, con la peculiaridad de que se centra en el caso de
las mujeres migrantes, a partir de un trabajo de investigación que consistió en
100 entrevistas sobre casos concretos, realizadas por Ana Ochoa O’Leary, quien
trabaja para una fundación estadounidense abocada a apoyar y ayudar a todos
estos seres que caen en la desventura de cruzar la frontera para vivir la
“pesadilla americana”
El
texto es de Kara Hartzler –abogada comprometida con la defensa y promoción de
los Derechos Humanos-, traducción de Eva Tessler y Andrés Volovsek y dirección
escénica de Rocío Belmont. El tema no es nuevo en el teatro, son múltiples los
dramaturgos que han tomado la situación y problemática de los migrantes como
punto de partida de sus obras, sin embargo en el caso concreto que nos
concierne, una de las características es que hay mucho humor, claro negro, y
como suele suceder en estos casos, la risa mitiga la tragedia para el
espectador y permite realizar un análisis consciente pero no frustrante para
quien paga un boleto.
Si
bien el origen del texto es un estudio antropológico específico, no por ello el
tema deja de ser universal, porque con las variantes del caso, son casi igual
las vejaciones, discriminaciones, violaciones y falta de respeto a la dignidad
y derechos humanos de quienes se ven obligados a dejar sus países de origen por
las razones que se quieran, en concreto cuando es por falta de trabajo o
situaciones económicas.
El
tema viene a colación en forma oportuna, justo cuando ha entrado en vigor una
ley por demás discriminatoria en el estado de Arizona –cabe aclarar que el
título original fue cambiado para la versión en México, suponemos para producir
un mejor efecto publicitario-, pero no se trata de un oportunismo sino de una
coincidencia, como suele suceder en muchas ocasiones, esto es, la concordancia
entre dramaturgia y realidad.
El
público se enfrentará a las penurias por las que pasan cuatro mujeres, tres
mexicanas y una guatemalteca, de diversos orígenes geográficos y socioeconómicos.
Una de Guadalajara, otra de la Ciudad de México, una más de Chiapas (indígena)
y la ya citada de Guatemala. Cabe aclarar, porque puede pasar desapercibido
para la mayoría, que una de ellas está muerta y es su espectro, su fantasma
quien narra su pesadilla.
En
realidad se trata, más allá de un texto, de un homenaje a las mujeres
migrantes, de cómo cuatro mujeres se enfrentan a su condición humana en
situaciones extremas; de cómo la realidad de tantos mexicanos y mexicanas es
más que falta de oportunidades, es la necesidad explotada ante las miradas
indiferentes de gobierno y sociedad, a tal grado de que no falta el estúpido de
sostenga que a los mexicanos no nos gusta trabajar, porque entonces la pregunta
obligada sería: ¿A qué van tantos connacionales a los Estados Unidos, si no es
a trabajar, a sabiendas de los riesgos y vejaciones de los que serán objetos?
La
dirección, a cargo de Rocío Belmont, se basa en un teatro minimalista,
intimista, de cámara, enfrentar a los actores con el público a la distancia
mínima, con el espacio vacío. Apoyada en una escenografía e iluminación de
Mónica Kubli, quien a partir de corcho recrea el desierto y vestuario de Lupita
Peckinpah.
Un excelente maquillaje del maestro Guizar
–desgraciadamente el programa de mano omite el crédito- que queda en la
frontera exacta de recrear la piel quemada por el sol y reseca por la falta de
agua, además de las contusiones propias de la aventura; lo
destacamos porque un poco más de maquillaje y se correría el riesgo
de convertir a los personajes en payasos, sobre todo por la cercanía con el
público.
Las
actuaciones corren a cargo de cuatro egresadas del Círculo Teatral, comandado
por Alberto Estrella y Víctor Carpinteiro: Olga Gottwald, Mikaela Lobos,
Adriana Reséndiz y Jennifer Moreno, quienes asumen cuatro versiones femeninas
en el desierto de Arizona, en forma que colinda con la narrativa por un lado y
por otro con el diálogo, excesivo movimiento corporal, todo inmerso en el
ámbito lúdico de cuentos o historias de origen indígena que le dan un toque
mágico al texto. Trabajos dignos, no pretenciosos y que convierten la actuación
en vitrinas de cuatro desgracias, unas con final trágico y otras no tanto.
Arizona una denuncia contra el racismo puro, gritos de quienes quieren
protestar ante los oídos sordos de autoridades y sociedad, se representa en el
Círculo Teatral de la Ciudad de México, los viernes a las 20:30, sábados 19:00
y domingos 18:00 horas.
Agosto 2010
Columna Teatrikando
5 Mujeres usando el mismo vestido, en el telón de Asfalto
Por BENJAMIN BERNAL
En el Telón de Asfalto vi esta obra de Alan Ball que se podría manejar en
varios tonos, optaron por dirigirla como pieza, con tintes de melodrama.
Frecuentemente vemos este tono en los filmes de simple entretenimiento
televisivos, normalmente trato de adivinar ¿cuáles son los temas más
importantes de esta obra? Y llegué a la conclusión que en este caso son las
preferencias sexuales diferentes, la libre elección de un chavo ó chava para
echar un free y cierta religión demoda. Así que traté de decidir que
actuaciones me habían gustado más y ni a cual irle, están en buen nivel las
chicas, quizá está por abajo el chavo que entra el final.
Dirige Raul Quintanilla, tal vez no sea su mejor trabajo, conozco su
potencial por largos años.
Paola Nuñez, Marimar Vega, Ceci Ponce, Erika de la Rosa y Griselda
Contreras se desviven por convencernos de que son muy “vividas”, estudiadas y
con ganas de pasarla bien en la boda de su amiga y pariente. Los secretos se
van revelando poco a poco. Reitera este montaje algunos de los patrones
aprendidos en las familias mexicanas, como hizo en la obra Entre Mujeres, obra
que inaugura la revelación de intimidades femeninas.
Extrañamos que al abrir y cerrar la puerta no se filtre la música que hay
abajo. Que bailen alguna rolita y entren comiendo, puesto que hay botana,
comida y pastel. Pero son detalles menores, el vestuario, escenografía,
aceptable. El hecho apabullante es que se divierte todo el público que va a ver
a las figuras de TV Azteca y por cierto lo vi de todas las edades, sale muy
contento.
Cumplió cinco años la escuela de comedia musical de Lalo Partida.
Felicidades. Lo celebraron con Los Miserables: ¡bravo¡ Los vimos en el ex
Cine las Torres, en Satélite, disfrutamos de excelentes voces, buen nivel
actoral, coreografías. Realmente me gustó el complicado trabajo de hacer y
mover escenografías complicadas sin la ayuda de carísimo equipo. No hay círculo
giratorio, mecánica teatral, el equipo de luces es menor, pero le sacan jugo a
morir. Me gustaron las actuaciones, la reproducción fiel de la obra que
nos fascinó en el Centro Telmex y vimos no menos de cinco veces, para disfrutar
las escenas tiernas y las humorísticas; el eje revolucionario sigue sepultado
por elromance de Cosette, paro eso es culpa del adaptador.
Todo el elenco original de Los Miserables fue a dar la patadita de inicio
en sus carreras a estos chavos, vaya un kick off.
Hay voces excelentes y actuaciones. La dirección de todos los aspectos: de
primer nivel.
Las Tandas del Centenario
Uno de los recuerdos más vívidos que tengo es Enrique Alonso Cachirulo
haciendo Chin Chun Chan, hace no tantos años. Ahora podemos ver las ironías de
Carlos Pascual para disfrutar que nuestro pueblo y políticos, ¡no cambian ni un
poco¡
Pilar Boliver se lleva la palma con sus cambios de personaje,pero
mejor no le cuento para que usted haga el favor de ir gozar de los
precios populares los jueves. Y si tiene credencial de ITI UNESCO pagará una
bicoca. Si tiene credencial de Insen, también.
Cada poco años cambiamos de presidente: Porfirio, Madero, Huerta, que
subian, bajaban, se daban a la fuga o se morían. Todo esto con un gran
estilo del autor, que entendió el tema: las tandas llevan un mínimo de trama
para que usted se divierta con la música, bailes y trajes de época. Hay mucho
respeto, pero también esta presente el humor negro de Elizondo y otros famosos
autores de principios del siglo XX.
Funcionan mejor las escenas con menos diálogos,en mi opinión, o bien faltó
ensayo.
Hicimos cálculos, no creo que haya espectadores que hayan visto las
verdaderas tandas, quizá haya muchos que vimos a Cachirulo hacer este género.
Muy buena la idea de romper esquemas para sugerir un momento con Michael Jackson.
¡Un viejo amooor¡
Es la mejor oportunidad para que usted y sus hijos conozcan a los Héroes,
los desmitifiquen y disfruten el teatro de tandas. Se presentan en el Teatro
Julio Castillo, conjunto cultural del Bosque, fines de semana, para celebrar el
Centenario y Bicentenario sin tanta formalidad.
Cómo envejecer con gracia, en el San Rafael
Norma Lazareno es la dama que sube a escena con Susana Alexander, logran
dar vida a personajes entrañables para mi; una mujer que quiere disfrutar sus
últimos años entre bromas y música alegre. Otra, que desea ser ordenada, ver
todo lo que le gusta y al final comparten su vida. Quizá usted vea mucho
matrimonios que discuten y pelean con vehemencia; parejas de ancianos de
cualquier sexo, distintos pero se complementan, hay algo extraño en todos
nosotros que rechaza la soledad. Muy bella pieza que nos habla de esa tercera
edad, llena de pequeños detalles que nos hacen felices; porque mucha de esa
alegría esta en pensarlo y planearlo.
No extrañé nada, las escenografías son excelentes, los desarrollos de ambas
señoras de la escena han quedado en mi memoria como magistrales; pensé que era
obra de pequeño formato, no es así, soporta muy bien el cambio a un escenario
gigante como es ese foro.
Ya le conté de más, pero debe usted saber que en el cómodo San Rafael verá
los fines de semana excelentes actuaciones y ternura a raudales. Es un platillo
que dejará profunda huella, vimos taquillas a reventar para las dos funciones
del sábado. Años después sedirá: ¡yo vi Cómo envejecer con gracia¡
Arizona
En el foro de Alberto Estrella vimos esta obra producto de la pluma de Ana
Ochoa O´leray (entrevistas reales), El texto es de Kara Hartzler
–abogada especialista en Derechos Humanos, traducen Eva Tessler y Andrés
Volovsek; gran dirección de Rocío Belmont.
El elenco: Olga Gottwald, Mikaela Lobos, Adriana Reséndiz y Jennifer
Moreno, gran trabajo de todas, temería ofender si señalara alguna como de más
poderosa actuación. Debo decir que la dramaturgia es
excelente, porque cumple la aspiración de muchos, escuchar cuentos
de nuestra tierra: sugerencias chamánicas, leyendas de ensueño y sentir que nos
tocan el alma. Cuatro mujeres toman camino para ir a un mítico Estados Unidos,
para cumplir su más caro deseo, trabajar. Parece crueldad mental lanzar a los
mexicanos a buscar chamba fuera, pero así es desde que yo me acuerdo,aunque se
incrementa cada dia.
Imagine usted los avatares que deben pasar y vencer, vacas que hacen
sonidos, luces de ciudad, carreteras que se deben evitar, hambre que perfora el
cinturón, desearían estar en casa, aceptar frijoles, pero ver a sus hijos. Es
cuando ni ellas saben que motivación les hace olvidar las ampollas de los pies.
Solidarias y peleoneras como es la raza latina.
Puede usted ver esta demostración de buen teatro en Veracruz 107, colonia
Condesa, los fines de semana, son damas egresadas de esa misma escuela, algunas
de ellas han recibido premio de APT.
Teatrikando
Por BENJAMIN BERNAL
Las heridas del viento, Otto Sirgo, dicen que la distancia es el olvido…
Es una obra de Juán Carlos Rubio, que explora en un tema de moda, ¿se puede ser heterosexual y homosexual al mismo tiempo? Sé que hago una pregunta un poco fuera de la lógica común, si es que la lógica existiera. ¿Nadie está medio embarazada, o es medio gay? hoy las cosas son distintas, hay píldora del dia siguiente y sicoanálisis fast track,si ya los políticos pueden promiscuamente unir izquierda y derecha. Usted debe ver esta obra que propone una ausencia de prejuicios para soñar, porque al manejarnos estrictamente en un lado de la “lógica humana” quizá estemos dañando a nuestra familia.
Otto Sirgo encabeza esta obra que se presentará los martes en el Polyforum
Siqueiros para demostrar que Sirgo es un actor completo, al lado de Mauricio
Mejía, Pablo Ruiz y Ricardo Franco, quienes alternan. Es una obra en
que la fina actuación de ambos nos permite penetrar en el alma humana <Otto
busca a José Antonio y grita. Insiste. Jose Antonio es un gato. Y además, ni
existe>
No, no le voy a contar la trama, pero sepa usted que el personaje central,
recto y excesivamente cuadrado, escribe cartas que un dia serán leídas por su
hijo. La trama es un melodrama cincuentero, con música (boleros) interpretados
por Lucho Gatica. Pero con un fondo totalmente distinto, acorde a la
mentalidad abierta de hoy dia, para disfrutar de un duelo actoral de antología.
Es innecesario decir que es de alto nivel y las actuaciones son manejadas
dentro del buen gusto y calidad que acostumbra Rubén Lara, su productor.
Cada quien debe tener su misterio, dice el personaje afeminado en tanto
abren las cartas del fallecido, asegura que confunde ” vivir con beber y beber
con vivir” Y sin duda, me comprometo con usted que el teatro sigue
siendo el psicoanálisis más barato que existe, porque juzgamos en el ojo del
otro las vivencias familiares que de otra manera pensamos nadie ve. No podría
decirle qué pasa en esa familia que ha formado dos hijos con todo pero sin
amor, el padre cree que con ser perfecto basta, con pagar lo que la familia
consume y la esposa demanda.
Es posible que el afeminado hombre, gracias a su buena suerte haya
encontrado una filosofía de vida más sensata. Pero no le cuento más
para que comparemos puntos de vista cuando usted la vea. Al final de la obra
fue Otto Sirgo a dar un beso a su esposa Maleni, para agradecer el
fuerte aplauso que le brindaba su público.
Ese hombre destrozó mi vida, grita el individuo vestido con ropa
que le ha prestado el Productor, finísima; bebe champán en una copa Versace, la
buena vida es parte esencial en esta relación, invita al joven: elige bien la
película que quieres ver el resto de tu vida; le advierte que no
desea explorar sobre sus preferencias sexuales, no, sin embargo es
un seductor de tiempo completo. Amar no es más que las ganas de amar,¿ puede
llenar su vida con tan sólo evocar el romanticismo de los boleros clásicos
cincuenteros? ¿Es posible morir impoluto como Mishima? Al estilo de las
historias que cuenta el cine de oro mexicano, en vez de ron, finas
sedas y tacones; veremos Armani y whisky barato. Acusa de malas ideas a los
curas, ellos son acosadores, no hay que confundirse. La dirección da frente a
la obra, le quita cierto mérito, obligado por la escenografía misma, de David
Antón, que coloca una estorbosa lámpara en el punto focal que es tradicional se
use al trazar perspectiva.
Ahí mismo, en los pasillos, me enteré que Ni Santa ni
golfa, obra de Martha Carillo que preparaban para estrenar en breve,
se retrasa. Su adaptador Mauricio Pichardo (autor de XXX XX, la que hizo famosa
Ari Telch) no quiso comentar más. Lleva a Paty Navidad como
estelar.
Teatrikando
Teatrikando
Agosto, en el San Rafael
*Nos recuerda a Tennese Williams, Eugene Oneil
y Arthur Miller
* Varias actuaciones para guardar en la
memoria
Por BENJAMIN BERNAL
Durante doce semanas, a partir de marzo, se puede ver
“Agosto”, producto teatral de Tracy
Letts, obra que reúne a un gran elenco, entre los que se encuentran Lilia
Aragón, Blanca Guerra, Oscar Bonfligio, Arsenio Campos, Raymundo Capetillo,
Paco de la O, Alma Escudero, Raquel Garza, Verónica Jaspeado, Flavio Medina,
Juan Navarro, María Reneé Prudencio y Sherlyn. Déjenme platicarles que vimos
actuaciones de primer nivel en este conjunto actoral. Se les puede clasificar como de antología a
Lilia Aragón, Sherlyn, Blanca Guerra, Paco de la O y Raquel Garza brillan de
manera especial.
Casi todos tenemos una familia así, claro
usted no, pero yo si, una mujer mayor que dice frasecitas con veneno, a veces con
intención, a veces sin ella, pero de que duelen, duelen. El timing,
ritmo escénico lo es todo para lograr el efecto. Blanca Guerra es la hija que ocupa una gran
casa, en que vemos el exterior a la
derecha, a la izquierda el comedor, hay una escalera ascendente, vemos pasillos
interiores, la cocina. Dura casi tres horas, por cierto.
Existe un tema a lo largo de las acciones,
Arsenio Campos aparece unos minutos,
pero será el motivo de las reuniones posteriores, en ellas veremos brillar los
secretos amores y odios que dan la textura
particular de esa familia. Raquel Garza va con su esposo Raymundo Capetillo. Oscar
Bonfiglio será el cónyuge de Blanca Guerra; su hija es Sherlyn que tendrá
cierto momento de intimidad con Paco de la O. Hay un secreto, que no les
revelaré por si usted acude a verla.
Hay alcoholismo en varios de sus integrantes,
adicciones a los medicamentos de todo tipo, temas asociados al consumismo y las
falsas presiones de esta sociedad enfocada al éxito (¿?) palabra que tiene
significados de pacotilla y somete al más pintado.
Alma Escudero interpreta a una ayudante
doméstica, desconozco la obra, si ella es piel roja o latina, pero en esta
versión es de las etnias originales de Norteamérica; ella tiene un rol
destacado en la trama, porque goza de solidez en su personalidad sin rencores
de ningún tipo. El señalamiento y marginación esta en los otros.
Es una obra densa, con humor agradable y
negro, al estilo de Tennese Williams o Eugene Oneil, fundadores del teatro
norteamericano, que hasta lallegada de ellos era inexistente, vivían haciendo a
todos los europeos. Igual que en México,
hasta Usigli sólo escenificaba a los hispanos, ingleses, franceses, ítalos.
Bueno,pues Tracy Letts, nacido en 1965, logra darnos la impresión de que ha
revivido Williams, con el racismo latente, amargura y sexualidad que clama satisfacción.
Es fuerte intentar una frase que condense la atmósfera: esta familia –sociedad-desprecia
al alcohólico, al drogadicto y al indio. Cada uno tiene su valor y su
explicación, piense usted si usa estos prejuicios.
Esa
escenografía un poco impráctica es de Laura Rode, hay quien la considera
magnífica, pienso que con algo sencillo y eficiente hubiera bastado. El
vestuario es de ella misma, aceptable. Dirige Jaime Matarredona, quien como
siempre logra un buen trabajo y hace creíbles a todos y cada uno. Ojalá la
gente acuda a granel porque disfrutará un gran montaje.
SUSANA Alexander no sólo comparte el escenario con Norma Lazareno, sino
también la dirige en "Cómo envejecer con Gracia", cuyo estreno fue
anoche (julio de 2010) en el
Teatro San Rafael
Teatro San Rafael
Mario de la Reguera
POR ningún motivo podíamos perdernos el estreno de la reposición de “Cómo envejecer con Gracia”, en el Teatro San Rafael, el cual, pese a su inmensidad, lució lleno total, para beneplácito de los productores Juan Torres y Guillermo Wiechers, cuyas permanentes sonrisas también se debieron a que dicha comedia debutó con el pie derecho en la taquilla cosechada en las tres funciones del pasado fin de semana.
(No es la primera vez que ambos productores presentan una obra en
dicho foro, pues, si mal nos recordamos, años atrás lo hicieron montando el
musical “Regina”, protagonizado por Lucero)
En esta nueva temporada se le rinde homenaje a la finada actriz Blanca
Sánchez, quien dio vida al personaje que ahora interpreta Norma Lazareno, al
lado de esa estupenda actriz que es Susana Alexander, quien también la dirige.
Cuando nos percatamos de la prolongada fila que teníamos que hacer para
pedir los boletos, nos acercamos a una de las taquillas para pedirle a Ella
Laboriel que por ahí recogiera los nuestros. Con la hermana consentida de
Johnny, arribó Carmen Vicarte, una de las modelos más esplendorosas de la
década de los setenta y que sigue tan bella y encantadora como la época en que
sólo su chicharrón tronaba en el mundo de la pasarela y los comerciales
televisados.
Aunque nada tienen qué ver, la primerísima actriz Margarita Sanz estuvo
coco a codo con la legendaria vedette Lyn May; mientras que Claudia Islas -¡que
le arreglen ese pelo!- lo mismo intercambiaba “smacks” con Pilar Pellicer que
con Xavier Marc.
Divisamos a Manolo Sánchez Navarro, no así a mamá Fela (Fábregas), como
tampoco a ninguno de los invitados habitués -Patricia Morán, Alejandro Gertz
Manero, las hermanas Ayub (Gloria y la Beba), Kena Moreno, Joe
Fletcher, Gloria Leal de Beteta, etcétera) de la dueña y señora del
Centro Teatral Manolo Fábregas.
No nos quedamos con ganas de felicitar a Rosangela Balbó, por su flamante
presidencia en la Estancia Infantil de la ANDA, donde tendrá a Martha Zamora y
Diana Trillo entr
e sus más cercanas colaboradoras. Por cierto, nos llamó la atención que Guillermo Zarur no llegara con ninguna de ellas. A Maricruz Nájera la felicitamos por otros motivos: los constantes éxitos histriónicos de sus hijos Odiseo, Demian y Bruno Bichir, sin olvidarnos los de su nieto. A propósito, Demian es el protagonista de la película mexicana más esperada durante nuestro mes más patrio: “Hidalgo, la historia jamás contada”, donde comparte créditos con nuestra sobrina Ana de la Reguera y con la actriz tampiqueña Cecilia Suárez.
e sus más cercanas colaboradoras. Por cierto, nos llamó la atención que Guillermo Zarur no llegara con ninguna de ellas. A Maricruz Nájera la felicitamos por otros motivos: los constantes éxitos histriónicos de sus hijos Odiseo, Demian y Bruno Bichir, sin olvidarnos los de su nieto. A propósito, Demian es el protagonista de la película mexicana más esperada durante nuestro mes más patrio: “Hidalgo, la historia jamás contada”, donde comparte créditos con nuestra sobrina Ana de la Reguera y con la actriz tampiqueña Cecilia Suárez.
Más nombres: Aída Pierce, Miguel Palmer (su hija Valeria no se quedó con
ganas de saludarlo, como tampoco la mamá de ésta), Maricarmen
Resendez, Carlos Ignacio, Gabriela Goldsmith, Fred Roldán, Sara Montes,
Pablo Ferrel, Yolanda Ciani, Araht de la Torre (papá), Carla Estrada, Rogelio
Guerra, Vanessa Bauche, Fernando Vigoritto, Martha Julia, Manolo Bernal y
Rosita Pelayo.
El momento más emotivo de la noche fue cuando los anfitriones (los ya
mencionados Juan y Guillermo) presentaron al papá de la homenajeada, don Luis
Sánchez Silva, así como a su hija, Valerie Schleosser Sánchez, quien lloró con
la misma fuerza que las Cataratas del Niágara, sobre todo, cuando la
Lazareno dijo: "Estoy segura que Blanca, donde esté, debe estar contenta y
tomada de la mano de mi hija Paulina".
¿Qué nos pareció la escenificación?: MARAVILLOSA -así con mayúscula- y con
dos interpretaciones fuera de serie: Susana, como Naty; Norma, como Gracia.
Prueba de lo anterior, las calurosas ovaciones que el público les brindó de
pie.
No dejen de ver “Cómo envejecer con Gracia”, una obra de Mayo Simon, con
todos los ingredientes para pasar dos horas fuera de serie.
Por hoy, es todo.
UN LUGAR ENTRE
LAS NUBES
Eugenia Galeano
Inclán, 15 de julio de
2010
Para inducir a
sus hijos en el gusto por el teatro, los padres deben tener mucho cuidado
afición o un
rechazo. El teatro para niños ha ido evolucionando a través de los tiempos y
afortunadamente
cada vez hay más y mejores opciones. Sin embargo, aún quedan algunas
compañías que
anuncian como teatro infantil espectáculos realizados al ‘ahí se va’, con
textos
primitivos o pésimas adaptaciones de cuentos tradicionales, y con vestuarios de
lo-
que-encontré-por-ahí,
sin tomar en cuenta la inteligencia natural de los niños, su perspicacia
ni la gran
noción tecnológica que tienen ahora –casi desde su nacimiento– por el uso
cotidiano de
aparatos que nosotros ni nos imaginábamos que existirían. Para dar idea de
lo que puede
ocurrir, sabemos de una mujer que ilusionada llevó a su pequeño hijo a ver
una versión de
“Hansel y Gretel”, en donde la bruja era un tosco hombre travestido, con
maquillaje
exagerado y atuendo estrafalario. Fue tan impactante el susto que se llevó el
niño que hasta
la fecha –unos quince años después– todavía se resiste a acudir al teatro.
Grupo55 Teatro
es una compañía integrada por profesionales especializados en teatro
lúdico para
adultos, niños y jóvenes. Desde su creación en el año de 1987
ha desarrollado
un intenso trabajo creativo en el área artística, en la pedagógica y en la
creación de
materiales didácticos lo que lo ha convertido en un referente ineludible de las
artes escénicas
para niños y jóvenes en el país. Durante el período comprendido entre 1993
y 2004 la recién
desaparecida Perla Szuchmacher fungió como codirectora de Grupo55,
en donde realizó
tareas de dirección, dramaturgia, entrenamiento corporal de actores,
coreografía y
capacitación. Para muestra basta un botón, así que sólo mencionaremos dos
de los montajes
más memorables y representativos de Grupo55 Teatro: “Malas Palabras”
y “Hombrecito”.
A fin de
conmemorar su vigésimo aniversario, Grupo55 Teatro decidió llevar a escena una
obra especial,
para lo cual solicitó la colaboración de la compañía británica Quicksilver
Theatre, cuyo
lema es: “Historias Grandes Personas Chicas”. En el campo del teatro
infantil, la
compañía Quicksilver Theatre ha logrado mantenerse en la cúspide durante
más de treinta
años gracias a la calidad de sus espectáculos. Siempre han considerado que
el teatro
infantil antes que nada tiene que ser buen teatro. Para los montajes, sus
puntos
básicos son:
pensar en los niños desde el corazón mismo del proceso creativo, proyectando
atraer tanto su
intelecto como sus emociones; abarcar todas las formas de arte, y plasmar en
escena la fuerza
energética de cada lugar donde se presentan.
Carey English y
Guy Holland del Quicksilver Theatre son los autores de “Un lugar entre
las nubes”. Con
una trayectoria de más de 25 años creando obras para público infantil,
comentan que les
tomó dos años de investigación en Inglaterra e Italia escribir esta obra.
Al darse la
tercera llamada de “Un lugar entre las Nubes”, veremos a dos repartidores
que llegan a
entregar una caja, el lugar de destino es precisamente el teatro en donde
estamos. ¿Qué
contiene la caja? Un equipo de “Cuéntelo usted mismo”. La sencillez de los
repartidores nos
permite ver que son distintos en costumbres y educación, uno es ordenado,
mientras que la
otra es despreocupada. Tendrán que conciliar sus diferencias para poder
utilizar el
equipo que trajeron. El relato que nos ofrecen es acerca de una princesa que
está
deseosa de
encontrar a su abuelo, quien se encuentra en la etapa final de su vida.
A lo largo del
relato van utilizando todos y cada uno de los elementos contenidos en la
caja
(cartulinas, crayolas, ganchos para ropa, cajas de diferentes tamaños, pliegos
de
papel y telas en
texturas y colores diversos) para crear personajes, paisajes o situaciones,
estimulando la
imaginación de los pequeños para que en casa traten de inventar una
historia y
jueguen con lo que tengan a mano. Paralelamente, se van manejando diversos
sentimientos. La
inquietud de la princesa por encontrar a su abuelo la hace superar el
miedo a lo
desconocido para ir en su búsqueda. La importancia del amor familiar. Lo
mucho que nos
dejan los mayores en cuanto a conocimientos y cariño. El inminente adiós
del abuelo,
quien apaciblemente dará a entender que parte hacia un lugar mágico entre
nubes y
estrellas. Con esto, se pretende que los chicos comprendan mejor las relaciones
humanas y estén
más preparados para cuando tengan que lidiar con alguna ausencia.
La forma tan
lúdica y dinámica en que se representa el estructurado texto, bajo la atinada
dirección de Guy
Holland, con la asistencia de Carlos Ceja, y el buen desempeño actoral
por parte de los
polifacéticos Angélica Rogel y Tizoc Arroyo, aparte del carisma personal
que despliegan
en escena, logran que los niños participen activamente durante la función,
interactuando en
forma constante. La música es original y fue creada por el autor inglés
Rob Lee.
Angélica y Tizoc alternan funciones con Lourdes Echevarría y Noé Alvarado.
Recomendamos
ampliamente “Un Lugar entre las Nubes”. Téngala en cuenta como
una excelente
opción para sus hijos en esta época de vacaciones. El teatro es cultura
y aprendizaje.
Después de la función, le sugerimos intercambiar opiniones con sus
acompañantes
para que cada quien tenga oportunidad de expresar lo que piensa y lo que le
Un Lugar entre
las Nubes se presenta:
Sábados y
Domingos a la una de la tarde, en el Teatro Sergio Magaña
La temporada
inició el sábado 3 de julio y concluye el domingo
Teatrikando
El Principito, 1943-2010
Por BENJAMINBERNAL
En esta obra hay un pequeño elenco, Eden
Pintos (El show de terror de Rocky), Lorena Villegas, Victor Leon y Ioné
Cervantes, con dramaturgia del mismo Ione y dirección de Sergio Cuéllar. Es un
teatro cómodo para llegar en autobús, metrobus
o en auto. Se encuentra en la esquina de las avenidas Revolución y
Jalisco, donde antes fue un cine. Si no busca usted las comodidades y lujos de
otros teatros, este es el lugar adecuado. Ya fui una función de adultos y otra
de niños, en las dos me sentí a gusto. Es un montaje casi profesional.
Quizá los trajes y caracterizaciones necesiten
una revisión, las giras internacionales que van a realizar lo ameritan. Son
clásicos el Rico, el Rey, la vanidosa, elementos para que se comunique el
complejo texto de Saint Exupery, en mi lejana juventud se creyó que era un
libro para niños, pero creo que no; más bien es una inteligente crítica a los
padres. Siempre queremos tener la razón, al ver teatro para chavitos juzgo por
sus rostros y la dificultad que tienen los padres en tenerlos quietos. En este
caso, veo que los papas por momentos les tienen que llamar la atención para que
se callen. Eso se modifica en algunos momentos, como cuando aparece un
personaje que parece payaso, es reconocible y le prestan atención, esperan ver
qué tiene que hacer para entretenerlos.
Me gustó la reacción cuando está al frente el
bebedor, ese que dice “bebo por la verguenza”¿de qué? “Pues la verguenza que me
da beber” Es un momento menos abstracto que otros, donde los conceptos tienden
más a impactar el público de mayor edad. En esta época todos los espectáculos
tienden a la música fuerte, colores chillantes y rápida sucesión de diálogos
con conceptos de uso cotidiano. Claro, si fuera cotidiano ver en la calle
robots, vampiros y pájaros que persigue un zorro tonto.
“No hay
que entender a las flores, sólo admirarlas” es una buena referencia a conceptos
que después se generalizarían, a fin de cuentas es de 1943, que no me digan que
es concepto universal, porque en nombre de esta frase se siguen cometiendo
errores garrafales como escenificar la Bella Durmiente en una época donde las
madres visten a las niñas de nueve años como adolescentes. Y los mercadólogos
aprovechan esa anticipación para venderles de todo. El Farolero tiene un buen momento al apagar y
encender, quizá le ayudaría coordinarlo con la cabina.
Es un segmento que generalmente logra el
interés del público, obras infantiles que atraen a la gente, los grandes
corporativos atienden a los niños sólo con precios de primer mundo, es una
actividad que por eso tiene jalón en un foro céntrico donde se pueda llegar
cómodamente. Es cierto que el mensaje de El Principito es atractivo a los
padres y abuelos, en tanto los medios masivos le apoyen,dando espacio para que
vuelva a ser un personaje tan famoso como los Transformers.
Organizan en este foro algo como el grupo
Ocesa,un club de amigos del teatro para tenerles informados de los estrenos y
ofertas, ya que un alto porcentaje de padres, hijos grandes y pequeños checan
sus correos constantemente, es buena idea para crear otro tipo de redes que
antes se comunicaban por medio de la charla. Es el más poderoso medio de
difusión, cuando alguien dice “véala, mis niños salieron contentos“ Eso es lo
que vale.
Teatrikando
Penealogías
Por BENJAMIN BERNAL
En un bello recinto, el Teatro Hipódromo Condesa vimos Penealogías, tiene
buenos actores, Juan Velazquez, Daniel Aguila y Juan Antonio Gomez dan una
conferencia sobre la sexualidad y genitalidad, para que nos divirtamos
enormidades. Vestidos con smoking y tenis,como les vimos a los Beatles, durante
más de dos horas nos hacen disfrutar una noche de lujo. Así nos vamos enterando
de las tradiciones bíblicas, sexología, dichos populares y de ocurrencias para
que salgamos más cultos y divertidos después de una semana de
trabajo, bien rematada por una sesión en que había mujeres y
hombres de todas las edades, se divirtieron mucho.
Usan bromas gastadas como invitar a la calma ”Dalai”, aseguran
que “Tocaremos algo que nos sobrecoge a todos. Se quiso suavizar el
tema llamándole Penélope, tilín, pipi, ¿qué tiene de malo decir Pene? En la
calle se le dice el cabezón, la corneta, la sin hueso, minotauro,
no ve y tiene ojito, no es analgésico pero quita el dolor, sin
pertenecer a ningún club le llaman miembro, todo un caballero se para que te
sientes” Vaya, sigue un método parecido a Monólogos de la Vagina, a pesar de
que fingen leer, todo esta memorizado.
¿Cuántas veces pensó usted en el las recientes 24 horas? No lo niegue,
dígalo, acomodando, rascando, viendo a una chica. La porra, dame una P. Dame
una E. Dame una P. Dame una E. ¿Qué dice? Se siente mejor ¿después detener esa
palabra en la boca? ¿En las mañanas no se ve especialmente inquietito? Al pasar
por los puestos de periódicos nos obliga a ver las portadas de revistas con
encueradas. Se discute en los programas de
radio y TV si “ellas” les ven el paquete. No, no se toma el biagra
como si fueran Halls. En realidad todo el tiempo es para planear el
viernes, llamamos a la novia, a la esposa, vamos a ver un show, a
tomar una copa y a darle gusto al…
¿Para qué se inventaron las copas? Para perder el miedo a seducir. ¿Y
ellas? Para perder el miedo a ser
seducidas. Alguien ha jugado competencias para ver quién tiene más… Acerca de
la medida (talla) mundial informan que 13 a 18 cms. 23 es extraordinario. 12.5
se va a examen extraordinario. El fenomenal y extraño caso de 45
cms. El público rie a carcajadas y los comediantes se los cotorrean.
Mencionan a los dioses que usan esta símbolo: Shiva, Osisris, Dionisos,
Priapo, también de brujería: pasarse un huevo por todo el cuerpo
para el mal de ojo (si yo se que parece imposible) ¿Por qué será que
las mujeres lo conocen más? Corren ciertas
leyendas populares sobre él, se dice que el
pie indica su tamaño, la nariz el color, así que se enamoró del
payaso. No hay estéticas que hagan Penicure. No no existe el
medicamento que se llama p*t* bismol.
Un porno escritor hizo un prepucio, pucio y postpucio. Existe
una chamarrita de prepucios, claro, el calor y frio lo haría incómoda. Es
divertido el segmento que habla de las reacciones, si ella es asmática,
religiosa, torera, matemática, positiva, las asesinas seriales (si
se sale te…)¿ Y el piercing? Se habla de la
etimología de la palabra Fuck (siglas de la autorización del rey
pa`ponerle Jorge al niño)
Chistes gastados también hay: ¿en que se parecen las mujeres a los
mosquitos? Que se levantan, frotan los ojitos y ¡a
molestar¡ Una encuesta dice que es como que las wiskas, todas las gatas lo
prefieren. Si sospechas que traigo aquí… (oh, así canta
Cri Cri) Termina el show con una poesía para relajar el relajo creado y All you
need is love. Recomendable, en la esquina de Ave. Revolución y
Jalisco.
UNA
TRAGEDIA CONVERTIDA EN POESÍA EN
MEDEA
DEL OLIMAR
Por: Alejandro Laborie Elías
A partir de un hecho real, una mujer de 33
años de edad que asesinó a su hijita en una provincia de Uruguay, la dramaturga
Mariana Percovich transformó una tragedia en un poema dramatúrgico que lleva
por título Medea del Olimar, en el marco inaugural de Teatro a una sola voz,
Festival de Monólogos 2010.
Con diez ediciones anteriores, este festival se ha consolidado y este
año contará con ocho ciudades de la República Mexicana como sedes, lo cual lo
convierte en la mayor vitrina de esta modalidad, que como ya se ha mencionado
en varias ocasiones es un verdadero reto para quien incursiona en ella porque
deja a un solo actor o actriz frente al
público, desnudo con todas sus virtudes y carencias. No se puede olvidar que muchos sostienen que el monólogo no es
teatro, sólo un ejercicio escénico.
Mariana pertenece a la generación que surgió en la década de los 90, en
su natal Uruguay. Ella es una directora que no encontraba textos acordes a lo
que ella quería transmitir, ni por el tipo de lenguaje y formas que estaban en
boga en esa época en su país. Por ello decidió escribir sus propios textos y
así pasó a formar parte de un grupo de autores-directores.
Ella no pasa por alto que una dramaturga
cuando dirige su propia obra, puede y debe traicionarse si las circunstancias
del montaje así lo indican, esto es, no se tiene porque respetar el texto
original, aún cuando considera que desde el mismo momento en que está
escribiendo va imaginando el montaje, al menos en sus aspectos básicos. Acepta
que una puesta en escena se enriquece con lo que ella denomina “dramaturgia del
actor”.
Medea del Olimar, evoca a esa mujer que la
tragedia griega inmortalizó y hay una empatía entre el personaje real que
inspiró a Mariana y la trama universalmente conocida. Por otra parte, Olimar es
un río uruguayo, sin embargo la palabra forma parte de la letra de varias
canciones y cuando no se emplea para referirse al río, adquiere un significado
relativo a la provincia, al medio rural y pueblerino.
La presentación en la Ciudad de México fue
bien acogida, aún cuando algunos mostraron cierta confusión, porque más que un
montaje lo visto está más cercano a una lectura dramatizada. De hecho la
“escenografía” estuvo integrada por tres atriles y un banquito y salvo ciertos
fragmentos, la actriz Bertha Rosa Moreno Nieves leyó todo el texto.
Desde la perspectiva de Mariana la idea es que
Bertha nunca se aprenda de memoria el texto, lo que permitirá una cierta
improvisación y que la anécdota vaya evolucionando a medida que transcurran sus
presentaciones.
Bertha tiene poco desplazamiento escénico, lo
loable de su trabajo es el manejo de voz, porque con este valioso instrumento
logra que cada palabra, cada idea, cada metáfora penetre en lo más sensible del
espectador; no se trata de una obra que se limite a narrar un hecho de la nota
roja y llevarlo al tablado, simplemente toma el acontecimiento y, como ya se
mencionó, lo transforma en un poema dramatúrgico.
Al término de la función, no se sabe por qué
esa mujer asesinó a su hijita, tampoco importa, sólo sabemos que el destino
final de aquella fue el manicomio, que libró el linchamiento y que no tuvo la
compasión de nadie, ni de su propio abogado defensor.
Mariana se vale del multimedia para ilustrar
algunas ideas e inclusive hay imágenes que se valen de la metáfora para
ilustrar conceptos, como siete muñecos en una cama, que a la postre se traducen
como el hacinamiento en el que viven muchas personas pobres de nuestra América
Latina.
Medea del Olimar es un gran ejemplo de cómo la
realidad enriquece al teatro y éste puede convertir la acción más degradante de
la sociedad en un texto sublime, en un canto colmado de belleza, el arte en su
máxima expresión.
Julio 2010
LOS
BATRACIOS NADAN Y BRINCAN EN EL ESCENARIO Y CUENTAN SU
MILENARIA MITOLOGÍA
Por:
Alejandro Laborie Elías
Cuando
escuchamos la palabra batracios, mentalmente nos formamos la imagen de las
ranas y de los sapos. Los segundos producen, normalmente, terror, al menos
asco, a la mayoría de los seres humanos y las primeras una cierta curiosidad.
Lo único cierto es que desconocemos sus características, formas de vida y su
historia.
El teatro es el medio idóneo para contar historias y Mauricio Eugenio
Galaz, a partir de su fascinación por esos enigmáticos seres, decidió llevar a
escena la mitología que rodea su devenir. Claro, todo es producto de la
imaginación y cada quien es libre de asumirla o no, de creerla o no, de
contarla o no, pero al menos tendrá más información sobre esta parte del Reino
Animal.
La obra se intitula Batracio y acontece en
la nación de los seres anfibios. Un joven, Ranita San Antonio, emprende un
largo viaje por los diferentes lugares donde habitan las múltiples especies
emparentadas con él. Durante el trayecto descubre que hay algunos que no pueden
salir de los estanques: los ajolotes. Trata de averiguar el por qué en ellos no
se logra la metamorfosis y en su búsqueda encontrará una serie de personajes y
conocerá una serie de leyendas, que a la postre será la mitología que el espectador
se lleve del teatro.
En un primer momento la dramaturgia de Mauricio Eugenio es discutible.
Inicia a partir de un teatro didáctico, interesante pero aburrido; la trama
tarda en cuajar y el texto es plano, monorrítmico y sin un hilo conductor
coherente; algunos toques de humor y una clase, apoyada en multimedia para que
quede claro el contenido del tema. En esta primera parte, por decirlo así, es
el trabajo corporal y el vestuario de los actores los que mantienen un cierto
interés en la propuesta.
La proyección del fondo del escenario simula el estanque donde los
batracios existen y una estructura tubular permite imaginar cuando están en el
agua o sobre la superficie. Los movimientos corporales de los actores suponen
su desplazamiento acuífero o los brincos terrestres.
Para fortuna de los espectadores el texto cobra interés a medida que
transcurre, sin llegar a ser algo extraordinario, pero al menos atractivo por
unos minutos. Tal vez quede en la memoria por la singularidad de los
protagonistas y un cierto ingenio en el tejido de la mitología.
Como ya se esbozo, la escenografía está compuesta por una estructura
tubular, muy bien aprovechada por cierto, y un par de peceras, que a la postre
no tienen mayor relevancia, además del apoyo del multimedia y efectos sonoros.
La iluminación pésima.
Lo que vale la pena destacar es el trabajo de los actores-bailarines,
quienes hacen gala de una habilidad digna de todo reconocimiento. El esfuerzo
físico que les exige el director –responsabilidad que recae en el propio
Mauricio Eugenio- los pone en serios riesgos durante todo el desarrollo de la
puesta. Más que actores, en realidad se trata de cirqueros, acróbatas, atletas
que se entregan al máximo en el escenario.
Los movimientos corporales alcanzan el
grado de coreografía en determinados momentos. Así como se puede alabar su
destreza corporal, cuando dejan de brincar y desplazarse por el tubular, esto
es, cuando dicen sus parlamentos quietos, de la admiración pasan al desastre:
voces planas, sin ritmo ni entonación, además las palabras se ahogan por el
mismo esfuerzo requerido.
Ricardo de los Cobos, Enrique Alguibay y el propio Mauricio Eugenio
Galaz, son los tres intrépidos que dan vida a los diferentes representantes de
los anfibios. Un texto difícil de montar con hombres –o mujeres- que no reúnan
determinadas aptitudes corpóreas, al menos que se haga una propuesta diferente,
lo cual se ve difícil porque el atractivo del presente montaje se centra en el
teatro físico y en la acrobacia.
Claro, como buen amante de los animales y, suponemos de la naturaleza,
el final se enmarca en el romanticismo de los que están preocupados por el
deterioro ecológico y, nuevamente, el multimedia sirve para ilustrar el triste
final de algunas especies.
Batracio, se representa en el Foro Shakespeare, de la Ciudad de México,
los martes a las 20:30 horas, hasta el 28 de septiembre.
Julio
2010
ENDGAME O LA NO PERTENENCIA
Por Perla Schwartz
El subsuelo, una cloaca, el espacio o tal vez el inframundo es el
espacio donde conviven Ham y Clov, ellos son como dos hermanos
siameses, son codependientes, el uno de otro; se aman y se odian, se
necesitan, pero serían felices de vivir el uno sin el otro.
Ham permanece sentado, enceguecido, oculto bajo unas gafas
oscuras. Clov deambula, parado en unos zancos, camina a brincos
para ocultar su inseguridad. Ellos son los personajes centrales
de “Endgame”, espectáculo basado en “Fin de partida” de Samue
Beckett (1906- 1989), con una traducción de Claudio Obregón y
con una concepción escénica, del siempre propositivo Abraham
Oceransky, director y responsable de la sórdida escenografía.
Es el 11º estreno de la Compañía Nacional de Teatro. “Endgame”
presenta un universo fragmentado y caótico, donde lo cotidiano
obedece a una serie de reglas preestablecidas, los ritos son
reiterativos hasta el cansancio, y es imposible escapar de un laberinto
donde todo hecho es concéntrico y carente de sustancia.
Nadie escapa a la fatalidad de su destino, y a la creciente destrucción
de la humanidad. La no pertenencia, el desarraigo, el tormento por
sobrevivir a través de dosis mínimas de afecto son el leif motiv de un
texto contundente, tan actual, que cuando emergió de la pluma de
Beckett en 1957.
Ham es interpretado por un solvente y mesurado Claudio Obregón,
en un personaje que se erige como un caprichoso dictador tirano del
otro, él busca ser obedecido hasta en el más mínimo de sus caprichos,
por un sumiso Clov, caracterizado por Diego Jáuregui en una de sus
interpretaciones más destacadas. Él sabe imprimir la más diversa
gama de matices a un Clov que pasa de la exaltación a la tristeza
más profunda.
Entre Ham y Clov se establece ese juego entre víctima y victimario.
Oceransky sabe jugar con un absurdo que oscila entre el raciocinio y
la incertidumbre. Crea un ámbito asfixiante, donde la desolación se
impone a un mínimo hálito de esperanza.
También participan con breves roles: Gabriela Núñez, alternan
Octavio Michel y Luis Lesher, e interviene David Lynn, como la
sombra. “Endgame”, que inició temporada el 28 de junio para
culminarla el próximo 1 de agosto es un retrato agudo de cómo el ser
humano es reiterativo hasta el cansancio y que si bien la existencia
humana puede tener algunos momentos estelares, el resto es una
caída sin retorno a la desazón y el absurdo.
“Endgame” se presenta martes y miércoles a las 20 horas en el
Teatro Benito Juárez , y sábados y domingos a las 12 horas en la sede
de la Compañía Nacional de Teatro.
Egmont
Magnífica Julieta Egurrola y sólido Roberto
Soto
Por BENJAMIN BERNAL
Forma parte de la celebración por el
Centenario y el Bicentenario, mostrando con un drama monumental lo que debería
ser una lección para todos los gobernantes del mundo: las desigualdades deben
ser atendidas de inmediato. El teatro se convierte así en vehículo que
denuncia, imagine usted que la anécdota sigue vigente hoy que han pasado
doscientos treinta y seis años. Todo esto que le digo es para explicar a usted
que Juan Villoro hace la versión adecuando el lenguaje a la actualidad, aunque
se extraña un poco más de la voz del poeta, no quita un ápice del texto sino lo
hace agradable al aficionado común. El tiene en su haber varios libros, entre
ellos con tema futbolero (Dios es
redondo) y recientemente uno que habla del narcotráfico (La alfombra roja)
El director de escena es Mauricio García
Lozano, quien logra un trabajo deslumbrante para mostrar los ideales del autor,
que mueven a reflexionar sobre los festejos que se dan en medio de un México
que sufre por demasiadas calamidades, eso mejor ni se lo platico, pues
seguramente como yo, está harto de las páginas rojas.
Los actores son de primer orden como usted
puede imaginar: Julieta Egurrola, Marco Antonio García, Erika de la Llave,
Rodrigo Vazquez, Teresa Rábago, Roberto Soto, Luis Rábago, entre otros, pues el
elenco es amplísimo. Se ubica la acción en Bruselas después de que estuvo
dominado por los españoles, hay una historia de amor incumplido y por supuesto
un suicidio, muy al estilo de la época romántica.
Las instalaciones mecánicas y el equipo
computarizado del Teatro de las Artes permitieron lucir la escenografía magnífica de Fernando
Féres, bajo las órdenes de Jorge Ballina, taludes que son túneles o recintos,
grandes telas que decoran, se parten y simbolizan la unidad desarticulada,
paredes de madera se levantan para que sea su prisión. Así logran un ágil
avance a esta obra que excede las dos horas, pero es aceptable por las buenas
actuaciones y el tema candente que fue el motivo de plática en el coctel: ¿ya
la vieron los gobernantes?
El amor que no se llega a ver plenamente
satisfecho y las nocivas órdenes que vienen de España logran hacer de éste
drama una pieza interesante que deben ver chicos y grandes, ya que poco se
representa a Goethe, la última vez que le vi, hace veinticinco años, fue a
través de su obra Clavijo, dirigía HéctorAzar -creo recordar-
Centro Nacional de las Artes, Tlalpan y Rio
Churubusco, se podrá ver hasta el 1de agosto.
ODISEA ARTÍSTICA DEL GÉNESIS AL APOCALIPSIS EN TRANSVERSALES 2010
Por: Alejandro Laborie Elías
A partir de las narraciones bíblicas, Manah Depauw y
Bernard Van Eeghem, realizaron un recorrido artístico, creativo y propositivo
del Génesis al Apocalipsis, en una representación escénica sui géneris, en el
marco del encuentro Transversales 2010, que se lleva a cabo en las ciudades de
Pachuca, Hgo. y en la capital de la República Mexicana, bajo el sello de
Margarita Productions, procedente de Bélgica.
La lectura consiste en una representación del origen del mundo, de cómo fue
concebido por Dios, aclarando que no es una recreación del primer libro de la
Biblia, sino de una reinterpretación, que se adentra a aspectos sociales,
psicológicos y antropológicos del ser humano y su participación en los tiempos
contemporáneos.
De una tranquilidad inicial, donde todo era armonía y paz, elementos con
los que el Creador se deleitaba, algo pasó que vino a trastornar la concepción
original. Dios al ver tanta belleza decidió que requería algo de movimiento y
así concibió a los animales, pero siguió y surgió el hombre, con lo que todo se
vino al traste.
Aparecen “las bestias ocultas” y éstas habitan en la persona humana. Las
consecuencias, entre otras, adquieren tintes políticos, y emergen los Estados
Unidos, con su poderosa fuerza bélica para combatir y exterminar esos demonios, esto es el diablo atacando al diablo. Cabe aclarar que
no es un recorrido bíblico en estricto sentido, ya que se da un brinco del
primero al último de los textos del Nuevo Testamento –sin olvidar el martirio
de Cristo-, para llegar de lleno al fin del mundo, pero no en la forma que
habitualmente nos imaginamos sino …
La representación escénica está dividida en tres partes. Los actores se
desempeñan en unas escenografías, por denominarlas de alguna forma, que no son
otra cosa que unas grandes maquetas llenas de pequeños objetos que van
adquiriendo significados reales y metafóricos: arbolitos, animalitos,
tanquecitos, soldaditos y un largo etcétera.
La actriz es la encargada de manipularlos, es como si una niña se pusiera a
jugar y la historia fuera la creación y destrucción del mundo. El actor, en un
primer momento, emerge de esas maquetas y sólo su cabeza queda a la vista del
público. Sin embargo, con sólo con ésta logra transmitir al publico una
variedad emocional impresionante, al grado que se representa la crucifixión en
forma notable y sencilla.
En una primera parte hay un texto que es escuchado en off –en esta ocasión
no hubo subtitulaje-, sin embargo las imágenes tiene tal grado de plasticidad
que el espectador no tiene mayores problemas para seguir lo que acontece con
esos pequeños objetos con los que interactuaron los actores.
Entre actos, la producción se vale del multimedia, para recrear a un Adán y
a una Eva que rompen con los convencionalismos; tal vez provocativos, pero no
irreverentes, más bien creativos y tratando de encontrar una nueva, al menos
alternativa, de ver la relación Dios-Hombre-mujer-Mundo.
Como parte de es enajenación, de esos demonios sueltos que atacan al hombre
–siguiendo la máxima de Hobbes de que el hombre es el lobo del hombre- aparecen
las marcas comerciales que dirigen la vida de los que hoy son conocidos como
consumidores, en realidad aquellos que son consumidos por los artículos que la
publicidad les encaja.
Margarita Productions, se granjeó el respeto y reconocimiento del público,
con su propuesta intitulada How do you like my landscape? Lo lamentable fue que sólo hubo una función. Bienvenidos este tipo de
espectáculos que reiteran lo que hemos sostenido en varias ocasiones: el mejor
teatro es el que se hace con la imaginación, no con millones de pesos.
Julio 2010
En Julio acudió Bruno Bichir a divertir
niños, en Estancias Infantiles
No
se lo cuente a su madre
y
¿Qué
hacemos con mamá?
Por Mariana
Jano
Una vieja dama simpática y ridícula le pregunta a su nieto quien
viste un tutú rosa y revolotea por la sala -¿A qué crees que juegas?
-A mi femineidad.
Contundente y espontáneo el nieto ha sentido ya euforia y salvación,
desnudó su alma e ignoro a su abuela.
Habría que preguntarle cómo se volvió libre, mientras en el trance
la abuela perdió la memoria y apareció un extraño vendedor de
enciclopedias.
La obra de Luis Alcocer No se lo cuente a su madre apareció en
la recopilación
Nuestros dramaturgos de Yucatán, editado por el
fondo Tierra adentro y al igual que ¿Qué hacemos con mamá? Que
se presenta en la misma función, forma parte de cinco obras breves
tituladas anteriormente Las vaginas tenían dientes y salían de noche a
comer por los campos.
Con suculentos platillos como pierna en su jugo, se le abrió el
apetito a dos parejas que celebran en una cena en casa de la madre
de uno de ellos, e la segunda obra.
La madre, maltrecha, sucia y medio coja al perecer incapaz de hacer
nada, merodea por la sala. La escena nos hace recordar a cierto poeta
que decía que la alegría de espantar es algo profundo y duradero.
Bueno con tales alegrías se me olvidaron los
¡20 minutos de
intermedio! señores, practiquen lo que más les da placer… porque sí,
esa noche, en el Centro Cultural de la Diversidad, en la Col. Roma,
los actores salieron impecablemente bien caracterizados, dieron lo
mejor de sí como Nacho Rodríguez, Juan Romanca o Miguel Plata y
fueron muy prudentes con las indicaciones del director Juan Ramón
Góngora.
Luis Alcocer, es también investigador, guionista y además
de publicar, trabaja para el CITRU (Centro de Investigación
Teatral Rodolfo Usigli). Estas obras se refieren, según comentó a
actualizaciones muy personales de la dramaturgia del Théatre du
Grand Guignol, término que tal como se utiliza hoy en día se refiere
a cualquier entretenimiento dramático que se ocupa de lo macabro y
características de violencia gráfica, y que viene del teatro parisino que
el público horrorizado vio por más de 60 años. El teatro fue fundado
en 1897 por Oscar Metenier como una extensión del teatro naturista,
es decir que contenía entre otros elementos una visión sombría
de la vida. El Grand Guignol cerró sus puertas en 1962 y el cierre
se atribuye al hecho de que los horrores de imitación habían sido
eclipsados por los acontecimientos reales del holocausto dos décadas
antes.
“Nunca podría igualar Buchenwald” dijo su director final, Charles
Nonon. Antes de la guerra todo el mundo sentía que lo que estaba
sucediendo en el escenario era imposible. Ahora sabemos que estas
cosas y peor aún son posibles en la realidad”.
En estas dos obras cortas, que en breve van a provincia, sin duda
como diría John Zorn hay una referencia a la parte más oscura de
nuestra existencia que siempre ha estado con nosotros y siempre lo
estará.
LAS MUERTAS
Eugenia
Galeano Inclán
9 de julio
de 2010
Al inicio de
los años sesentas una nota roja conmocionó a nuestro país. En León,
Guanajuato
fueron exhumados los cadáveres de unas jóvenes mujeres y este fue la
clave para
desenmascarar a “Las Poquianchis”, dos hermanas que se habían dedicado al
lenocinio.
La magnitud del impacto fue tal que a pesar del transcurso de los años se sigue
hablando de
esa historia, tanto así que si preguntáramos a algún adolescente es casi seguro
que sabe de
la existencia de “Las Poquianchis”. Se dice que el periódico llamado “Alarma”
debe su fama
precisamente a esa noticia, a partir de la cual creció y tuvo que ampliar su
circulación.
El reportero
Enrique Estrada Barrera que por aquel tiempo trabajaba para El Heraldo
cuenta que
antes de que las comunicaciones fueran inmediatas, los periodistas trabajaban
directamente
con la policía para obtener sus notas. Fue él quien publicó dos denuncias
contra “Las
Poquianchis”, la primera, el día 13 de octubre de 1963, a través de un
reportaje
de ocho
columnas bajo el encabezado “Banda de Tratantes de Blancas Descubierta en
Lagos de
Moreno; Vienen de la frontera a vender a jovencitas; Revelaciones hechas por
una de las
que los lenones explotan inhumanamente”. La segunda, el día 21 de octubre de
1963, en un
reportaje de igual formato que encabezó como “Escandalosa Trata de Blancas;
Comprueba la
Policía Jalisciense la denuncia de varias jovencitas; moderna Sodoma y
Gomorra en
la vecina Lagos y las Autoridades toman cartas para frenar el vicio”. Estas
notas
provocaron curiosidad pero no fue sino hasta el macabro hallazgo que se produjo
el
verdadero
impacto. El domingo 12 de enero de 1964 fue la fecha en que se llevó a cabo la
primera
detención oficial.
De cualquier
forma, de estos lamentables sucesos derivaron cosas buenas relacionadas con
el arte.
Jorge Ibargüengoitia, reconocido escritor y periodista mexicano recopiló datos
y en
1977 produjo
su obra “Las Muertas”. Inspirado en “Las Muertas”, Felipe Cazals, director
de cine
galardonado con tres Arieles, filmó en 1976 “Las Poquianchis” que casi todos
los
mexicanos
acudieron a ver a las salas cinematográficas.
El músico
Enrique González-
Medina
encomendó a D.J. Carlile un libreto basado en la novela “Las Muertas” y produjo
una ópera
cómica bajo el nombre de “Serafina y Arcángela” que fue estrenada en el Teatro
State
Playhouse en Los Angeles, California, en 2001. Ahora, toca el turno a Martín
Acosta,
quien apenas
estaba naciendo cuando sucedieron los hechos, hacer un montaje basado en el
texto de
Ibargüengoitia, proyecto que acarició durante mucho tiempo.
Martín
Acosta ha puesto al servicio del montaje su amplia experiencia y su profundo
conocimiento
de la teatralidad. La estructura es impecable y cada escena ha sido cuidada
hasta en el
detalle más insignificante. Con muy poca escenografía, utilizando ciertos
trastes
y elementos,
se ubica perfectamente al espectador. Los actores son estudiantes de CasAzul
que con este
montaje concluyen su carrera de actuación.
A lo largo
de la escenificación de “Las Muertas” se van entretejiendo dos aspectos
distintos de
la historia en forma tal que en lugar de oponerse se complementan uno a otro.
Por un lado,
se encuentra la sordidez del asunto, para lo cual tendremos que presenciar
declaraciones
ante el ministerio público y algunas confesiones. Por el otro lado, se
encuentra el
lado humano de los personajes, su candidez, su buena voluntad, sus anhelos,
sus
ilusiones. Junto con ellos recorreremos lugares de Guanajuato y Jalisco y
tendremos
una idea muy
cercana a la realidad de cómo fueron la Casa del Molino o el Casino del
Danzón.
Por
momentos, pudiera parecer que estamos ante un documental por lo narrativo de la
historia,
pero la pasión que ponen los personajes en el relato, la agilidad del
desplazamiento
escénico y
la secuencia entre uno y otro cuadro, capta totalmente el interés del
espectador,
haciendo que
resulte imprescindible conocer más y más detalles.
Con base en
el texto de Ibargüengoitia, Martín realizó una adaptación para teatro, en
donde
delineó en forma precisa cada personaje con sus defectos y virtudes y en forma
acertada
repartió los roles entre sus alumnos, tomando en cuenta sus rasgos físicos y
sus
habilidades
histriónicas. El entusiasmo que puso en este montaje se tradujo en una sinergia
tan
atrayente que envolvió a todo el grupo y es así como logra que jóvenes
estudiantes
de
actuación, hijas de familia, con educación y principios morales se transformen
en
auténticas prostitutas y luzcan vulgares y desvergonzadas en total desparpajo.
Cada escena
fue bordada teatralmente a pulso, adicionando el montaje con uno que otro
cuadro
deportivo y adecuadas coreografías con música incidental acorde a la época,
como
por ejemplo
el vibrante danzón Nereidas. El vestuario diseñado por Mario Marín del Río
complementa
la acción atinadamente. El espacio escénico ideado por Mario Marín del Río,
Martha
Benítez y Martín Acosta es el adecuado de principio a fin. Gran ingenio
muestran
en el uso de
los elementos escénicos, incluso para la representación de las muertas. El
diseño de
iluminación lo realizó Martha Benítez y el diseño de movimiento Ichi Balmori.
Otro acierto
de Martín fue lograr que los incipientes actores formaran un grupo homogéneo
(cosa rara
entre estudiantes), ofreciendo excelentes interpretaciones, aún en sus dobles
o múltiples
personajes. El reparto está conformado por: Adriana Montes de Oca, Paola
Torres Rico,
Denise Farjat, Saúl Mercado, Joaquín Herrera, Edgar Salas, Diana Elizabeth
Torres,
Itzel Amador, Zaira Ballesteros, Gimena Gómez, Diana Medrano Sáenz, Estefanía
Martínez,
Gisel Casas Almaraz, Daniela García Cortés, Emmanuel Cebreros, Gerardo
Miranda
Arbona y Norma Mora. A todos ellos, nuestra felicitación.
“Las
Muertas” es un montaje digno de verse, se lo recomendamos ampliamente y
sugerimos
que se apresure porque estará poco tiempo en cartelera.
Las Muertas
se presenta:
Sábado 10 de
julio a las siete de la noche
Miércoles 14
y 21 de julio a las ocho de la noche
en el Teatro
El Milagro
MOLOK O DE LA
VIOLENCIA
Eugenia
Galeano Inclán
7 de julio
de 2010
Con la
presentación de “Molok o de la Violencia” concluye la residencia en el Teatro
El
Milagro del
grupo El Regreso de Ulises al mando de Mariana García Franco. Como lo
comentamos
anteriormente, “Molok o de la Violencia” es la que dio inicio a la trilogía de
trabajos
sobre la violencia que fueron emanando de laboratorios teatrales realizados por
los
integrantes
del grupo bajo la supervisión y dirección de Mariana.
El tiempo
transcurrido desde el nacimiento de “Molok o de la Violencia” y la puesta
en escena de
las otras dos partes de la trilogía [“El Rapto” y “Parajes Desoladores” –
segunda y
tercera, respectivamente–] nos brindan la oportunidad de apreciar con detalle
los
elementos
evolutivos del proceso que registra este grupo. Notamos que antes daban mayor
espacio a la
dramaturgia, toda vez que en “Molok o de la Violencia” existe un texto que
acompaña a
los personajes a lo largo de la obra y las palabras no son tan repetitivas como
en “Parajes
Desoladores”. El trabajo corporal está siempre presente como parte esencial
del grupo.
Las imágenes multimedia son incorporadas a los espectáculos cada vez con
mayor
eficacia. La música –casi siempre original– coadyuva a lograr el entorno
apropiado
y a imprimir
un sello particular. La temática elegida es la violencia, sin embargo, aún con
la trilogía
completa no alcanzan a tocar fondo en la misma. La violencia es tan ancestral
como la
humanidad y tan amplia como el mundo. Quizá la juventud de los integrantes
del grupo y
la fortuna de no haber experimentado en carne propia la violencia es lo que
les limita
su exploración. Curiosamente, en su espectáculo “Sin Nombre” –que no forma
parte de la
trilogía– hay más referentes al tema, dado que hay imágenes que remiten al
holocausto.
Mariana
García Franco comentó que en lugar de poner énfasis en la violencia social como
tal, se
abocaron a esa violencia mental que es la que propicia la física: “Es una
reflexión
sobre los
motivos que detonan esa violencia en nuestra sociedad y cómo se va gestando
en nuestro
cerebro para que eso suceda”. Para tal efecto, tomaron como punto de partida
el texto
original del levítico que es el tercer libro del Pentateuco del Antiguo
Testamento.
Para
referirnos a Molok, transcriben de Levítico 20 1–5: “Si un hombre cualquiera
entrega
a sus hijos
a Molok, morirá irremisiblemente, el pueblo de la tierra lo lapidará. Yo mismo
volveré mi
rostro contra ese hombre y lo extirparé de en medio de su pueblo, por haber
entregado un
hijo suyo a Molok”. Así mismo, toman de ese Levítico algunas de los
decretos que
se escuchan dentro de la obra.
Según relata
la Biblia, el culto religioso de los Cananeos consistía en quemar a sus hijos
pequeños
vivos dentro de una estatua de bronce al rojo vivo llamada "Molok",
hecho que
ha sido
corroborado a través de descubrimientos arqueológicos. Los pueblos cananeos
acostumbraban
a ofrecer sacrificios humanos y a practicar actos de sodomía ritual. Con el
propósito de
frenar esto, se emitió el Levítico, supuestamente dictado por el dios Jehovah.
Desde
nuestro punto de vista, “Molok o de la Violencia” es un espectáculo que más
que estar
impregnado de violencia lo está de erotismo. Desde el inicio, nos reciben con
una escena
de bella plasticidad. Los personajes se encuentran en el piso, uno sobre otro,
totalmente
al desnudo. Al darse la tercera llamada, se ponen de pie y se visten para luego
reunirse
alrededor de una mesa cual si estuvieran en la reunión de una célula secreta,
en donde al
líder, dictador, sumo sacerdote o lo que sea le serán leídos los proyectos de
decreto para
su aprobación, todos y cada uno de dichos decretos relacionados con lo que
no está
permitido en cuanto a relaciones íntimas. El ambiente es bastante relajado. Se
ven
jóvenes
dispuestos a explorar su naturaleza sensual para vivirla y disfrutarla al
máximo.
Son seres en
libertad que no se imponen limitación alguna, están abiertos a cualquier tipo
de
experiencia. Sobre la mesa se inspecciona el cuerpo de la joven que lee los
decretos –
su rostro
denota el orgullo que siente por ser la elegida. Una chica platica sobre sus
sueños
con
animales, otros desean bailar y lo harán con quien esté dispuesto a
acompañarlos.
Alguna ya
dañada por el abuso de las drogas ofrece algo para inhalar a los demás. Un
círculo
cerrado en donde todos están por voluntad propia, donde no se fuerza a nadie
a hacer lo
que no desee y donde todos se sienten libres, se ven radiantes y satisfechos.
Como de
costumbre, aplaudimos el compromiso de los actores y su buen desempeño
corporal. En
esta ocasión conforman el reparto: Sophie Alexander-Katz, Soraya Barraza,
Gutemberg
Brito, Ignacio Ferreira, Gisela García Trigos, Edson Martínez, Patricia Ortíz,
Maricela
Peñalosa y Daniel Rivera. El espectáculo es de Mariana García Franco. La
música
original y el diseño sonoro son de Rodrigo Espinosa, el video de Ignacio
Ferreira, la
iluminación
de Didier Alexander y el trabajo corporal de Edson Martínez. Mariana García
Franco logra
de todo su equipo un trabajo comprometido y atinado.
Es un hecho
que con “Molok o de la Violencia”, El Regreso de Ulises logra su objetivo
de entablar
un diálogo con el espectador. El público habrá de tener una reacción tras
adentrarse
en el mundo que se escenifica. El obtuso quizá se sienta intimidado ante
tanta piel.
Al tradicional tal vez le disguste una historia que no es clásica. El sensible
podrá
sentirse contagiado de tanta sensualidad y correrá al lado de su pareja para
cerrar
con broche
de oro la noche. Si usted desea saber cuál es su reacción, tendrá que acudir a
ver “Molok o
de la Violencia”. Se la recomendamos.
Molok o de
la violencia
se presenta
los
Martes a las
ocho y media de la noche
en el Teatro
El Milagro
Teatrikando
Por
BENJAMIN BERNAL
Usted esta
ahí
Es una obra
cuya trama parte de Tebas y poco a poco va mostrando su afinidad con nuestra
época. Se entrevista Zaide con el elevado funcionario público que deberá tomar
decisiones sobre un muchacho secuestrado. Si, así se convierte en la
vocera de muchos mexicanos que han sufrido un delito, con mayor precisión se
habla de un secuestro (Wallace) que puede ser el famoso caso en que una madre
angustiada hace más que las autoridades. No pueden o no quieren, pero el caso
les rebasa poco a poco, los medios se conmueven de esa mujer y le abren
espacios. Al menos quiere el cuerpo.
Rodrigo
Murray, Karina Gidi, José Carlos Rodríguez, Miguel Conde, Sonia
Franco acompañan a la dama de mente clara que quiere recuperar a su hijo,
aunque sea simbólicamente. Es un texto interesante, que sale de lo gastado,
para ver un rompimiento de la realidad, del tiempo, lugares, para dar paso al
enfrentamiento de dos fuerzas igual de poderosas, el funcionario que
desea votos y la mujer que clama justicia. Teatro El Galeón, sábados y
domingos. Excelente en cada uno de loselementos que intervienen, destaca la
dirección de Lorena Maza al texto de Bárbara Colio.
Juan Ignacio
Aranda dirige JoJo, historia de un saltimbanqui
Festival
Cabaretero en el Vicio
En Madrid
13, Coyoacán, puede usted ver todos los días, diferentes montajes de Teatro
Cabaret. Acabo de ver Bird Brains, con Anna Jacobs, Ryder Cooley y Gretchen
Hildebran, viene de Nueva York para mostrarnos una historia ecologista,
humorístico, en el que mezcla acrobacia, cine, interpretan guitarra,
acordeón, para llevarnos a pasear por los aires en un avión, en el
trapecio. La barrera del idioma se rompe con letreros, con la pantomima
para que usted se preocupe por el pájaro Dodo a punto de desaparecer. En
realidad miles de especies están amenazadas. Todos los dias hasta el 28 podrá
usted acudir a ver a Astrid Haddad (3 julio) Andres Carreño (
domingo 4) Vanessa Bauche (martes 6) Esto es una muestra, pero diario hay tres
montajes, internacionales varios de ellos.
Aida
Vimos la
ópera rock Aida en el Teatro Rafael Solana dirigidos por Marco
Antonio y Beto Torres. Es poco conocida esta creación de Elton John y Tim Rice,
brillan varios actores y actrices, entre ellos nos llamaron la atención los
intérpretes de Aida y el General, del que se enamora, en una recreación de
Romeo y Julieta en Egipto; realmente nos llenaron el ojo. Es una maravilla la
recreación de la escenografía y vestuario, realmente son muy creativos.
Felicidades, fue una pequeña temporada pero vienen más.
La venganza
de don Mendo
Roberto
Sen sacó de su librero esta obra de Pedro Muñoz Seca y nos divirtió
enormidades, es más, la convirtió en musical. Le acompañan Ana Bertha Espín,
Wilebaldo López, René Azcoitia, dentro de un enooorme elenco. Bello trabajo con
bromas cultas y albureras para el gusto de todo público.
"Qué
tipo tan inoportuno, además, canta como vacuno" "Esta mora, que en la
zarza mora" "No puede andarse con pigmeos, haciendo tantos
flirteos" Son algunos de los versos ripiosos que nos regala Roberto Sen.
La vi en el
Jorge Negrete, pero va hacer temporada itinerante con el sistema
Teatro del Pueblo. Donde la vea anunciada, no deje de verla.
Teatro, teatro y más teatro (ACTUAL)
|
ATESTIGUAMOS el debut
de Sherlyn en “Mamma mia!”, pensando que el público brillaría por su ausencia, ya que
ese domingo, a la misma hora, México se enfrentaba a Argentina, dentro del
Campeonato Mundial de Futbol.
Lo anterior motivó que no confirmáramos nuestra asistencia a Hugo Hernández
y Elena Mendoza -leáse, prensa de Ocesa Teatro-, pero ¡oh sorpresa! el Teatro
Telmex estaba tan repleto que estuvimos a punto de quedarnos sin butaca.
Sherlyn , quien además participa los domingos por la mañana en el montaje “Mago de Oz”, dio vida a Sophie, papel que tiene como titular a Gloria Aura, una niña tan mona y talentosa como su flamante alternante.
Sherlyn , quien además participa los domingos por la mañana en el montaje “Mago de Oz”, dio vida a Sophie, papel que tiene como titular a Gloria Aura, una niña tan mona y talentosa como su flamante alternante.
Lo primero que nos asombró de “Mamma mia!”fue descubrir la voz de Frida
dando vida a Donna, personaje que dejó vacante Rocío Banquells y que también
encarnan Pia Aun y María Filippini.
Las canciones de ABBA suenan diferentes interpretadas por Frida, aunque,
para nuestro gusto, la actriz y cantante idónea para encabezar este delicioso
musical hubiera sido Angélica María.
Fue la primera vez que no vimos a Carlos Rivera escenificando a Sky, de ahí
que su sustituto no generara los aullidos que las admiradora del apuesto
tlaxcalteca acostumbran lanzar apenas asoma las narices.
El director José Solé fue de las pocas caras conocidas que descubrimos, así
como la del actor guatemalteco Iván Rodríguez Payeras, quien, por cierto, esta
semana lo veremos actuando en un par de capítulos de la telenovela “Zacatillo”.
Al terminar la función, salimos disparados al programa “Fórmula Dominical”,
que conduce Flor Rubio, donde lo primero que comentamos sobre la actuación de
Sherlyn fue: ¡Prueba superada!, a pesar que antes de este debut sólo vio una
vez la obra, sin pensar que un día sería parte de ella. “Después me hablaron y
ensayé como tres semanas, además casi todas las funciones de viernes, sábado y
domingo me las aventé sentada, tomando notas y revisando todo; estoy feliz con
mi estreno y seguramente me voy a ir a casa a dormir 12 horas seguidas”,
subrayó la nueva Sophie, ante la cara de beneplácito del productor Morris
Gilbert.
DOBLANDO la hoja: Se va “Buenas noches, mamá” del Teatro Libanés, pero ya
viene “La retirada”, con Rogelio Guerra y Nuria Bages al frente del reparto,
donde el verdadero anzuelo para ver esta obra será José María de Tavira, el
atractivo novio de Ana Claudia Talancón, quien lo tendrá más cerca que nunca, escénicamente
hablando, ya que los teatros donde ambos trabajan están a escasos 250 metros de
distancia.
BRUNO Bichir protagonizará, en noviembre próximo, la obra teatral “El
coleccionista” junto a la ojibella Bárbara Mori, confirmó el productor Jorge
Ortiz de Pinedo, luego de que Gael García desechó la invitación que le giró.
MARIMAR Vega, por su parte, siempre no formará parte del elenco de “5
mujeres usando el mismo vestido”, pues Raúl Quintanilla acaba de presentar el
elenco y el lugar que ocuparía la novia de Adrian Uribe ahora lo tiene Lucía
Leyva.
En cambio, el reparto original, cononformado por Paola Núñez, Erika de la Rosa, Cecilia Ponce, Griselda Contreras y Fernando Alonso, sí está contemplado para debutar, en el Telón de Asfalto, el próximo 16 de julio.
En cambio, el reparto original, cononformado por Paola Núñez, Erika de la Rosa, Cecilia Ponce, Griselda Contreras y Fernando Alonso, sí está contemplado para debutar, en el Telón de Asfalto, el próximo 16 de julio.
Por cierto, habría sido la quinta obra que hubiera escenificado la
primogénita del actor Gonzalo Vega.
AHORA que Erick del Castillo estuvo presentando su espectáculo “¡Llegó la
Revolución señores!”, en el Teatro Blanquita, comentó que recibió por parte de
Paramount Pictures una oferta para encarnar a San Pedro en una película que
iniciará su rodaje el próximo mes de septiembre. El primer actor indicó que ya
recibió el libreto, pero no ha tenido oportunidad de leer debido a su
absorbente trabajo en la telenovela “Soy tu Dueña”, donde tiene a su cargo el
padre del protagonista.
OTRA puesta que se avecina es la nueva producción de Rubén Lara: “Las
Heridas del Viento”, cuyo elenco lo forman Otto Sirgo, Osvaldo de León,
Mauricio Mejía y Pablo Cruz.
Ya les contaremos más al respecto.
Ya les contaremos más al respecto.
Por hoy, es todo.
Teatrikando
Por BENJAMIN BERNAL
Teatro en Prisiones
Arturo Morell presentará su película Don Quijote: un grito de
libertad, que realizó a lo largo de diez años, al enseñar teatro en las
cárceles del país. Les enseñó cómo escenificar el famoso musical, con
cantantes, bailarines, actores, internos de los mismos centros de
reclusión. Lo estrenó en la Cineteca hace ocho años y después fue
nombrado cónsul en Miami, Florida. Lo va a presentar en el Tower
Theater de Miami Florida, el jueves 8 de julio. Es un orgullo ser parte del
filme, ya que acudimos al penal de Querétaro a presenciarlo, Andres Roemer fue
otro de los visitantes. Lo felicitamos.
El grupo Jadevolucion-arte monta “Demos libertad al preso” un trabajo encabezado
por Donnovan Santos que lleva a las prisiones del Estado de Guerrero,con un
enorme éxito, ahora usted puede verlo, se presenta los días 1, 8 y 15 de julio,
a las 16 horas, en el foro José Martí cercano a la Alameda Central.
Es divertido y tiene un positivo fondo. Sin costo.
Don Quijote, por Carlos Bracho
En el Julio Prieto, antes Xola, Carlos Bracho, el estupendo actor que usted
conoce, ha realizado un gran trabajo literario para dar vida al personaje más
conocido de la literatura universal. Toma varias escenas conocidas y otras que
no habíamos leído hace muchos años, para reflexionar sobre la locura humana, la
justicia, el amor, la amistad, el valor y los humanos que se creen dueños de la
lógica. Sólo los viernes a las 20 horas ahí en la colonia Narvarte.
Zoot Suit celebra 70 años de vida a Luis
Valdez
Esta obra de Luis Valdez, que defiende con humor el respeto a los Derechos
Humanos, cumplió 100 funciones, además, celebró los 70 años del autor Luis
Valdez. México Norteamericano que vino a ver el estreno que se hizo de Zoot
Suit con la Compañía Nacional de Teatro, se quedó algunos meses y le hicieron
una fiesta ¡con Mariachis¡ en el Juan Ruiz de Alarcón, de la Ciudad
Universitaria, por cierto le quedan pocas funciones de jueves a domingo.
End Game estrenó con la Compañía Nacional
Teatro
En la sede de la CNT, ubicada en Francisco Sosa 159,Coyoacán, se presenta
los sábados y domingo a las 20 horas, dura hora y media. Vimos en un gran nivel
a Claudio Obregón, Diego Jáuregui, Gabriela Nuñez y Octavio Michel, con ayuda
de Luis Lesher y David Lynn, como sombras. La ruptura con la lógica y la visión
humorística de nuestras ideas, los conceptos, prejuicios, todo “lo que es
obvio”, familia “socialmente obligatoria y probada”, no mencionaremos los
probados gobiernos que siempre tienen la razon. ¿Por qué obedecemos a ciertas
personas? Padres, curas, políticos? He visto la obra en varias ocasiones y la
dirección hace la diferencia, en este caso es Abraham Oceransky y logra
integrar el humor negro con la belleza, además de un grupo actoral de gran
nivel. Claudio Obregón es el viejo que domina, ordena, y Diego el que obedece.
¿Conoce una pareja así?
LA TRAGEDIA INTERIOR DEL SER HUMANO Y SUS RELACIONES
DEPENDIENTES BAJO LA PERSPECTIVA DE SAMUEL BECKETT
Por: Alejandro Laborie Elías
En el mundo contemporáneo son muchos los que sostienen
que la mayor tragedia del ser humano es su propia existencia, el debate
interior que vive día a día y, como consecuencia, las relaciones de dependencia
y enfermizas que establece con sus semejantes. El tema ha sido tratado por
infinidad de especialistas, psicólogos, sociólogos, antropólogos, entre otros,
y, no podía ser la excepción, por dramaturgos.
Samuel Beckett es uno de los autores teatrales más destacados en este
rubro, no sólo por el espléndido manejo del lenguaje, esto es la forma, sino
por la profundidad, inteligencia y conocimiento sobre la trascendencia o
intrascendencia del devenir de la persona, el fondo del conflicto existencial.
Como dramaturgo no tuvo la menor consideración, desnudo el alma humana sin
piedad, abordó los misterios del comportamiento que no tienen explicación
lógica, lo único que en verdad sabemos es que son conductas que se dan y que
son difíciles de erradicar. Más loable es que se adelantó a su época, porque
varias de sus obras parecen un diagnóstico de la sociedad del siglo XXI; no es
que antes no existiera esta problemática, tal vez se ha dado desde que el
hombre es hombre, sólo que se ha agravado y Beckett tuvo la visión de plasmarlo
dramatúrgicamente.
Claudio Obregón se abocó a traducir, Abraham Oceransky llevar al escenario
el texto Final de partida, ahora bajo el título de Endgame. El trabajo del primero es bueno. Con relación al director, es del dominio
público que Abraham se ha distinguido por ser provocador, innovador,
irreverente, apartado de los convencionalismos, un verdadero revolucionario y,
por qué no, temerario de las artes escénicas, para gusto de muchos y disgusto
de no pocos ortodoxos del quehacer teatral, llámense críticos o espectadores.
Esa era la expectativa en la comunidad teatral: ¿Con que nos va a sorprender
Oceransky en esta ocasión? La cuestión es sí el montaje reúne todos o algunos
de los adjetivos arriba mencionados o nos quedamos con hambre de ver al
director que provoca controversia en cualquier lugar donde se presenta.
Creo que Abraham no satisfizo nuestras expectativas, esperábamos más de él.
Creo que, como suele suceder, es presa de sus propios lenguajes, de sus
convencionalismos –si se me permite la expresión-, el director revolucionario
se ha institucionalizado en sus formas y ya no hay una renovación fresca. Esto
no se debe entender que su propuesta no tenga sus propios méritos, simplemente,
a fuerza de ser reiterativos, esperábamos mucho más del maestro Oceransky.
Claudio Obregón lleva uno de los protagónicos. Es lamentable aceptar que el
tiempo no pasa en vano y el otrora mejor actor del teatro mexicano –claro,
desde mi particular punto de vista- está anquilosado; un hombre que da su mayor
esfuerzo pero ya minado en sus posibilidades reales en el escenario.
Es innegable que tiene momentos
brillantes, pero ya no es aquel que con su sola presencia llenaba el espacio,
él que con su sola voz cautivaba al público. En esta ocasión pierde el género y
convierte su participación en una comedia, cosa lamentable cuando se trata de
un texto de Beckett que no fue concebido para que la gente se carcajee a cada
momento como si se tratara de una de un texto ligero y no de un autor que
provoca la reflexión, con algo de humor negro, cierto. Lo que hay que aceptar
es que la gente lo respeta, conoce su trayectoria y lo menos que hace es
tributarle un reconocimiento con el aplauso sincero a quien se admira.
Diego Jáuregui alterna con Claudio y, por
momentos lo supera con creces, sin negar que cae en el ritmo y tono de éste,
dicho de otra forma y reiterando, los dos se van a la comedia. El resto del
reparto lo integran Gabriela Núñez, Octavio Michel y David Lynn.
La escenografía es también responsabilidad
de Oceransky, que es de lo más acertado del montaje, así como la iluminación,
maquillaje y vestuario, créditos que omite el programa de mano.
Endgame es una producción de la Compañía Nacional de Teatro que dirige el maestro
Luis de Tavira. La temporada alternará fucnicones: Sala de la Casa de la CNT,
del 3 de julio al 1º de agosto a las 12:00 horas y en Teatro Benito Juárez del
13 al 28 de julio, martes y miércoles a las 20:00 horas.
Junio 2010
Teatrikando
End Game estrenó con la Compañía Nacional Teatro
Por BENJAMIN BERNAL
En la sede de la CNT, ubicada en Francisco Sosa 159, Coyoacán, se presenta
Final de Partida los sábados y domingos a las 20 horas, dura sólo hora y
media. Vimos en un gran nivel a Claudio Obregón, Diego Jáuregui, Gabriela Nuñez
y Octavio Michel, con ayuda de Luis Lesher y David Lynn, como sombras. Habla de
la ruptura con la lógica y permite reírnos con la visión humorística de
nuestras ideas, los conceptos, prejuicios, todo “lo que es obvio”, la familia
“socialmente obligatoria y probada”, por no mencionar los gobiernos que siempre
tienen la razón. ¿Por qué obedecemos a ciertas personas? Padres, curas o
líderes? Quizá usted tenga la respuesta.
He visto la obra en varias ocasiones y la dirección hace la diferencia, en
este caso es Abraham Oceransky y logra integrar el humor negro con la belleza,
la escenografía merece mención aparte por bella y funcional; además logra
reunir un grupo actoral de gran nivel. Claudio Obregón es el viejo que domina,
ordena, y Diego el avasallado. ¿Conoce una pareja así?
Muchas veces he visto esta obra con otros directores que le dan una visión
gris, nebulosa, densa, como si fuera una propuesta filosófica, existencialista
en que me desgarro las vestiduras y muestro que hay intensidades obscuras y
vehementes, lamentos de la vida para entrar en la catarsis vivificadora. Yo no
veo así a Beckett , es una fuente de encuentros, carcajadas para devenir en
llanto interno al habernos reconocido relacionados con nuestro mundo;
estructurado de forma monolítica, aunque por dentro parezca queso
gruyere.
Al salir vemos reflexionando internamente o con nuestros amigos para
olvidar el dolor de una vida irreflexiva y también los dias de
locura que vive México, absolutamente faltos de sentido, los libros de historia
serán escritos por Ionesco y Beckett sin que nadie note la diferencia. Un gran
montaje del director de Simio.
GAEL García le hizo "fuchi" a
Bárbara Mori, César Costa pospone la escenificación del musical "El
suéter", hoy habrá noche gay en la segunda función de "Todo sobre mi
madre"
- Ginny Hoffman fue homenajeada en
"Confesiones de mujeres de más de 30"
EL
BREVE ESPACIO
- Por culpa de "Teresa", Ana
Brenda abandona "Timbiriche, el musical"
- Sherlyn debutará, el próximo domingo,
en la comedia "Mamma mia!"
- Mayté Perroni y Sebastián Zurita
estrenan hoy "Cena de matrimonios"
Por Mario DE LA REGUERA
PARECE que fue ayer, pero la simpática
comedia "Confesiones de mujeres de más de 30" cumplió 13 años en
cartelera y, de paso, celebró antenoche las 3 mil 400 y 3 mil 500
representaciones, donde, además, se homenajeó a Ginny Hoffman, por sus 30 años
de actividad artística.
La cita fue en el Teatro Jorge Negrete,
el cual tuvo lleno total, para beneplácito del productor Morris Gilbert y su
reparto conformado por: Bricia Orozco, Lolita Cortés y la ya mencionada
Hoffman, quienes se mostraron como apunta el programa de mano: explosivas,
gloriosas y regias.
Casi al final se les unieron Marissa
Saavedra y María Sandoval, quienes, próximamente, se sumarán al reparto de esta
obra que tuvo como padrinos a: Gloria Aura, Carlos Rivera y la colega Ana María
Alvarado.
Momento emotivo de esta triple
celebración fue el video que proyectaron en honor de Ginny: desde sus primeras
actuaciones -encabezadas por el programa de televisión
"Chiquilladas"- hasta las últimas en varias telenovelas, sin olvidar
su participación en el musical "Anita, la huerfanita", al lado de
otras niñas tan talentosas como ella: Patricia Manterola, Pilar Montenegro y la
ya mencionada Lolita Cortés.
protagonista de "El crimen del
padre Amaro" tiene un proyecto de vida en Buenos Aires, se va a Argentina
con su familia y tiene un compromiso de trabajo que había pactado tiempo atrás.
César Costa, por su parte, informó que
el musical “El suéter”, basado en la época y los sonidos de los 60, será
pospuesto de manera indefinida.
A los nostálgicos nos puede mucho esta
cancelación, ya que César fue uno de los grandes baladistas de las décadas de
los 60 y 70, sobre todo.
También supimos que "Timbiriche, el
Musical" tendrá cambios en el elenco, ya que, por ejemplo, Ana Brenda
Contreras abandona la obra para integrarse a la nueva versión de la telenovela
"Teresa".
Y, por si fuera poco, Alan Estrada deja
el personaje masculino central, por problemas familiares, pero su papel será
heredado por Efraín Berry, su alternante.
Lo bueno es que Natalia Sosa no abandona
esta producción de Alejandro Gou, ya que la cantante veracruzana -con su
maravillosa voz- es la pieza clave de la misma.
Por otra parte, la segunda función de
"Todo sobre mi madre", en el Teatro Insurgentes, será dedicada esta
noche al público gay, 24 horas antes de su tradicional Marcha del Orgullo Gay
A propósito, Ana Claudia Talancón -una
de las actrices de esta pieza inspirada en la película de Pedro Almodóvar-
anunció: "Me voy a España el 1 de agosto, y permaneceré unas siete
semanas, aproximadamente, lamentablemente no les puedo adelantar mucho sobre la
película que haré allá.".
Finalmente, Fernanda Castillo debutó
ayer en "Monólogos de la vagina" y, pasado mañana, Sherlyn hará lo
mismo en el musical "Mamma mia!", aunque, viéndolo bien, la
escenificación de "Cena de matrimonios", en el Teatro Nextel del
Parque, con Mayté Perroni, Sebastián Zurita, Chantal Andere, Sergio Sendel,
Rodrigo Vidal, Gaby Platas y Gabriel Varela, será esta noche el estreno más
esperado de la semana.
Por hoy, es todo.
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